Chronik des Filmschnitts (II): Die Etablierung des Continuity-Systems (Edwin S. Porter und der „Vater des Schnitts“ D. W. Griffith)

Fortsetzung von: Chronik des Filmschnitts (I): Die Geburt von Film und Schnitt (Georges Méliès und die Brighton School)

Video-Version: Chronik des Filmschnitts (II): Die Etablierung des Continuity-Systems: Der „Vater des Schnitts“ D. W. Griffith

Über den Atlantik hinweg begann eine weitere Schlüsselfigur die Entwicklung des Filmschnitts voranzutreiben: der US-amerikanische Regisseur Edwin S. Porter.

Porter war zuvor Filmvorführer und trat 1900 in das Edison-Studio ein; ab 1901 begann er für die Firma Filme zu drehen und fungierte dabei als Regisseur und Kameramann. Seine filmische Vorstellungskraft war stark von Méliès geprägt, zugleich übernahm er aber auch das Schnittbewusstsein der Brighton School.

1903 schuf Porter den Film „Life of an American Fireman“ (1903). Dies war der erste amerikanische Film mit einer zusammenhängenden Handlung, geprägt von Action und sogar narrativen Close-ups – etwa von der Zugklingel. Der Film erzählt die Geschichte eines Feuerwehrmanns, der bei einem Brand eine Mutter und ihr Kind rettet. Es existieren zwei Fassungen des Films. In der ersten Version vervollständigte Porter zunächst lediglich ein stärker kontinuierliches Erzählen: Er setzte zwischen die einzelnen Aufnahmen Blenden, so wie es Méliès bereits tat. Der Feuerwehrmann rettet Mutter und Kind aus dem brennenden Haus, das Bild blendet aus, und nach der Überblendung wird dieselbe Handlung noch einmal aus der Perspektive vor dem Haus gezeigt – es ist also dieselbe, gleichzeitig stattfindende Aktion. Porter legt die beiden Versionen ein und derselben Zeit durch einen Wechsel des Kamerastandpunkts nacheinander dar. Aus heutiger Sicht wirkt diese Wiederholung der Handlung sehr langatmig, aber Porter verbesserte damit die filmische Narration.

Der Film „Life of an American Fireman“ (1903) existiert in zwei Fassungen; in der ersten Version ging es Porter nur darum, eine stärker kontinuierliche Erzählweise zu entwickeln.

Ebenfalls 1903 entstand unter Porters Regie „The Great Train Robbery“ (1903). Dies ist der erste Western der Filmgeschichte und zugleich ein Urtyp des Genre-Films. Anders als in „Life of an American Fireman“ nutzte Porter hier den Schnitt bewusst zur Zeitraffung. Der Film erzählt mit 14 Einstellungen eine relativ komplexe Geschichte und nutzt die Technik, unterschiedliche Handlungsorte durch eingeschnittene Szenen parallel zu montieren, um simultan ablaufende Aktionen zu zeigen. Die Entstehung dieses Werks hat Meilenstein-Charakter, weil Porter erkannte, dass Schnitt Raum und Zeit kontrollieren kann.

In den früheren Filmen musste die Handlung in einer Einstellung ausgespielt werden, bevor mittels Blende in die nächste Szene übergegangen wurde. In „The Great Train Robbery“ verzichtete Porter auf Blenden und Überblendungen und beschleunigte die Erzählung durch harte Schnitte. Er entdeckte, dass die Narration nicht länger allein von der Verknüpfung von Szene zu Szene bestimmt wird: Die kleinste Einheit der Erzählung ist die Einstellung. Werden zwei Einstellungen aneinandergefügt, konstruiert der Zuschauer automatisch einen inhaltlichen Zusammenhang. Diese Einstellungen können zu unterschiedlichen Zeiten und an unterschiedlichen Orten gedreht werden und erst in der Montage zu einem narrativen Ganzen zusammenwachsen. Auf dieser Grundlage schnitt Porter „Life of an American Fireman“ später neu: Er verzichtete darauf, die beiden Versionen der Handlung nacheinander zu erzählen, und montierte stattdessen die gleichzeitigen Aktionen im Inneren und außerhalb des Hauses ineinander. Damit war der Kreuzschnitt – diese bedeutende strukturelle Grammatik des Films – geboren.

An diesem Punkt waren alle grundlegenden Konzepte der Schnitttechnik bereits entdeckt – jedoch bei Weitem nicht ausreichend ausformuliert. Es brauchte einen weiteren großen Regisseur, um daraus ein System zu machen.

1908 engagierte Porter einen jungen Schauspieler für seinen von ihm selbst gefilmten Streifen „Rescued from an Eagle’s Nest“. Diese Gelegenheit markierte den Beginn einer fast 40-jährigen Legende: jenes Mannes, der als „Vater des amerikanischen Films“ gilt – D. W. Griffith.

Griffith wurde in einer verarmten Familie auf dem Land im US-Bundesstaat Kentucky geboren. Bevor er in die Filmbranche einstieg, hatte er die unterschiedlichsten Jobs. Sein Ehrgeiz war es, ein Schriftsteller à la Dickens zu werden, doch seine Gedichte und Romane fanden wenig Beachtung.

Griffith stammte aus einem heruntergekommenen Haushalt in der ländlichen Gegend Kentuckys. Bevor er mit dem Film begann, übte er zahlreiche Berufe aus, sein Traum war es, als Schriftsteller nach dem Vorbild Charles Dickens’ berühmt zu werden, doch seine Gedichte und Erzählungen blieben unauffällig. Auf Drängen von Freunden trat Griffith 1908 widerwillig der Edison Company bei. Er bewarb sich als Drehbuchautor und schrieb viele Scripts, wurde jedoch von Porter abgelehnt: Die Drehbücher enthielten zu viele Szenen, außerdem befand Porter, Griffith eigne sich optisch besser vor als hinter der Kamera. So erhielt Griffith eine Rolle in „Rescued from an Eagle’s Nest“.

Um seinen Traum vom Regieführen nicht aufzugeben und um Geld zu verdienen, schloss sich der von Porter unterschätzte Griffith anschließend als Schauspieler der Biograph Company an. Biograph steckte damals in einer Schuldenkrise, und der Hausregisseur war erkrankt. Notgedrungen überließ man Griffith den Regiestuhl und versprach ihm, dass er im Misserfolgsfall wieder als Schauspieler arbeiten könne. Noch im selben Jahr drehte er sein Regiedebüt „The Adventures of Dollie“ (1908). Danach erhielt er einen Vertrag über 45 Dollar pro Woche, verbunden mit der Auflage, zwischen 1908 und 1911 mehr als 450 Filme für das Studio zu drehen. Es handelte sich zwar allesamt um Kurzfilme, doch in dieser Zeit begann Griffith seine legendäre Karriere.

Seine erste wichtige Entdeckung im Bereich Schnitt war die Erfindung des „Cut-in“. In „The Greaser’s Gauntlet“ setzte Griffith einen Schnitt vom Totaleinstellung in eine Halbnahaufnahme ein: Durch die schrittweise Verengung der Bildgröße betonte er den emotionalen Austausch zwischen den Figuren. Das war im damaligen Filmschnitt ein völlig neues Konzept. Anschließend experimentierte Griffith weiter mit verschiedenen Schnittverfahren und vervollständigte nach und nach das Continuity-System – den Continuity-Schnitt, auch unsichtbarer Schnitt genannt. Dieses System verlangt, dass – unabhängig von Bildgröße oder Einstellungswechsel – Zeit und Raum sowie die Bewegungen in aufeinanderfolgenden Einstellungen kontinuierlich bleiben. Die Darstellung soll nahtlos sein, der Zuschauer soll den Schnitt nicht wahrnehmen.

Zentral ist hierbei die 180-Grad-Regel: Griffith erkannte, dass zwischen zwei Figuren im Bild eine gedachte Achse verläuft. Solange die Kamera nur auf einer Seite dieser Achse bleibt, können die Einstellungen in der Montage beliebig kombiniert werden, ohne die Orientierung des Zuschauers zu stören. Wechselt die Kamera jedoch auf die andere Seite, entsteht ein Achsensprung, der für das Publikum äußerst irritierend wirkt.

Ein weiterer großer Verdienst Griffiths war die Weiterentwicklung von Porters Kreuzschnitt. Er vertiefte die strukturelle Funktion des Schnitts, indem er die Erzähltechniken aus Dickens’ Romanen in den Film übertrug und eine über den Kreuzschnitt hinausgehende, umfassende Form des Parallelmontage-Verfahrens entwickelte: Mehrstrang-Erzählungen, Flashbacks, Erinnerungssequenzen und andere strukturelle Experimente – etwa in „After Many Years“ (1908). Was heute selbstverständlich wirkt, war damals eine radikale Neuerung der Filmsprache.

Das Studio konnte Griffiths Ideen anfangs nicht akzeptieren, doch er ließ sich nicht beirren und forschte weiter. 1909 drehte er „The Lonely Villa“ (1909): Eine Frau ist im Haus eingeschlossen, Einbrecher versuchen einzudringen, der Ehemann eilt nach Hause, um sie zu retten. Die drei Schauplätze werden in immer schnellerem Tempo kreuzgeschnitten, bis der Film im Höhepunkt mündet. Dieses Werk gilt als eines der besten Beispiele für den Kreuzschnitt und als klassischer Prototyp des „letzte-Minute-Rettung“-Motivs. Establishing Shots, Shot/Reverse-Shot, Blickachsen- und Bewegungsanschluss – nahezu alle grundlegenden Grammatikregeln des modernen Filmschnitts gehen auf Griffith zurück und gehören zum Continuity-System.

Auswahl an Griffith-Filmen. In den Jahren seiner Lehrzeit bei der Biograph Company arbeitete Griffith nicht nur mit erstaunlicher Produktivität, er war auch zunehmend unzufrieden mit der begrenzten Länge der Kurzfilme und schmiedete größere Pläne.

1914 drehte Griffith den damals teuersten Langfilm der Welt: „The Birth of a Nation“ (1915). In ihm bündelt sich die über Jahre verfeinerte Schnitttechnik Griffiths. Der Film verwendet nicht nur zahlreiche narrative Close-ups, die den Blick des Publikums auf bestimmte Elemente lenken, sondern auch Flashbacks und Parallelmontage, um die Aufmerksamkeit auf die Struktur der Erzählung zu richten. Griffith vervollständigte sowohl das Mikrosystem als auch das Makrosystem des Schnitts und formulierte den klassischen Schnitt-Dogmatismus: Eine Einstellung solle stets fließend und beweglich sein; der Zweck des Schnitts sei es, die Schnittstelle unsichtbar zu machen, damit der Zuschauer nicht spürt oder vergisst, dass er einen Film sieht – der nahtlose, also Continuity-Schnitt. Diese Technik wird bis heute eingesetzt und ist seit Jahrzehnten das dominierende Verfahren des Hollywood-Kinos.

Gleichzeitig „rekonstruiert“ „The Birth of a Nation“ den Bürgerkrieg zwischen Nord- und Südstaaten aus einer bestimmten Perspektive: Zu Beginn scheinen die schwarzen Sklaven auf den Plantagen des Südens glücklich und fleißig bei ihrer Arbeit.

Der katastrophale Kassenerfolg von „Intolerance“ markierte den Beginn von Griffiths Karriereknick; in den 1920er-Jahren wurde er von neuen Filmemachern verdrängt.

Mit der Ausweitung der Kriegshandlungen fliehen jedoch immer mehr Sklaven von den Farmen und schließen sich dem Krieg an. Die Niederlage des Südens führt schließlich zur Freilassung vieler Schwarzer. Wegen dieses monumentalen, aber politisch problematischen Themas sah sich Griffith massiver Kritik ausgesetzt und erhielt den Stempel des Rassisten. Er ließ sich jedoch nicht aufhalten und drehte bereits im folgenden Jahr ein weiteres episches Werk: „Intolerance: Love’s Struggle Throughout the Ages“ (1916). Der Film verschlang 1,9 Millionen Dollar; Griffith investierte sogar sein gesamtes Vermögen. Dieses seiner Zeit weit voraus eilende Werk knüpfte einerseits an die in „The Birth of a Nation“ entwickelten Ausdrucksmittel an, war andererseits aber äußerst innovativ, indem es vier Handlungsstränge aus unterschiedlichen Epochen in einem Film durch Parallelmontage verknüpfte.

War in „The Birth of a Nation“ die Nation das zentrale Thema, so ist es in „Intolerance“ die Geschichte selbst: Der Film erzählt vier Geschichten aus verschiedenen historischen Perioden. Trotz der visionären Erzählweise und der gewaltigen Thematik floppte das Werk an den Kassen vollständig. Ein derart komplexes Narrativ ist selbst heute schwer zu vermitteln – vor fast hundert Jahren war es nahezu unverständlich. Viele damalige Kritiker fassten es so zusammen: „Griffith hat seine Geschichten durcheinandergebracht.“ Das Scheitern von „Intolerance“ markierte den Beginn von Griffiths Abstieg; ab den 1920er-Jahren wurde er von neuen Regiegenerationen verdrängt.

Die wahren Gründe für Griffiths Niedergang sind bis heute umstritten. Manche meinen, er habe das Interesse und den künstlerischen Ehrgeiz am Film verloren; andere sagen, er sei in spätere Jahren so besessen und eigensinnig geworden, dass sein Ehrgeiz Ruhm und Geld betreffend der Filmkunst schadete. Wie auch immer – eines steht außer Frage, wie Jean-Luc Godard sagte: „Das Kino beginnt mit Griffith.“ Griffith war zweifellos der erste Regisseur, der die Schnitttechnik zu einem vollständigen narrativen System ausformte.

Blicken wir zurück auf die ersten zwanzig Jahre nach der Geburt des Films: von den Lumière-Brüdern, die sich weigerten, Georges Méliès eine Kamera zu verkaufen, über Méliès’ magisch inspirierten Schnitt, bis hin zu Griffith, der von Porter zunächst nur als Schauspieler engagiert wurde, später aber dessen narratives Schnittsystem vollendete und den Film zur Kunstform machte. Im Rückblick scheint es, als sei die Entwicklung des Schnitts das Resultat einer Kette von Zufällen: Jeder Regisseur, jede Schule lernte weiter, erforschte Neues; jede flüchtige Begegnung in der Filmgeschichte wurde zur notwendigen Bedingung für die Weiterentwicklung des Schnitts.

Nachdem Griffith das Continuity-System etabliert hatte, stagnierte die Entwicklung keineswegs. Bald darauf trat eine Schule auf den Plan, die in scharfem Gegensatz zur Griffith’schen Kontinuitätstheorie stand. Während der Continuity-Schnitt die Schnittspuren verbirgt und Raum-Zeit-Beziehungen etabliert, behauptete diese Schule, dass Schnitt Raum und Zeit verändern oder gar neu erschaffen kann. Dabei handelt es sich um die sowjetische Montage-Schule – Thema unseres nächsten Videos.