Die Schlüsselfaktor für einen guten Schnitt: „Emotion“

Angesichts desselben Rohmaterials bedeutet Schnitt für einen guten Editor keinesfalls nur das Aneinanderreihen von Bildern, sondern vor allem das Aneinanderreihen von „Emotionen“.

In früheren Videos/Artikeln habe ich bereits mehrfach die „Sechs Regeln des perfekten Schnitts“ erwähnt, heute gehen wir sie ausführlich durch.

Die sechs Regeln des perfekten Schnitts:

1. Emotion (51 %)

2. Geschichte (23 %)

3. Rhythmus (10 %)

4. Blickrichtung (7 %)

5. Zweidimensionale Eigenschaften (5 %)

6. Dreidimensionale Kontinuität (4 %)

Formuliert wurden sie vom berühmten Editor Walter Murch („Der Pate“, „Apocalypse Now“) – so etwas wie die „Bibel“ des Filmschnitts.

Schauen wir uns die Gewichtung dieser sechs Regeln an:

Die drei am wenigsten wichtigen (Blickrichtung | zweidimensionale Eigenschaften | dreidimensionale Kontinuität) sind genau das, was wir im Alltag als „Schnitttechnik“ oder „Schnitttheorie“ bezeichnen: etwa das Verhältnis von Blickrichtung zu Kamerarichtung, der Achsensprung, das Verbot des Jump Cuts, Matching Cuts, Anschluss der Bewegungen und so weiter – eine ganze Reihe akademischer Lehrbuchregeln.

Umgekehrt haben die drei wichtigsten Punkte mit diesen technischen Anforderungen nichts zu tun.

Was meint also die an erster Stelle stehende, wichtigste Emotion genau? Ein Beispiel macht es klar:

In einem der Einstellungen des Films „Der talentierte Mr. Ripley“ steht der Protagonist nach einer Reihe von Schicksalsschlägen auf einem Schiff und blickt auf das Meer hinaus, eine mittlere Einstellung, die sehr lange stehen bleibt.

Editor Murch erklärte seinen Gedanken beim Schneiden dieser Einstellung:

„So lange, wie du dir vorstellen kannst, dass seine Gedanken mit dem Meer treiben, so lange darf der Shot stehen bleiben.“

Das ist Emotion – und das ist die wichtigste Funktion des Schnitts: das Erzählen.

Selbst im quasi „rasenden Splitterstil“ von „Requiem for a Dream“ (der ganze Film hat rekordverdächtig rund 2000 Einstellungen; gewöhnlich hat ein 60–90-minütiger Film nur 600–700) finden sich immer wieder lange Einstellungen, die verharren. Um den Stil durchgehend zu halten, hätte der Editor problemlos die ganze Zeit in Hochgeschwindigkeit schneiden können – wäre ein langer, ruhiger Shot da nicht ein Bruch im Rhythmus?

— Der Editor stellt schlicht die Emotion der Figur an erste Stelle. Echte Gefühle können nur von einer Kamera eingefangen werden, die einfach weiterläuft.

Tatsächlich gelten Walter Murchs Regeln des perfekten Schnitts nicht nur für Spielfilme, sondern für jedes Schnittprojekt.

Wir achten oft zu sehr auf „Technik“ und vernachlässigen die ursprünglichste „Emotion“, die ein Bild dem Zuschauer vermittelt.

Nach akademisch-korrekter Lehrmeinung ist Auswahl des Materials das erste Ziel des Schnitts, und dabei müsse man strenge Grundsätze befolgen: „Kamera stabil, darf nicht wackeln, Gesicht klar erkennbar, sauber komponiert …“ und so weiter. Will man aber wirklich, dass sich die Emotion eines Films präzise vermittelt, müssen wir diese Regeln bisweilen brechen.

In dieser Szene aus „Der Pate“ stößt der Hauptdarsteller beim Verlassen des Bildes versehentlich an die Kamera, das Bild wackelt – der Editor hat den Take trotzdem bewusst nicht herausgeschnitten.

Im Prolog von „12 Years a Slave“ bleibt die Kamera zunächst einige Sekunden stehen, bevor der Dialog einsetzt (nach gängiger Praxis hätte der Film mit sofort einsetzendem Dialog beginnen können).

Das sind alles Beispiele dafür, wie Schnitt Emotion bewahrt.

Das Ziel eines guten Editors scheint also zu sein, die Frage „Wo schneide ich?“ in „Was, wenn ich nicht schneide?“ zu verwandeln.

Man hört oft, guter Schnitt sei „Geschichten erzählen“, mit Bildern Geschichten erzählen. Aber wie erzählt man eine Geschichte gut? Wenn jemand einen Text monoton herunterleiert, fad wie Leitungswasser, bleibt nichts hängen, man gähnt nur. Wenn jemand hingegen mit Mimik, mit überzeichneter Gestik, mit Dynamik in Stimme und Rhythmus und spuckend vor Enthusiasmus erzählt, ist selbst eine mittelmäßige Geschichte plötzlich fesselnd.

Deshalb können gute Regisseure auch aus einem extrem mittelmäßigen Drehbuch noch einen passablen Film machen – weil sie Rhythmus kontrollieren. Und dieser Rhythmus wird von Emotion bestimmt.

Wenn jemand einen Film gesehen hat und sagt, er sei gut, dann hat ihn zwangsläufig etwas auf emotionaler Ebene berührt. Das ist genau das, was oben immer wieder als „ein guter Editor kann Geschichten erzählen“ bezeichnet wurde.

Zurück zum eingangs Gesagten: „Für einen guten Editor bedeutet Schnitt das Aneinanderreihen von Emotionen.“

Mit ein paar Einstellungen eine Montage zu bauen, die „Wut“ transportiert, ist vielleicht noch einfach.

Aber nehmen wir einen langen Film: Seine emotionalen Themen bestehen nicht nur aus „Wut“, sondern enthalten möglicherweise Abschnitte von „Freude“, „Traurigkeit“, „Heiterkeit“ usw. Diese Emotionen wiederum zu einem Werk zu verweben, ist äußerst schwierig.

Bei einem 15- oder 20-sekündigen Kurzvideo ist das Hauptziel: eine einzige Emotion zu vermitteln.

Darum bedeutet: gut kurze Clips schneiden zu können, heißt noch lange nicht, dass man auch Langfilme oder gar Kinofilme schneiden kann.

Umgekehrt gilt das sehr wohl.

Darum sollte man, wenn man Schnitt richtig lernen will, unbedingt mit der Filmtheorie beginnen.

Jenseits technischer Aspekte hat jeder gute Film mindestens einen emotionalen Hauptstrang, der alles zusammenhält, oder mehrere, die miteinander verflochten sind.

Nehmen wir an, wir schneiden einen Film mit dem Thema „Traurigkeit“. Im Materialordner liegen zwei Takes eines heftig weinenden Menschen:

Einstellung ① sauber gedreht, technisch einwandfrei

Einstellung ② unscharf, wackelig, aber das Weinen ist deutlich ergreifender

Aus technischer Sicht wäre Take ② ein „Ausschusstake“.

Will man den Film aber gut machen, muss man Take ② wählen.

Alles, was eine Kamera aufgenommen hat – ganz gleich, ob „Cut“ gerufen wurde oder nicht –, ist im Schnitt keine einzige Sekunde „Ausschuss“.