Was ist die Französische Nouvelle Vague? Hintergrund und revolutionäre Techniken

Die Französische Nouvelle Vague veränderte für immer die Art und Weise, wie Filme gemacht werden, und beeinflusste einige der größten Regisseure unserer Zeit. Aber was ist die Französische Nouvelle Vague? Wie und warum hat sie begonnen? Dieser Artikel liefert Ihnen eine Definition, einen kurzen historischen Hintergrund und betont einige Schlüsselfunktionen der frühesten Pionierbewegung. Wie wir sehen werden, wirkt der Einfluss der Nouvelle Vague in der Arbeit moderner Filmemacher wie Tarantino und Scorsese weiter – um nur einige zu nennen.

Hintergrund und Stil

Für eine der einflussreichsten Bewegungen der Filmgeschichte ist sie nicht leicht zu definieren! Bevor wir auf einige stilistische Beiträge der Bewegung zur Filmproduktion eingehen, werfen wir zunächst einen Blick auf den Hintergrund.

Was ist die Französische Nouvelle Vague?

Die Französische Nouvelle Vague ist eine Filmbewegung der 1950er und 1960er Jahre und eine der einflussreichsten Bewegungen der Filmgeschichte. Sie wird auch als „Neue Welle“ bezeichnet und brachte eine neue Art von Film hervor, die hochgradig selbstreflexiv war und die konventionelle Filmproduktion auf revolutionäre Weise unterlief. Eine Gruppe französischer Kritiker, die für die Zeitschrift Cahiers du Cinéma schrieben, war der Ansicht, dass der Film seine ursprüngliche Faszination verloren habe. Ihrer Meinung nach waren diese Filme von den tatsächlichen Lebensrealitäten der Menschen abgekoppelt.

Viele berühmte französische Regisseure waren an dieser Bewegung beteiligt, darunter François Truffaut, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Éric Rohmer, Jacques Rivette, Louis Malle, Alain Resnais, Agnès Varda und Jacques Demy. Ihre Filme zeichneten sich durch die Ablehnung filmischer Traditionen aus – aber wie taten sie das?

Merkmale der Französischen Nouvelle Vague:

• Geringe Betonung von Handlung und Dialog, häufig improvisiert

• Jump Cuts statt Continuity-Editing

• Dreharbeiten an Originalschauplätzen

• Handkamera

• Lange Einstellungen

• Direktton und vorhandenes Licht (Originalton am Set, meist ohne Lichtanpassung)

Kurze Geschichte der Französischen Nouvelle Vague

Die Französische Nouvelle Vague entstand im hungernden Frankreich der Nachkriegszeit. Französische Kritiker und Filmbegeisterte lechzten nach Kultur, wurden aber nur mit einem Mainstream-Medienangebot versorgt, das abgestanden und gekünstelt wirkte, und begannen deshalb mit unterschiedlichen Filmtechniken zu experimentieren. Ihre Einflüsse reichten vom italienischen Neorealismus bis zum US-amerikanischen Film noir der 1940er und 1950er Jahre.

Während des Zweiten Weltkriegs wurde der Import ausländischer Filme nach Frankreich gestoppt. Nach dem Krieg wurden diese Embargos jedoch aufgehoben, und diese Cineasten und Kritiker wurden von einer Flut „neuer“ Filme überschwemmt. All diese Werke großer Hollywood-Regisseure wie Welles, Hitchcock und Ford beflügelten die französischen Kritiker – und der Rest ist Geschichte.

Revolutionäre Techniken

Über Jahrzehnte hinweg hatte der Mainstream-Film, insbesondere Hollywood, Maßstäbe und „Regeln“ dafür gesetzt, wie Filme zu machen seien. Die französischen Filmemacher kannten diese Regeln – und warfen sie dann zum Fenster hinaus. Kleinere, leichtere Kameras wurden häufig vom Stativ „befreit“ und aus der Hand geführt, wodurch die Filme neue Lebendigkeit und Energie erhielten.

Nichtlineare und fragmentierte Montage wurde zu einem weiteren wichtigen und spannenden Beitrag. Jahrzehntelang führte jede Einstellung A logisch zu Einstellung B, ohne Informationslücken, um das Publikum nicht zu verwirren. Nun wurde in diesen französischen Filmen die Logik zur Nebensache.

Das Video „The discarded image“ hebt die radikalen Entscheidungen des französischen Regisseurs Jean-Luc Godard hervor. Sein Film „À bout de souffle“ (Außer Atem) wurde zu einem der herausragendsten Filme dieser Bewegung und markierte den Beginn einer der aufregendsten und künstlerisch bedeutendsten Karrieren der Filmgeschichte.

Schlüsselwerke der Nouvelle Vague

„Bande à part“ (Außer Atem – nicht zu verwechseln, hier: „Bande à part“, 1964)

Dieser Film erzählt die Geschichte von drei jungen Menschen, die gemeinsam einen Raubüberfall planen. Natürlich läuft nichts wie geplant, und das Chaos nimmt seinen Lauf. Für ein heutiges Publikum gibt es nur wenige Filme der Nouvelle Vague, die zugänglicher sind als „Bande à part“. Das bedeutet nicht, dass er besser wäre als zeitgleich entstandene Werke, sondern dass er konservativer ist und das kommerzielle Gleichgewicht perfekt trifft.

Kurz gesagt: „Bande à part“ ist ein unterhaltsamer Heist-Film, der jedoch eher zurückhaltend ist und deutlich weniger gewagt als die meisten anderen Filme Godards.

„Pierrot le fou“ (Elf Uhr nachts) (1965)

„Pierrot le fou“ ist einer der kühnsten, surrealen Fluchtfilme, die Jean-Luc Godard inszeniert hat, mit den Nouvelle-Vague-Ikonen Anna Karina und Jean-Paul Belmondo in den Hauptrollen. Der Film reicht zwar nicht ganz an Godards beste Arbeiten heran, ist aber dank seiner hervorragenden Kameraarbeit absolut atemberaubend. Er zeigt die ungeschönte, fantasievolle Darstellung von Sexualität und Romantik, die in den frühen Werken der Nouvelle Vague gerade erst aufkeimte.

„Tirez sur le pianiste“ (Schießen Sie auf den Pianisten) (1960)

„Schießen Sie auf den Pianisten“ ist vielleicht am bemerkenswertesten für seinen Einsatz von Breitbildfotografie, doch er ist zugleich eine großartige und mutige Geschichte. Die Nachfolge von François Truffauts Debütfilm „Les quatre cents coups“ (Sie küssten und sie schlugen ihn) war nahezu eine unmögliche Aufgabe, doch mit dem technisch innovativen „Schießen Sie auf den Pianisten“ gelang ihm ein großer Erfolg. „Schießen Sie auf den Pianisten“ ist einer der Nouvelle-Vague-Filme, die zahlreiche Hollywood-Genres populär machten – etwa den harten, amerikanischen Gangsterfilm.

„Les cousins“ (Die Cousins) (1959)

„Les cousins“ ist ein nervenaufreibendes psychologisches Drama, das die Geschichte zweier gegensätzlicher Charaktere erzählt. Charles ist naiv und fleißig, während Paul ein extrovertierter, hochbegabter Selbstdarsteller ist. Das Einzige, was sie gemeinsam haben, ist, dass sie Cousins sind. Als Charles sich jedoch in eine Frau mit promiskuitiver Vergangenheit verliebt, droht er, die ohnehin fragile Beziehung zu seinem Cousin zu zerstören. Es ist einer der besten Nouvelle-Vague-Filme des berühmten Regisseurs Claude Chabrol.

„Lola“ (1961)

Jacques Demys Regiedebüt „Lola“ erzählt eine verschlungene Liebesgeschichte an der französischen Küste. Der Film handelt von einer von Anouk Aimée gespielten Nachtclubsängerin, die sich nach dem Mann sehnt, der sie vor siebzehn Jahren verlassen hat.

„Lola“ wird weitgehend von Demys späteren Werken „Les Parapluies de Cherbourg“ (Die Regenschirme von Cherbourg) und „Les Demoiselles de Rochefort“ (Die Mädchen von Rochefort) überschattet, was bedauerlich ist, denn er gehört zweifellos zu den wichtigsten Filmen der Französischen Nouvelle Vague.

„Adieu Philippine“ (1962)

„Adieu Philippine“ vermittelt vielleicht besser als jeder andere Film der Bewegung jenes launische, jugendliche Lebensgefühl, das zum Synonym der Französischen Nouvelle Vague geworden ist. Der Film kreist um die Auswirkungen des Algerienkonflikts auf das Familienleben in Frankreich – ein Motiv, das in vielen Filmen der Nouvelle Vague zu finden ist.

„Adieu Philippine“ ist Jacques Rozier Meisterwerk über die Prüfungen und Schmerzen des Erwachsenwerdens und gehört zu den besten Filmen der Französischen Nouvelle Vague.

„Jules et Jim“ (1962)

François Truffauts mitreißende Liebesgeschichte aus Kriegszeiten „Jules et Jim“ ist ein Schlüsselwerk der Französischen Nouvelle Vague. Der Film erzählt die Geschichte eines Liebesdreiecks zwischen zwei jungen Männern (Jules und Jim) und ihrer Besessenheit von einer schönen jungen Frau namens Catherine. „Jules et Jim“ ist ein Film über alles und zugleich über nichts – über Krieg, Sex und Romantik in einem Ausmaß, das die Einfachheit der Geschichte im Kern beinahe überdeckt.

„L’année dernière à Marienbad“ (Letztes Jahr in Marienbad) (1961)

Alain Resnais’ surrealer Film „L’année dernière à Marienbad“ ist einer der visuell einprägsamsten Filme dieser Zeit. „Letztes Jahr in Marienbad“ erzählt von drei namenlosen Personen (zwei Männern und einer Frau), die auf einer mondänen Party darum ringen, füreinander Bedeutung zu erlangen.

Doch in „Letztes Jahr in Marienbad“ ist nichts so, wie es scheint: Zeit und Raum werden im Handumdrehen verzerrt, Objektivität gerät in Vergessenheit, Beziehungen verändern sich in jedem Moment. Der Schriftsteller und Filmkritiker Mark Polizzotti hat diese Sichtweise in seinem Essay „Last Year at Marienbad: Which Year, Where?“ dargelegt. Der Film ist ein grundlegendes Werk, das stilistische Entscheidungen in Filmen wie „The Shining“ (Shining) und „Memento“ inspirierte.

„Hiroshima mon amour“ (1960)

Obwohl „Hiroshima mon amour“ von Alain Resnais gedreht wurde, einem Mitglied der sogenannten Linken Bank, leitete der Film in vielerlei Hinsicht die Französische Nouvelle Vague ein. Er markierte einen gewaltigen Sprung in der visuellen Erzählweise und im Filmschnitt. Außerdem zeigte er, dass sich das französische Kino sowohl technisch als auch narrativ in eine neue Richtung bewegte. „Hiroshima mon amour“ befreite sich mit expliziter Sexualität, ungebremster Kreativität und neuartigen filmischen Techniken von der Stagnation der französischen Filmindustrie.

„Paris nous appartient“ (Paris gehört uns) (1961)

„Paris nous appartient“ ist ein schockierender Albtraum über eine Welt an einem moralischen und existenziellen Scheideweg. Der Film erzählt von einer jungen Frau namens Anne, die sich in einer Reihe absurder Situationen wiederfindet, die alle mit dem Tod verknüpft sind. Auch nach fast sechzig Jahren ist die Bedeutung von „Paris nous appartient“ umstritten. Einige sehen in dem Film eine Allegorie auf die Spannungen des Kalten Krieges, andere lesen ihn als visuelle Umsetzung eines kantischen Gedankenexperiments.

„Cléo de 5 à 7“ (Cleo – Mittwoch zwischen 5 und 7) (1962)

Agnès Varda ist eine der wichtigsten Persönlichkeiten des französischen Kinos, und „Cléo de 5 à 7“ ist ihr emblematischstes Werk. Der Film schildert zwei Stunden im Leben der schönen und erfolgreichen Sängerin Cléo. Obwohl ihr die Welt zu Füßen liegt, ist Cléo verzweifelter denn je, da sie befürchtet, ein negatives Ergebnis eines Krebsbefundes zu erhalten. „Cléo de 5 à 7“ nutzt viele typische Techniken der Nouvelle Vague, etwa Jump Cuts, Montageformen und lange Einstellungen. Es ist ein zutiefst bewegendes, optimistisches Bild von Leben, Liebe und Selbstermächtigung.

„Vivre sa vie: Film en douze tableaux“ (Die Geschichte der Nana S.) (1962)

Es gibt nur wenige Filme, die deprimierender sind als „Vivre sa vie“. Jean-Luc Godards Darstellung einer jungen Frau, die zur Prostituierten wird, ist so düster wie nur irgend möglich – doch das bedeutet keineswegs, dass es sich nicht um einen großartigen Film handelt. Im Gegenteil: „Vivre sa vie“ ist eines der größten Werke des Regisseurs und ein kühner Schritt nach vorn für die Französische Nouvelle Vague. Anna Karina stiehlt in diesem Film die Schau als gutmütige Frau, die in einer grausamen, sich ständig wandelnden Gesellschaft untergeht.

„Le mépris“ (Die Verachtung) (1963)

Die Regisseure der Französischen Nouvelle Vague wurden stark von früheren Filmbewegungen beeinflusst, darunter der deutsche Expressionismus, der italienische Neorealismus und das klassische Hollywoodkino. „Le mépris“ vereint die besten Aspekte dieser drei Bewegungen: Unter anderem tritt Fritz Lang, der berühmte Erbe des deutschen Expressionismus, im Film auf, gedreht wurde in den legendären italienischen Studios von Cinecittà, und in der Geschichte werden Hollywood-Archetypen verwendet. Es ist eines der persönlichsten Werke Jean-Luc Godards und ein Sinnbild für Freizügigkeit und sinnliche Filmszenen.

„À bout de souffle“ (Außer Atem) (1960)

„À bout de souffle“ gilt weithin als der repräsentativste Film der Französischen Nouvelle Vague. Ironischerweise wurden die Regisseure jener Epoche, etwa Alfred Hitchcock und Orson Welles, in den USA erst in den 1970er-Jahren mit dem Aufkommen der Filmhochschul-Generation – der sogenannten New-Hollywood-Welle – umfassend gewürdigt. „À bout de souffle“ vereint die in der Nouvelle Vague verbreiteten Jump Cuts, langen Einstellungen und den „rohen“ Stil in einer einzigen, wegweisenden Arbeit.

„Les quatre cents coups“ (Sie küssten und sie schlugen ihn) (1959)

Was lässt sich über „Les quatre cents coups“ noch sagen, was nicht schon gesagt wurde? Er ist atemberaubend, wunderschön, herzzerreißend, verzweifelt, hoffnungsvoll und befreiend. „Les quatre cents coups“ ist ein Film, der die Landschaft des französischen Kinos vollständig veränderte und dessen Popularität die Nouvelle Vague auslöste. François Truffaut erzählt die Geschichte eines rebellischen Jungen, der nicht in eine sich wandelnde Gesellschaft passt – ein Stoff, der heute ebenso aktuell ist wie 1959. „Les quatre cents coups“ ist nicht nur der beste Film der Französischen Nouvelle Vague, sondern wahrscheinlich auch der größte französischsprachige Film aller Zeiten. Er ist der erste von vier Spielfilmen über die fiktive Figur Antoine Doinel und eine autobiografische Spiegelung von Truffauts eigener Jugend.