Wat is een jump cut? 5 manieren om jump cuts in films te gebruiken

Uitleg van jump cuts in films

Net als de match cut is de jump cut een effectieve montagetechniek om een sprong in de tijd te tonen. Mits goed gebruikt, kan ze de vertelstructuur versterken. We beginnen met de definitie van een jump cut en gaan daarna in op enkele creatieve toepassingen door regisseurs als Spielberg en Guy Ritchie.

Wat is een jump cut?

Een jump cut is een knip binnen één enkel shot waardoor het onderwerp lijkt vooruit te springen in de tijd. Terwijl de meeste montagemethoden erop gericht zijn de knip te “verbergen”, is de jump cut juist een stilistische keuze om de montage volledig zichtbaar te maken.

Sommige filmmakers vinden jump cuts in wezen slecht, omdat ze de aandacht vestigen op de geconstrueerde en gemonteerde aard van de film. Men beschouwt ze als een schending van de klassieke continuïteitsmontage, die juist een naadloze indruk van tijd en ruimte moet geven.

Jump cuts verschillen van match cuts doordat die laatste juist een vloeiende overgang tussen twee afzonderlijke scènes willen creëren. Het doel van een match cut is meestal een metaforische vergelijking te maken tussen twee verschillende objecten, onderwerpen of settings.

Hoe jump cuts in films te gebruiken:

• In een montage

• Om spanning op te voeren

• Bij de introductie van personages

• Om een gemoedstoestand te benadrukken

• In documentaire-interviews

Waar komen jump cuts vandaan?

Jump cuts bestaan al sinds het ontstaan van de film. Zonder één specifieke filmmaker te noemen is de definitie van een jump cut onvolledig: Georges Méliès gebruikte deze techniek om magische illusies op het scherm te creëren. Als goochelaar maakte Méliès optimaal gebruik van jump cuts en maakte hij opvallende en onvergetelijke “trucshots”.

Door zijn experimenteerdrang met montage wordt Méliès in feite gezien als de vader van de special effects in de cinema. Vanuit een vernieuwend perspectief waren zijn jump cuts perfect; maar hoe integreer je deze techniek op een natuurlijke manier in verhalende films? In Rusland ontstonden radicale montagetechnieken, samengevat als de Sovjetmontage, maar Hollywood ging een heel andere kant op.

Van de jaren 20 tot de jaren 50, met de opkomst van het Hollywood-studiosysteem, stond de dominante filmstijl in het teken van “onzichtbaarheid”. Deze klassieke Hollywoodstijl had tot doel de structuur van de film te “verbergen”. In theorie zou dit de toeschouwer volledig onderdompelen in het verhaal.

Die illusie doorbreken en het publiek eraan herinneren dat het naar een film kijkt, was min of meer taboe. Totdat de Franse Nouvelle Vague opkwam en het regelsboek het raam uit gooide. Zonder eer te bewijzen aan de Fransen zou de definitie van een jump cut onvolledig zijn.

Jump cuts en de Franse Nouvelle Vague

Het moderne gebruik van jump cuts begon bij Jean-Luc Godard en zijn baanbrekende film uit 1960, À bout de souffle (Breathless), ongetwijfeld een van de beste films van de Nouvelle Vague. Op het eerste gezicht is Breathless een misdaad-liefdesverhaal, maar alle verwachtingen over zo’n verhaal worden één voor één doorbroken.

In een beroemde scène rijden de twee hoofdpersonen samen in een auto. De camera blijft op Patricia (Jean Seberg) gericht, maar we springen via jump cuts telkens vooruit naar ogenschijnlijk willekeurige, ongedefinieerde momenten.

Godard saboteert bewust de “onzichtbaarheid” die in Hollywood en de Franse mainstreamcinema hoog in het vaandel stond. De montage veroorzaakt hier een gevoel van dissonantie, en dat is duidelijk de bedoeling. Naar huidige maatstaven lijken deze jump cuts niet heel radicaal, maar in 1960 hadden ze een enorme impact.

Hoe we jump cuts vandaag gebruiken

Jump cuts komen nog steeds vaak in films voor, maar de techniek lijkt zich vooral op internet razendsnel te hebben verspreid. Ze is bijzonder geliefd bij vloggers. Jump cuts zijn in video­blogs zo alomtegenwoordig geworden dat je ze misschien niet eens meer bewust opmerkt.

Veel vloggers nemen een doorlopend shot op waarin ze rechtstreeks in de camera praten. De shotwissel geeft een andere gedachtegang aan, of een sprong vooruit in het verhaal, terwijl de positie van de vlogger in beeld dezelfde blijft.

Bij het monteren van beelden is het uiteindelijke doel om het belangrijkste zo helder mogelijk over te brengen. Weten hoe je jump cuts gebruikt, is daarom een cruciale vaardigheid om de beste versie van je film te maken.

Jump cuts gebruiken in een montage

Schindler’s List (1993) is een van Steven Spielbergs beste films. De film vertelt het verhaal van zakenman Oskar Schindler, die meer dan duizend Poolse Joodse vluchtelingen van de Holocaust redt door hen in zijn fabriek in dienst te nemen.

Op een gegeven moment wordt een jump cut gebruikt, en wel op een manier die je in dit soort film misschien niet zou verwachten. Het is in wezen een speelse, komische montagesequentie in een verder somber Holocaustdrama.

Er zijn twee redenen om van jump cuts gebruik te maken in deze scène. Ten eerste geven ze het verstrijken van de tijd weer. Schindler ontmoet tijdens zijn kantooruren talloze vrouwen. Zoals bij elke montage kunnen we het proces snel en effectief samenvatten, maar dat is slechts de praktische kant van de keuze.

Ten tweede worden de cuts hier ingezet voor humor. De vrouwen kunnen duidelijk niet typen, en door hen op deze opeenvolgende manier te tonen, ontstaat een luchtige scène in een verder duistere film – een intermezzo dat tegelijk het verhaal vooruit helpt.

Jump cuts gebruiken om de spanning op te voeren

In Lola rennt (Run Lola Run, 1998) zien we een heel andere toepassing van jump cuts. Lolas vriend had eigenlijk geld moeten afleveren bij een misdaadbaas, maar hij is 100.000 mark kwijtgeraakt. Lola moet binnen 20 minuten een manier vinden om dat geld te bemachtigen om zijn leven te redden.

In deze scène raakt Lola in paniek en overweegt alle mogelijke manieren om aan het geld te komen. We zien jump cuts terwijl Lola koortsachtig nadenkt.

Zoals de korte inhoud al aangeeft, is Lola rennt een razendsnelle film waarbij geen tijd te verliezen valt. De cuts benadrukken dat: ze plaatsen ons direct in Lolas gedachtewereld. Ze heeft net verwoestend nieuws gekregen, is angstig en gedesoriënteerd.

De menselijke geest verwerkt informatie niet op een ordelijke, lineaire manier. Het menselijk oog verkiest vloeiende, continue beweging, waardoor jump cuts ingaan tegen die esthetische voorkeur. Veel films proberen dat effect te vermijden, maar hier werkt het juist perfect. De montage creëert een gemoedstoestand bij de toeschouwer, waardoor deze techniek verkieslijker is dan standaard shots en knips.

Jump cuts gebruiken om personages te introduceren

Snatch is een misdaadthriller uit 2000 van Guy Ritchie, over een groep criminelen op zoek naar een gestolen diamant, en over een bokspromotor die werkt voor een sadistische baas.

De film bevat veel van de technieken die Ritchie in al zijn werk gebruikt, waaronder zijn voorliefde voor snelle montage, het best te zien in de openingstitel­sequentie.

Die opening zit vol jump cuts en andere stilistische hoogstandjes. De sequentie duurt nog geen 90 seconden waarin Ritchie een enorme hoeveelheid informatie moet overbrengen.

Personages introduceren in het script kost veel moeite, maar Ritchie vond een effectieve manier om dat via de montage te doen. Zijn taak is om ons kennis te laten maken met 12 personages, elk met een eigen persoonlijkheid en doel. Met behulp van jump cuts versnelt hij de tijd en bouwt hij meteen echte narratieve vaart op.

Het duidelijkste voorbeeld van jump cuts in deze sequentie is de introductie van Mickey (Brad Pitt). Hij ontvangt een stapel geld en zijn metgezel probeert het aan te raken. Mickey slaat een paar keer op zijn hand; tussen die momenten zit een jump cut, waardoor het publiek in enkele seconden alles leert wat het over dit personage moet weten. Toevallig is dit ook een van Brad Pitts beste acteerprestaties.

De jump cut in deze scène heeft een dubbel doel. De rest van de film zal snel en energiek zijn. Door al in de opening jump cuts te gebruiken, maakt Ritchie meteen duidelijk wat voor soort film je te zien krijgt en dat je je gordel maar beter kunt vastmaken.

Jump cuts gebruiken om een gemoedstoestand te benadrukken

Een van de meest verrassende en aangrijpende momenten in The Royal Tenenbaums (2001) is wanneer Richie (Luke Wilson) een zelfmoordpoging doet. Net daarvoor begint hij zijn haar te knippen en zich te scheren. In deze sombere scène zien we meerdere jump cuts.

Op het eerste gezicht lijkt dit een praktische keuze – tijd comprimeren en het proces snel tonen. Maar denk eens aan de emotionele impact tijdens het kijken.

Jump cuts worden in films vaak gebruikt om opwinding of energie te creëren, maar hier worden ze een poëtische manier om verdriet te visualiseren. Wes Anderson hóéft Richie niet letterlijk tijdens het knippen te laten zien. Dat we toch deze uiterst intieme momenten delen met een personage op zijn absolute dieptepunt, is een duidelijke keuze van Anderson. De jump cuts verbeelden Richies instabiele, gefragmenteerde emotionele toestand.

Coaxiale jump cuts

Er bestaat een subtype van de jump cut dat op een vergelijkbare manier werkt, maar iets anders wordt uitgevoerd. Bij een jump cut spring je in de tijd binnen hetzelfde shot; bij een coaxiale jump cut verspringt alleen het camerastandpunt in termen van kadrering, niet de tijd.

Met andere woorden: vanuit dezelfde camerahoek wordt de brandpuntsafstand ineens aangepast, langer of korter. Simpel gezegd: bij elke knip wordt het onderwerp in beeld ineens groter of kleiner. Coaxiale jump cuts functioneren vergelijkbaar met een zoom, maar zonder de geleidelijke verandering – de verandering is hier abrupt en dissonant.

Een voorbeeld: wanneer Elliott en zijn vrienden voor de autoriteiten op de vlucht zijn, raakt E.T. in paniek. In deze sequentie worden coaxiale jump cuts gebruikt.

Alfred Hitchcock was ook fan van deze techniek en zette scherpe, ontregelende jump cuts in tijdens pure horrormomenten. In de beroemde douchescène in Psycho zie je dat, wanneer Marion zich omdraait naar de moordenaar, het beeld in sprongen dichter bij haar schreeuwende mond komt.

In The Birds zit een scène waarin Lydia na een recente dodelijke aanval het lichaam van haar vader vindt:

Hitchcock zocht voortdurend naar nieuwe manieren om het publiek hetzelfde te laten ervaren als zijn personages (zie ook: de genoemde douchescène en de “Hitchcock-zoom” in Vertigo). In dit moment brengen de coaxiale jump cuts ons steeds dichter bij de dood, waardoor de schok van de ontdekking net zo hevig wordt voor het publiek als voor het personage.