Wat is een jump cut? 5 manieren om jump cuts in films te gebruiken

Uitleg van jump cuts in films

Net als de match cut is de jump cut een effectieve montagetechniek waarmee je een sprong in de tijd kunt verbeelden. Goed gebruikt kan het het verhaal ondersteunen. We beginnen met de definitie van een jump cut en bespreken daarna een paar creatieve manieren waarop filmmakers als Spielberg en Guy Ritchie deze techniek gebruiken.

Wat is een jump cut?

Een jump cut is het onderbreken van één opname door een knip, waardoor het lijkt alsof het onderwerp in de tijd een onmiddellijke sprong naar voren maakt. Terwijl de meeste montagetechnieken zijn ontworpen om de knip te “verbergen”, is de jump cut bewust een stijlkeuze die de knip volledig zichtbaar maakt.

Sommige filmmakers vinden jump cuts in wezen slecht, omdat ze de aandacht vestigen op het geconstrueerde en gemonteerde karakter van de film. Men ziet ze als een schending van de typische continuïteitsmontage – montage die juist streeft naar een naadloze indruk van tijd en ruimte voor het verhaal.

Jump cuts verschillen van match cuts doordat die laatste juist een naadloze overgang tussen twee afzonderlijke scènes willen creëren. Het gebruikelijke doel van een match cut is een metaforische vergelijking te maken tussen twee verschillende objecten, thema’s of settings.

Hoe jump cuts in films te gebruiken:

• In een montage
• Om de spanning te vergroten
• Bij de introductie van personages
• Om de mentale toestand te benadrukken
• In documentaire-interviews

Waar komt de jump cut vandaan?

Jump cuts bestaan al sinds het ontstaan van de film. Een definitie van de jump cut is onvolledig zonder één filmmaker te noemen: Georges Méliès gebruikte deze techniek om magische illusies op het scherm te creëren. Als goochelaar benutte Méliès deze techniek ten volle en maakte hij opvallende en onvergetelijke “trucshots”.

Méliès’ experimenten met montage maken hem in feite tot de vader van de special effects in de film. Vanuit een vernieuwend perspectief waren zijn jump cuts perfect, maar hoe konden filmmakers deze techniek op een natuurlijke manier in verhalende films integreren? In Rusland ontstonden radicale montagetechnieken, samengevat onder de naam Sovjetmontage, maar Hollywood ging een heel andere kant op.

Van de jaren 1920 tot de jaren 1950, met de opkomst van het Hollywood-studiosysteem, stelde de dominante filmstijl “onzichtbaarheid” centraal. Ook wel de klassieke Hollywoodfilm genoemd, met als doel de structuur van de film te “verbergen”. In theorie moest dit het publiek volledig in de film onderdompelen.

Die illusie doorbreken en het publiek eraan herinneren dat ze naar een film kijken, was vrijwel taboe. Totdat de Nouvelle Vague verscheen en het regelboek het raam uitgooide. Zonder de Fransen te noemen is een definitie van de jump cut niet compleet.

Jump cuts en de Nouvelle Vague

Modern gebruik van jump cuts begint bij Jean-Luc Godard en zijn baanbrekende film À bout de souffle (1960), ongetwijfeld een van de beste films van de Nouvelle Vague. Op het eerste gezicht is À bout de souffle een misdaad-liefdesverhaal, maar de verwachtingen die je bij zo’n verhaal hebt, worden stuk voor stuk doorbroken.

Op een bepaald moment zitten de twee hoofdpersonen samen in een auto. De camera blijft steeds op Patricia (gespeeld door Jean Seberg) gericht, maar we maken meerdere jump cuts naar ogenschijnlijk willekeurige en onbestemde momenten in de toekomst.

Godard saboteert bewust de “onzichtbaarheid” die in Hollywood en de Franse mainstreamfilm zo hoog in het vaandel stond. De montage creëert hier een dissonant effect, duidelijk met opzet. Naar huidige maatstaven lijken deze voorbeelden van jump cuts misschien niet zo radicaal, maar in 1960 hadden ze een enorme impact.

Hoe we jump cuts vandaag gebruiken

Hoewel je jump cuts nog steeds vaak in films ziet, lijkt de techniek vooral op internet razendsnel populair te zijn geworden. Vooral vloggers omarmen hem massaal. Jump cuts in vlogs zijn zo alledaags dat je ze misschien niet eens meer bewust opmerkt.

Je ziet veel vloggers die een doorlopende opname hebben waarin ze recht in de camera praten. De opname springt, wat een nieuwe gedachtegang aangeeft of een sprong in het verhaal, maar de positie van de vlogger is dezelfde als daarvoor.

Bij het monteren van beelden moet het uiteindelijke doel zijn: het belangrijkste zo duidelijk mogelijk overbrengen. Weten hoe je jump cuts inzet is daarom een cruciale vaardigheid die je helpt om de beste film te maken die je kunt.

Jump cuts gebruiken in een montage

Schindler’s List (1993) is een van Steven Spielbergs beste films. De film vertelt het verhaal van zakenman Oskar Schindler, die ruim duizend Poolse Joodse vluchtelingen redde van de Holocaust door hen in zijn fabriek in dienst te nemen.

Er is een moment in de film waarin jump cuts worden gebruikt, op een manier die je in dit soort film misschien niet zou verwachten. Het is in wezen een speelse, komische montagesequentie in een verder somber Holocaustdrama.

Er zijn twee redenen om voor jump cuts in deze scène te kiezen. Ten eerste geven ze het verstrijken van de tijd weer. Schindler ontmoet tijdens zijn kantooruren een reeks vrouwen. Net als bij elke montage kunnen we zo het hele proces snel en efficiënt doorlopen, maar dat is slechts een praktische overweging.

Ten tweede dienen de cuts hier voor humor. De vrouwen blijken duidelijk niet te kunnen typen, en door hen op deze opeenvolgende manier te tonen, ontstaat in een verder duistere film een luchtig moment – een intermezzo dat tegelijk het verhaal vooruithelpt.

Jump cuts gebruiken om spanning te vergroten

In Lola rennt (Run Lola Run, 1998) zien we een heel andere toepassing van jump cuts. De vriend moet eigenlijk geld afleveren bij een criminele baas, maar is 100.000 mark kwijtgeraakt. Lola moet binnen 20 minuten een manier vinden om aan het geld te komen om zijn leven te redden.

In deze scène raakt Lola in paniek en overweegt ze alle mogelijke manieren om aan het geld te komen. We zien jump cuts terwijl Lola koortsachtig nadenkt.

Zoals de synopsis al aangeeft, is Lola rennt een razendsnelle film waarin geen tijd te verliezen valt. De cuts benadrukken dat en brengen ons direct in Lola’s denkwereld. Ze heeft zojuist verwoestend nieuws gekregen. Ze is angstig en gedesoriënteerd.

De mens verwerkt informatie niet op deze manier. Het oog wil vloeiende, continue beweging zien, en jump cuts gaan in tegen dat esthetische verlangen. Waar veel films dit effect juist willen vermijden, werkt het hier perfect. De montage creëert een stemming bij het publiek die effectiever is dan standaardshots en -montage.

Jump cuts inzetten om personages te introduceren

Snatch is een misdaadthriller uit 2000 van Guy Ritchie over een bende criminelen die op zoek zijn naar een gestolen diamant, en over een bokspromotor die voor een sadistische baas werkt.

De film bevat veel van de stilistische trucs die Ritchie in al zijn werk gebruikt, waaronder een voorkeur voor snelle montage, het best zichtbaar in de openingssequentie.

Die opening zit vol jump cuts en andere stilistische flair. De hele sequentie duurt minder dan 90 seconden, en in die tijd moet Ritchie een enorme hoeveelheid informatie overbrengen.

Personages introduceren kost in een script veel moeite, maar Ritchie vindt een effectieve manier om dit via de montage te doen. Zijn opdracht is ons 12 personages voor te stellen, elk met een eigen persoonlijkheid en doelen. Om het tempo hoog te houden, gebruikt hij deze cuts om de tijd vooruit te spoelen en echte narratieve vaart op te bouwen.

Het duidelijkste voorbeeld van jump cuts in deze sequentie is de introductie van Mickey (gespeeld door Brad Pitt). Hij krijgt een stapel geld, en zijn metgezel probeert eraan te zitten. Mickey slaat meermaals op de handen, met een jump cut ertussen. In een paar seconden krijgt het publiek alle informatie die het over deze man nodig heeft. Toevallig is dit ook een van Brad Pitts beste rollen.

Deze jump cut-scène heeft een dubbel doel. De rest van de film zal snel en energiek zijn. Door al in de opening jump cuts te gebruiken, weet de kijker meteen wat voor soort film dit is en dat hij zich maar beter schrap kan zetten.

Jump cuts gebruiken om een mentale toestand te benadrukken

Een van de meest verrassende en ontroerende momenten in The Royal Tenenbaums (2001) is wanneer Richie (Luke Wilson) een zelfmoordpoging doet. Vlak daarvoor begint hij zijn haar te knippen en zijn baard te scheren. In deze sombere scène zien we meerdere jump cuts.

Op het eerste gezicht lijkt dit een praktische keuze – tijd comprimeren en het proces snel doorlopen. Maar let eens op het emotionele effect bij het kijken.

Jump cuts worden in films vaak ingezet om opwinding of energie op te wekken, maar hier vormen ze een poëtische manier om verdriet te verbeelden. Wes Anderson hoeft ons niet te laten zien hoe Richie zijn haar knipt. Het is duidelijk Andersons keuze om zo’n extreem intiem moment te delen met een personage dat op zijn dieptepunt zit. De jump cuts vormen een visuele uitdrukking van Richies instabiele en gefragmenteerde emotionele toestand.

Axiale jump cuts

Een subtype van de jump cut heeft een vergelijkbaar effect, maar wordt net iets anders uitgevoerd. Jump cuts laten de tijd binnen één opname vooruit springen, terwijl axiale jump cuts alleen de cameraperspectiefafstand laten springen, zonder tijdsprong.

Met andere woorden, vanuit dezelfde camerahoek verandert de brandpuntsafstand abrupt – langer of korter. Simpel gezegd: bij elke knip wordt het onderwerp in beeld groter of kleiner in het frame. Axiale jump cuts werken vergelijkbaar met een zoom, maar dan zonder geleidelijke overgang – de verandering is abrupt en dissonant.

Bijvoorbeeld: wanneer E.T. in paniek raakt terwijl Elliott en zijn vrienden voor de autoriteiten op de vlucht zijn, zien we in deze scène axiale jump cuts.

Alfred Hitchcock was ook fan van deze techniek; hij gebruikte harde, verontrustende jump cuts in pure horrormomenten. In de beroemde douchescène uit Psycho zoomt het beeld bijvoorbeeld in sprongen naar Marion toe wanneer ze zich naar de moordenaar omdraait en schreeuwt.

Ook in The Birds zit zo’n scène: Lydia vindt na de laatste dodelijke aanval het lichaam van haar vader:

Hitchcock zocht voortdurend naar nieuwe manieren om het publiek een ervaring te geven die overeenkomt met die van de personages (zie ook: de eerder genoemde douchescène en de “Hitchcock-zoom” in Vertigo). Door in dit moment axiale jump cuts te gebruiken, komen we steeds dichter bij de dode man, en wordt deze schokkende ontdekking voor ons net zo onthutsend als voor haar.