Der Schlüsselfaktor für einen gut geschnittenen Film: „Emotion“

Wenn ein herausragender Cutter mit demselben Rohmaterial arbeitet, besteht seine Arbeit nicht einfach darin, die Einstellungen aneinanderzureihen, sondern darin, „Emotionen“ aneinanderzureihen.

In meinen früheren Videos/Artikeln habe ich mehr als einmal von den „sechs Regeln des perfekten Schnitts“ gesprochen. Heute schauen wir sie uns im Detail an.

Die sechs Regeln des perfekten Schnitts:

1. Emotion (51 %)

2. Geschichte (23 %)

3. Rhythmus (10 %)

4. Blickrichtung (7 %)

5. Zweidimensionale Eigenschaften (5 %)

6. Dreidimensionale Kontinuität (4 %)

Sie stammen aus der „Bibel des Filmschnitts“ des berühmten Editors Walter Murch („Der Pate“, „Apocalypse Now“).

Schauen wir uns das Gewicht dieser sechs Regeln an:

Die drei am wenigsten wichtigen (Blickrichtung | zweidimensionale Eigenschaften | dreidimensionale Kontinuität) sind genau das, was wir im Alltag unter „Schnitttechnik“ oder „Schnitt-Theorie“ verstehen: zum Beispiel das Verhältnis von Blickrichtung zur Kamerarichtung, der Achsensprung, dass man keine Sprünge im Bild haben darf, Matching Cuts, Anschluss der Bewegungen in der Montage usw. – all diese schulbuchhaften, akademischen Theorien.

Im Gegensatz dazu haben die drei wichtigsten Punkte mit diesen technischen Anforderungen überhaupt nichts zu tun.

Was genau bedeutet also die Emotion, die an erster Stelle steht? Ein Beispiel macht es deutlich:

In einem der Shots in „Der talentierte Mr. Ripley“ sieht man die Hauptfigur nach einer Reihe von Schicksalsschlägen auf dem Schiff sitzen und aufs Meer blicken; diese halbnahe Einstellung bleibt sehr lange stehen.

Walter Murch hat seine Überlegungen dazu erläutert, wie er diesen Shot geschnitten hat:

„So lange du dir vorstellen kannst, dass seine Gedanken mit den Wellen des Meeres mitgehen, so lange kann der Shot stehen bleiben.“

Das ist Emotion. Und das ist die wichtigste Funktion des Schnitts – das Erzählen.

Selbst in einem „fragmentierten, wilden“ Schnittstil wie in „Requiem for a Dream“ (der Film hat rekordverdächtige rund 2000 Einstellungen; normalerweise hat ein 60–90-minütiger Film nur etwa 600–700) gibt es immer noch längere, ununterbrochene Einstellungen. Um den Stil durchgehend zu halten, hätte der Cutter theoretisch kompromisslos am Hochgeschwindigkeitsschnitt festhalten können – würden lange Einstellungen da nicht den Rhythmus zerstören?

– Der Cutter gibt ganz klar der Emotion der Figur den Vorrang. Echte Emotion lässt sich nur mit einer laufenden Kamera einfangen.

Tatsächlich gilt Walter Murchs Regelwerk des perfekten Schnitts nicht nur für Spielfilme, sondern für alle Arten von Projekten.

Wir legen oft viel zu viel Wert auf „Technik“ und vernachlässigen die ursprünglichste „Emotion“, die ein Bild an das Publikum überträgt.

Nach den konventionellen Regeln der akademischen Lehre ist das Sichten und Auswählen des Materials das primäre Ziel des Schnitts, und dabei sollen die gängigen Prinzipien beachtet werden: „Die Kamera muss ruhig sein, darf nicht wackeln, das Gesicht muss klar zu erkennen sein, die Bildkomposition muss sauber und korrekt sein …“. Aber wenn man wirklich will, dass die Emotionen in einem Film genau getroffen werden, muss man diese Regeln oft durchbrechen.

In dieser Szene aus „Der Pate“ stößt der Hauptdarsteller beim Verlassen des Bildes versehentlich gegen die Kamera, das Bild wackelt – der Cutter hat das Material aber bewusst nicht entfernt.

Im Prolog von „12 Years a Slave“ setzt der Dialog erst einige Sekunden nach Beginn des Shots ein (nach gängiger Schnittpraxis wäre es sehr wahrscheinlich direkt mit dem Dialog losgegangen).

Das sind alles Beispiele dafür, wie man durch Schnitt Emotionen bewahrt.

Das Ziel eines guten Cutters scheint also zu sein, die Frage „Wo schneide ich?“ durch „Was, wenn ich nicht schneide?“ zu ersetzen.

Man hört oft, dass guter Schnitt Geschichten erzählt – mit Bildern Geschichten erzählt. Wie erzählt man eine Geschichte gut? Wenn jemand einen Text monoton herunterleiert, völlig ohne Höhen und Tiefen, wird dir diese Geschichte kaum im Gedächtnis bleiben – im Gegenteil, du wirst gähnen. Wenn aber jemand mit Mimik, Gestik, übertriebenen Bewegungen, mit Dynamik in Stimme und Tempo und wild spritzendem Speichel erzählt, dann kann selbst eine mittelmäßige Geschichte fesselnd sein.

Deshalb können gute Regisseure selbst aus einem extrem mittelmäßigen Drehbuch immer noch einen anständigen Film machen – weil sie den Rhythmus beherrschen. Und dieser Rhythmus wird von Emotion gesteuert.

Wenn jemand einen Film gesehen hat und sagt, er sei gut, dann hat ihn auf jeden Fall etwas auf emotionaler Ebene berührt. Das ist genau das, was ich oben immer wieder betont habe: „Gute Cutter können Geschichten erzählen.“

Zurück zum Anfang: „Für einen guten Cutter besteht der Schnitt darin, Emotionen aneinanderzureihen.“

Mit einer Reihe von Einstellungen eine Montage zu bauen, die eine „wütende“ emotionale Färbung hat, ist vielleicht nicht schwer.

Aber nehmen wir einen Langfilm, in dem nicht nur „Wut“ als emotionales Thema vorkommt, sondern auch „Freude“, „Trauer“, „Heiterkeit“ und andere Passagen. Diese unterschiedlichen Emotionen wiederum zu einem einzigen Werk zu verweben, ist äußerst schwierig.

Bei einem 15- oder 20-sekündigen Kurzvideo besteht das primäre Ziel darin, eine einzige Emotion zu vermitteln.

Deshalb bedeutet ein gut geschnittenes Kurzvideo noch lange nicht, dass man auch einen Langfilm, geschweige denn einen Spielfilm, schneiden kann.

Umgekehrt gilt das jedoch sehr wohl.

Und genau deswegen muss man, wenn man Schnitt wirklich lernen will, bei der Filmtheorie anfangen.

Lässt man einige technische Aspekte beiseite, dann hat ein guter Film immer eine emotionale Hauptlinie, die sich durchzieht – oder mehrere emotionale Hauptlinien, die sich gegenseitig durchdringen und tragen.

Nehmen wir an, wir schneiden einen Film mit dem Thema „Traurigkeit“. Im Materialordner gibt es zwei Shots, aus denen wir wählen müssen – beides sind Einstellungen, in denen eine Person hemmungslos weint:

Shot ①: Normal aufgenommen, technisch einwandfrei.

Shot ②: Unscharf, wackelnd, aber mit deutlich intensiverer Emotion.

Aus technischer Sicht wäre Shot ② das, was man ein „Ausschussbild“ nennt.

Wenn der Film gut werden soll, muss man aber trotzdem Shot ② wählen.

Alles, was die Kamera aufzeichnet – egal ob „Cut“ gerufen wurde oder nicht –, keine einzige Sekunde davon ist im Schnitt „Ausschuss“.