El elemento clave para montar bien una pieza: la “emoción”

Frente a un mismo material de cámara, para un buen montador el montaje nunca consiste solo en ordenar planos, sino en ordenar “emociones”.

En vídeos/artículos anteriores he mencionado más de una vez las “seis reglas del montaje perfecto”. Hoy vamos a desarrollarlas en detalle:

Las seis reglas del montaje perfecto:

1. Emoción (51%)

2. Historia (23%)

3. Ritmo (10%)

4. Mirada (7%)

5. Características bidimensionales (5%)

6. Coherencia tridimensional (4%)

Fueron propuestas por el célebre montador Walter Murch (El Padrino, Apocalypse Now) y son consideradas una auténtica “biblia” del montaje.

Veamos el peso que tiene cada una de estas seis reglas:

Las tres últimas (mirada | características bidimensionales | coherencia tridimensional), las menos importantes, son precisamente lo que en lenguaje llano llamamos “técnica de montaje”, “teoría del montaje”: por ejemplo, la relación entre dirección de la mirada y dirección del plano, los cortes directos, la prohibición del “salto de eje”, el montaje por raccord, el raccord de movimiento, etc. Una serie de teorías académicas de manual.

En cambio, las tres primeras, las más importantes, no tienen en realidad relación alguna con esos requisitos técnicos.

Entonces, ¿a qué se refiere exactamente la emoción, que ocupa el primer lugar y es lo más importante? Lo entenderemos con un ejemplo:

En una de las escenas de la película El talento de Mr. Ripley, después de una serie de altibajos vitales, el protagonista mira al mar desde un barco; el plano medio se mantiene durante mucho tiempo.

Murch explicó qué pensó al montar ese plano:

“Imagina cuánto tiempo pueden prolongarse sus pensamientos junto al mar: ese es el tiempo que el plano puede mantenerse.”

Eso es la emoción, y ese es el objetivo más importante del montaje: la narración.

Incluso en una película con un estilo de montaje “fragmentado y frenético” como Réquiem por un sueño (toda la película tiene unos 2000 planos, mientras que una película de 60–90 minutos suele tener 600–700 planos), también abundan los “planos largos” que se mantienen durante bastante tiempo. Para mantener el estilo de principio a fin, el montador podría haberse limitado a un montaje a toda velocidad sin contemplaciones; ¿no rompe el ritmo insertar planos que se quedan largos?

— El montador está priorizando por completo la emoción del personaje. La emoción auténtica solo puede captarse con una cámara que sigue grabando sin parar.

En realidad, estas reglas de montaje perfecto de Walter Murch no solo sirven para el cine: son aplicables a la edición de cualquier proyecto.

A menudo prestamos demasiada atención a la “técnica” y olvidamos la “emoción” más primaria que el plano transmite al espectador.

Según la teoría académica ortodoxa, la selección de material es el primer objetivo del montaje, y esa selección debe seguir principios generales como: “plano estable, que no tiemble, cara bien visible, encuadre correcto y bien compuesto…”. Pero a menudo, si de verdad queremos que la emoción de una pieza se exprese con precisión, tenemos que romper esas normas.

En esta escena de El Padrino, cuando el protagonista sale de cuadro choca sin querer con la cámara y el plano tiembla, pero el montador decidió conscientemente no cortarlo.

En el arranque de 12 años de esclavitud, pasan varios segundos antes de que empiecen los diálogos (según el montaje habitual, lo más probable habría sido empezar directamente con el diálogo).

Todas estas son formas de conservar la emoción mediante el montaje.

Por eso, la aspiración de un buen montador parece ser transformar la pregunta “¿dónde cortar?” en “¿y si no corto?”.

Seguramente habrás oído que un buen montaje cuenta una historia, cuenta una historia con los planos. ¿Cómo se cuenta bien una historia? Si alguien recita una historia como si leyera un texto, monótono como agua sin sabor, es probable que no te deje ninguna impresión, incluso que te haga bostezar. En cambio, si alguien la cuenta con expresiones faciales, gestos exagerados, altibajos en la voz y hasta escupiendo al hablar, entonces incluso una historia mediocre puede resultar lo bastante atractiva.

Por eso un buen director puede sacar adelante un guion extremadamente mediocre: porque sabe controlar el ritmo. Y ese ritmo lo controla la emoción.

Cuando alguien ve una pieza y dice que es buena, es porque algo de su contenido emocional le ha conmovido. Eso es lo que repetimos arriba: “un buen montador siempre sabe contar historias”.

Volviendo al inicio: “para un buen montador, el montaje consiste en ordenar y combinar emociones”.

Con un conjunto de planos, componer un montaje que transmita una emoción de “rabia” quizá sea relativamente sencillo.

Pero en un largometraje, el tema emocional no se limita a la “rabia”: puede haber pasajes de “alegría”, “tristeza”, “placer”, etc. Integrar todas estas emociones en una sola obra es extremadamente difícil.

En un vídeo corto de 15 o 20 segundos, el objetivo principal es transmitir una emoción.

Por eso, saber montar bien vídeos cortos no significa necesariamente que sepas montar un largometraje o una película.

A la inversa, sí suele ser cierto.

De ahí que, para aprender bien montaje, haya que partir sin duda de la teoría cinematográfica.

Si dejamos de lado ciertos aspectos técnicos, una buena pieza siempre tiene un hilo emocional principal que la guía, o varias líneas emocionales que se entrecruzan.

Supongamos que estamos montando una pieza cuyo tema es la “tristeza”, y en la bandeja de material tenemos dos tomas posibles: ambas son planos de una persona llorando a lágrima viva.

Plano ① Rodado correctamente, sin defectos.

Plano ② Desenfocado y tembloroso, pero con un llanto mucho más desgarrador.

Desde un punto de vista técnico, el plano ② es lo que se llamaría “material desechado”.

Pero si queremos que la pieza sea buena, tenemos que elegir el plano ②.

Todo lo que la cámara haya grabado, se haya dicho o no “corten”, en montaje, ni un solo segundo es “material desechado”.