Czas i tempo montażu filmowego: jak montować dramatyczne momenty

• 28 czerwca 2018

• Film Editing Pro

Dziś przyjrzymy się technikom czasu i tempa w montażu filmowym — konkretnie temu, jak montować dramatyczne momenty.

Jesteś montażystą. Kontrolujesz czas.

Nie w żaden “Władca Czasu” rodem z Doktora Who (choć to z pewnością by się przydało). Ale duża część twojej pracy polega na kontrolowaniu tego, jak widz doświadcza upływu czasu.

Filmy poruszają nas między innymi dlatego, że naśladują i odzwierciedlają to, jak MY doświadczamy czasu.

Gdy lata “przelatują”, zwykle dzieje się tak dlatego, że te lata były do siebie podobne. Z kolei pamiętne wydarzenia, przyjemne lub bolesne, zdają się “trwać wiecznie”.

W tym artykule zbadamy różne sposoby, w jakie możesz kontrolować czas i tempo montażu, wydłużając trwanie chwili, aby spotęgować dramat i napięcie w cięciu.

Wydłużanie czasu w ujęciu

Wydłużanie czasu często wiąże się z “produkowanymi” momentami. W wielu przypadkach wymaga kreatywnego używania materiału, w oderwaniu od jego pierwotnego przeznaczenia.

Przyjrzyjmy się czterem przykładom tego, jak montażysta może twórczo wykorzystać materiał, by wydłużyć czas.

Przykład 1

Świetnym miejscem do obserwowania wydłużania czasu w akcji są filmy sportowe. W każdej rozgrywce sportowej pojawiają się zazwyczaj momenty ważniejsze od innych.

Oto kilka typowych przykładów:

• Biegacz wychylający się na linię mety

• Zawodnik futbolu chwytający piłkę na zwycięski touchdown w polu punktowym

• Pałkarz w dolnej połowie 9. inningu przy remisie w meczu baseballowym

W tej scenie z Naturalnego pierwszy cel sceny to przekazanie przynajmniej podstawowych informacji o tym, co się dzieje. Kto… co… gdzie… itd.

Kluczowe wydarzenia są następujące:

1. Roy Hobbs stoi przy pałce

2. Miotacz posyła mu piłkę

3. Roy zamachuje się i trafia w piłkę

Te informacje można przekazać w około szesnaście sekund poprzez serię ujęć pałkarza i miotacza, jak pokazano poniżej.

Ale ta konkretna scena to punkt kulminacyjny meczu i całego filmu. Zadecyduje, kto wygra, oraz czy łuk postaci Roya Hobbsa zakończy się porażką, czy triumfem.

Montażysta maksymalnie “wycisnął” z tej sceny dramat, dodając różne ujęcia tłumu oraz zbliżenia dłoni zaciskającej kij, dłoni zaciskającej piłkę i samej piłki lecącej w powietrzu.

Po podkręceniu napięcia w momencie odbicia, sekwencja została rozciągnięta do czterdziestu siedmiu sekund, a efekty dźwiękowe i muzyka wzmocniły suspens.

Wskazówka: Zawsze w tego typu sytuacjach szukaj w swoim materiale ujęć reakcji tłumu. Twarze działają jako substytuty twojej widowni i jako sygnał dla niej, by przeżywała emocje, które próbujesz wywołać.

Tego typu wydłużanie sceny, by podbić napięcie, jest dość łatwe do zauważenia, jeśli się go wypatruje. Istnieje jednak inny rodzaj wydłużania, znacznie trudniejszy do wychwycenia… głównie dlatego, że mija bardzo szybko.

Przykład 2

W tej scenie z Terminatora 2: Dnia sądu naukowiec Dyson przygotował improwizowany wyłącznik bezpieczeństwa (dead man’s switch), który detonuje ładunki wybuchowe, gdy ten ulegnie swoim postrzałowym ranom. Fasada budynku z szkła rozpada się w ogniistej kuli.

Terminator 2 (1991)

W czasie rzeczywistym mogłoby to wyglądać tak, trwać około dwudziestu sekund.

Jednak w finalnej wersji filmu montażysta wstawił kilka ujęć, by wydłużyć czas trwania wydarzenia do około trzydziestu sekund.

W tej rozszerzonej wersji szkło eksploduje co najmniej dwa razy, z dwóch różnych kątów. Mówię co najmniej, bo pomiędzy ujęciami występuje sporo nakładającej się na siebie akcji eksplozji.

Z czysto logicznego punktu widzenia nie ma to sensu.

To nie tak, że dochodzi do dwóch osobnych eksplozji. Ale widownia w pełni to akceptuje, bez wątpienia także dlatego, że łączny czas trwania ujęć eksplozji wciąż jest bardzo krótki.

To również bardzo sprytna strategia montażowa, by mieć przebitkę na windę pomiędzy eksplozjami. W przeciwnym razie wzrosłoby prawdopodobieństwo, że zauważymy “błąd” polegający na tym, że eksplozja zachodzi dwa razy.

Przebitka na windę między eksplozjami wspiera logikę sekwencji ujęć

Dlaczego wydłużać to w ten sposób? Z trzech powodów.

1. To ważny moment w filmie — eksplozja niszczy chip komputerowy kluczowy dla fabuły. Chcemy mieć pewność, że widownia w pełni przyswoi znaczenie tego, co się wydarzyło. Często pożądane jest wydłużenie chwil intensywnej akcji, jak eksplozje i strzały, szczególnie jeśli wiążą się z istotnymi punktami fabularnymi.

2. Prawdziwa eksplozja wyglądałaby w rzeczywistości bardzo szybko — ten gwałtowny, chaotyczny moment trwałby mniej niż sekundę. Z dramatycznego punktu widzenia byłoby to bardzo rozczarowujące.

3. I bądźmy szczerzy. Eksplozje i tłukące się szkło… po prostu wyglądają świetnie — więc im więcej tego, tym lepiej!

Te dwa ostatnie przykłady pokazały znaczące zmiany w czasie trwania, jakie mogą wynikać z wydłużenia.

Czasami jednak różnica w długości może być minimalna. Kilka sekund, a nawet mniej. Nie czyni ich to jednak wcale mniej istotnymi.

Przykład 3

Na końcu sekwencji otwierającej Dawno temu na Dzikim Zachodzie dochodzi do strzelaniny między Harmoniką a trzema bandytami.

Dawno temu na Dzikim Zachodzie (1969)

To bardzo dynamiczna sekwencja, która rozładowuje napięcie narastające przez pierwsze trzynaście minut filmu. Tajemniczy rewolwerowiec, Harmonica, zdaje się zostawać trafiony strzałem z dubeltówki w szerokim planie.

W tym momencie montażysta mógłby po prostu przejść do zbliżenia Harmoniki otwierającego oczy na ziemi.

Jednak w finalnej wersji filmu pomiędzy tymi dwoma ujęciami wstawiono ujęcie powoli obracającego się wiatraka.

Wynikają z tego dwie rzeczy warte zapamiętania…

Wskazówka 1: “Czas na absorpcję”

Gdy sytuacje o wysokiej stawce/wysokim konflikcie zostają rozwiązane, daj widowni czas, by odetchnęła i przyswoiła to, co się wydarzyło. Spokojne ujęcie wiatraka po frenetycznej akcji pełni tu właśnie tę funkcję. Bardzo często do tego celu wykorzystuje się ujęcia natury lub podobne martwe natury.

Wskazówka 2: “Utrzymywanie napięcia”

Drugą funkcją ujęcia wiatraka jest utrzymanie napięcia dotyczącego tego, czy Harmonica przeżył strzelaninę. W finalnej wersji jest znacznie więcej suspensu niż w pierwszej wersji bez tego ujęcia.

Przykład 4

Na koniec zejdźmy jeszcze niżej, do jeszcze krótszego wydłużenia — przejścia przez zaciemnienie (fade to black).

Monty Python i Święty Graal (1975)

Kulminacją sceny z Czarnym Rycerzem w Monty Pythonie i Świętym Graalu jest ostatni, duży żart, następujący po serii błyskawicznych gagów słownych i wizualnych. Następuje potem ściemnienie do czerni (dość nietypowe w komedii), a następnie cięcie na mnicha intonującego śpiew.

Ten czas został wstawiony po to, by zostawić miejsce na duży śmiech wywołany ostatnią kwestią oraz na śmiechy nadal trwające po poprzednich gagach w scenie.

Wskazówka: Zostawianie przestrzeni na śmiech jest często pomijane przez samotnego montażystę w jego lub jej montażowni, ale uwierz — niejeden pokaz testowy z publicznością ujawnił problemy z montażem komediowym, który jest zbyt ciasny między scenami lub kwestiami.

Nigdy nie będzie pożądane, by nowe puenty ginęły w śmiechu po wcześniejszych żartach.