Was ist „Save the Cat“ – Erklärung des Beat-Sheets von Blake Snyder

Was bedeutet „Save the Cat“? Wenn du dich für Drehbuchschreiben interessierst oder dieses Handwerk lernst, hast du den Ausdruck „Save the Cat“ wahrscheinlich schon einmal in irgendeinem Zusammenhang gehört. Die Erklärung von „Save the Cat“ braucht etwas zusätzlichen Kontext, da der Begriff sowohl Verb als auch Substantiv ist. Anders gesagt: „Save the Cat“ ist sowohl ein Buch über das Drehbuchschreiben als auch ein erzählerisches Werkzeug. Beginnen wir mit einer Übersicht über das Buch, danach gehen wir genauer auf den titelgebenden Vorschlag ein und betrachten, was das Buch sonst noch bietet.

Was ist „Save the Cat“?

„Save the Cat“ ist ein Bestseller-Sachbuch über Drehbuchtechnik, geschrieben von Blake Snyder. Nach seiner Veröffentlichung im Jahr 2005 wurde „Save the Cat“ schnell zu einem der anerkannten Standardwerke über Drehbuchschreiben.

„Save the Cat“ ist heute zu einer Kurzbezeichnung für eine traditionelle Drehbuchstruktur geworden, die auf viele moderne Hollywoodfilme angewendet werden kann.

Merkmale von „Save the Cat“:

• Drei-Akt-Struktur

• Fünfzehn Plot-Beats

• Häufig verwendet in US‑amerikanischen Hollywoodfilmen

Wer ist Blake Snyder?

Blake Snyder war ein erfolgreicher Hollywood‑Drehbuchautor, der mehrere Drehbücher verkauft hat – manchmal für siebenstellige Summen. Zwei von Snyder verfasste Spielfilme wurden produziert und veröffentlicht.

Snyder nutzte seine Erfahrungen in der Filmbranche und schrieb das, was er als maßgeblichen Leitfaden für angehende Profidrehbuchautoren verstand.

Zu „Save the Cat“ gibt es mehrere Fortsetzungen, darunter „Save the Cat! Strikes Back“ und „Save the Cat! Writes for TV“. Einige dieser Fortsetzungen stammen ebenfalls von Snyder, andere wurden nach seinem plötzlichen Tod im Jahr 2009 von seinen Schülern verfasst.

Die Ratschläge in „Save the Cat“ sind weit verbreitet gelobt worden, aber auch auf Kritik gestoßen. Kritiker bemängeln, dass die Vorschläge des Buches zu formelhaften Geschichten führen und dass das Buch Autoren dazu ermutige, sich auf Bekanntes und Bewährtes zu verlassen, statt Kreativität und Originalität zu fördern.

Was bedeutet „Save the Cat“?

Der Titel „Save the Cat“ bezeichnet einen von Blake Snyder geprägten Drehbuchbegriff, der sich auf ein bestimmtes erzählerisches Mittel bezieht. Die „Save the Cat“-Methode besteht darin, den Protagonisten zu Beginn der Geschichte etwas Bewundernswertes tun zu lassen, um ihn als sympathische Figur zu etablieren und das Publikum auf seine Seite zu ziehen. Den Protagonisten „eine Katze retten“ zu lassen, kann wörtlich oder metaphorisch gemeint sein.

Eine „Save the Cat“-Szene am Anfang eines Drehbuchs einzubauen, kann schnell Mitgefühl und Sympathie für den Protagonisten wecken. Einige Autoren und Kritiker wenden sich gegen dieses erzählerische Mittel, unter anderem mit der Begründung, dass eine solche Szene manipulativ oder klischeehaft sei. Manche lehnen auch die Vorstellung ab, der Protagonist müsse immer sympathisch und/oder bewundernswert sein.

Weitere Drehbuch-Schlüsselideen

Die titelgebende Plot-Mechanik ist bei weitem nicht die einzige Information in „Save the Cat“. Das Buch enthält auch Strukturanalysen erfolgreicher Filme, Loglines, Formeln zum Schreiben eigener, origineller Loglines und mehr.

Noch stärker als das „Save the Cat“-Plot-Device selbst wird oft das „Save the Cat“-Beat-Sheet geschätzt.

Das „Save the Cat“-Beat-Sheet wurde sehr schnell zu einem der beliebtesten Modelle für Drehbuchstrukturen. Die in diesem Drei-Akt-Strukturmodell skizzierten 15 Beats basieren auf einer bewährten Struktur, die Snyder durch Analyse Dutzender erfolgreicher Filme und Drehbücher erstellt hat.

Das Beat-Sheet ist das Strukturmodell, das Snyder selbst für seine Drehbücher nutzte – Drehbücher, die sich sehr gut verkauften. Einige Leser des Buches konnten nach der Anwendung des „Save the Cat“-Beat-Sheets sogar eigene Drehbücher verkaufen.

Die „Save the Cat“-Story-Beats

Was genau sind nun diese viel zitierten Story-Beats? Snyder hat seine fünfzehn Beats fein herausgearbeitet und sogar angegeben, auf welchen Seiten sie stattfinden sollten. Natürlich sind das nur Empfehlungen, und jede Geschichte ist anders. Aber es bietet eine klare Einstiegshilfe.

Das ist einigermaßen selbsterklärend. Snyder sagt, dass das Opening Image des Films (die erste Szene) wichtig ist, weil es Welt, Tonfall und Figuren etabliert. Fast jedes Drehbuch folgt dieser Regel – ganz gleich, ob es der „Save the Cat“-Struktur insgesamt folgt oder nicht.

Die meisten guten Filme haben irgendeine Form von Thema. Manchmal hat ein Film mehrere, aufeinander folgende Themen. Nach Snyder sollte das Hauptthema jedoch auf Seite fünf ausgesprochen werden.

Angenommen, das Thema deines Films ist die Kraft der Gemeinschaft und der Protagonist lernt diese Lektion im Verlauf des Films. Dann könnte auf Seite fünf ein Kollege zum Protagonisten sagen: „Devin, warum nimmst du nie Hilfe an?“ – die Themenaussage.

Die ersten zehn Seiten sind entscheidend. Wenn du mit „Save the Cat“ arbeitest, solltest du hier die Optik und Stimmung des Films sowie die meisten Hauptfiguren etablieren.

Dies ist auch der Moment, in dem du den Ausgangszustand des Protagonisten festlegst – wie sieht sein Leben aus, bevor alles auf den Kopf gestellt wird?

Apropos „alles auf den Kopf stellen“: Hier kommt ein großes Ereignis ins Spiel, das von Drehbuchtheoretikern oft als „inciting incident“ oder auslösender Moment bezeichnet wird.

Deine Figur mag die Bedeutung des Katalysators zunächst ablehnen, doch bis zum Ende des ersten Aktes wird er sie auf einen völlig neuen Kurs bringen.

Nach dem Katalysator ist der Protagonist unsicher, ob er handeln soll.

Nehmen wir an, der Katalysator besteht darin, dass jemand den Protagonisten besucht und ihm sagt, er sei sein Kind aus der Zukunft und der Protagonist müsse in der Antarktis einen Wissenschaftler finden, um die Welt zu retten. Auf den folgenden Seiten ringt der Protagonist mit diesen Informationen. Das kann doch nicht wirklich sein Kind aus der Zukunft sein, oder? Und warum sollte gerade er die Welt retten?

Hier trifft der Protagonist die Entscheidung, und die eigentliche Geschichte beginnt. In unserem Beispiel besteigt der Protagonist ein Schiff in Richtung Antarktis. Jetzt betreten wir Akt zwei.

Die Hauptstory ist in Gang, also ist es Zeit, eine Nebenhandlung zu beginnen. Vielleicht begegnet der Protagonist auf der Suche nach dem Wissenschaftler in der Antarktis einem Mann, der schließlich sein zukünftiger Ehemann werden wird.

Dies ist einer von Snyders am wenigsten klar umrissenen Beats. Jetzt, da dein Protagonist die neue Welt betreten oder seine neuen Kräfte entdeckt hat, verbringst du Zeit damit, ihn bei der Erkundung zu begleiten.

In „Harry Potter“ wird viel Zeit darauf verwendet, Harrys neue Welt aufzubauen:

Was sind die Regeln dieser Welt? Was ist anders? Was ist gleich?

Der Midpoint kann viele Formen annehmen. Der Protagonist kann einen falschen Sieg erringen – er glaubt, gewonnen zu haben, aber in Wirklichkeit wartet noch viel Ärger.

Oder er erleidet einen schweren Rückschlag – er verliert Freunde, erlebt eine Glaubenskrise usw. Die genaue Ausprägung des Midpoints liegt bei dir. Wichtig ist nur, dass es ein entscheidender Moment ist. Weiter unten wird der Midpoint genauer analysiert.

Ein ikonisches Closing Image aufnehmen:

Das muss nicht wörtlich zu verstehen sein, kann es aber. Im Kern ist dies der Teil des Drehbuchs, in dem alles schwieriger wird. Kehren wir zu unserer Antarktis-Geschichte zurück.

In der Mitte findet der Protagonist zwar den Wissenschaftler, doch jetzt stellt sich das als falscher Sieg heraus. Der Wissenschaftler hat keine Ahnung, wovon der Protagonist spricht, und hält ihn für verrückt. Auf diesen Seiten muss der Protagonist nun selbst herausfinden, was sein zukünftiges Kind ihm sagen wollte.

Der Tiefpunkt. Nichts läuft mehr für den Protagonisten.

Wir „bestrafen“ unsere Figur mit dieser Plot-Entwicklung. Vielleicht verliert sie ihren Mentor. Vielleicht wird sie von Selbstzweifeln überwältigt.

Auf diesen Seiten reagiert dein Protagonist auf den „All is Lost“-Moment. Dies ist ungefähr sein deprimiertester Punkt. Er steht kurz davor, aufzugeben. Vielleicht hat er sogar schon aufgegeben.

Wir treten in den letzten Akt ein. „Break into Three“ ist der letzte Aufbäumen – der Protagonist sagt im Grunde: „Ach, zum Teufel. Los geht’s.“ Vielleicht hat er Glück, vielleicht ist es auch nur ein neuer Sinn für Zielstrebigkeit.

Wie auch immer: Dieser Beat zeigt uns, dass unsere Figur zwar am Boden ist, aber noch nicht aus dem Spiel.

Dies ist der aufregendste Teil, auch bekannt als Klimax (oder Antiklimax). Hier kulminiert alles, was der Protagonist unterwegs gelernt hat (und was er schon immer in sich trug), in einem großen Showdown. Der Gegenspieler kann ein äußerer Antagonist sein oder seine inneren Dämonen.

Das hängt ganz von der Geschichte ab, die du erzählst.

In jedem Fall ist dies der Höhepunkt. Also führe die Dinge zu Ende und gib dem Publikum ein Finale, das die ersten beiden Akte rechtfertigt.

Alles ist vorbei. Es ist Zeit, dein Publikum mit einem nachhaltigen visuellen Eindruck zu entlassen, der deine Geschichte zusammenfasst und vielleicht dein Opening Image spiegelt.

Zum Beispiel der ikonische letzte Shot in „The Graduate“ („Die Reifeprüfung“):

Unser Protagonist hat bekommen, was er wollte, doch nun steht er vor einer ungewissen Zukunft. Was jetzt?

Das ist ein perfektes Filmende, das die Handlung abschließt und zugleich das Thema der ziellosen Jugend unterstreicht.

Snyders 15 Beats sind nicht für jeden geeignet und ganz sicher keine notwendige Bedingung für ein gutes Drehbuch.

Aber die „Save the Cat“-Regeln zu befolgen bedeutet nicht automatisch, dass dein Drehbuch unkreativ oder abgedroschen ist. Alles hängt von der Geschichte ab, die du erzählen möchtest.