Die Schlüsselfaktor für einen gut geschnittenen Film: „Emotion“

Wenn ein hervorragender Cutter mit demselben Rohmaterial arbeitet, besteht seine Aufgabe nicht einfach darin, Einstellungen aneinanderzureihen, sondern „Emotionen“ zu arrangieren und zu kombinieren.

In früheren Videos/Artikeln habe ich mehr als einmal die „sechs Regeln des perfekten Schnitts“ erwähnt, heute gehen wir ins Detail.

Die sechs Regeln des perfekten Schnitts:

1. Emotion (51 %)

2. Geschichte (23 %)

3. Rhythmus (10 %)

4. Blickrichtung (7 %)

5. Zweidimensionale Eigenschaften (5 %)

6. Dreidimensionale Kontinuität (4 %)

Sie stammen aus der „Schnitt-Bibel“ des berühmten Editors Walter Murch („Der Pate“, „Apocalypse Now“).

Schauen wir uns das Gewicht dieser sechs Regeln an:

Die drei am wenigsten wichtigen (Blickrichtung | Zweidimensionale Eigenschaften | Dreidimensionale Kontinuität) sind genau das, was wir umgangssprachlich als „Schnitttechnik“ oder „Schnitttheorie“ bezeichnen, also Dinge wie das Verhältnis von Blickrichtung und Kamerarichtung, Hard Cuts, die Regel, keine Sprünge im Bild zu haben, Match Cuts, Action-Match usw. – all diese akademischen Theorien aus Lehrbüchern.

Im Gegensatz dazu haben die drei wichtigsten Punkte mit diesen technischen Anforderungen überhaupt nichts zu tun.

Was also bedeutet die wichtigste Regel, die Emotion, konkret? Ein Beispiel macht es deutlich:

In einem der Shots von „Der talentierte Mr. Ripley“ blickt der Protagonist nach einer Reihe von Schicksalsschlägen auf einem Schiff auf das Meer hinaus; diese Halbtotalaufnahme hält sehr lange an.

Editor Murch erklärte seine Überlegung beim Schnitt dieser Einstellung:

„So lange du dir vorstellen kannst, dass seine Gedanken mit dem Meer treiben, so lange kannst du die Einstellung stehen lassen.“

Das ist Emotion, und das ist die wichtigste Funktion des Schnitts – das Erzählen.

Selbst in einem „fragmentierten, wilden“ Schnittstil wie in „Requiem for a Dream“ (der Film hat rekordverdächtige etwa 2000 Einstellungen; ein 60- bis 90-minütiger Film hat normalerweise nur 600–700 Einstellungen) gibt es immer noch längere, stehenbleibende „Long Takes“. Um den Stil durchgehend zu halten, hätte der Cutter problemlos dauerhaft hohes Tempo fahren können – wäre es dann nicht ein Bruch im Rhythmus, eine lange Einstellung einzufügen?

– Der Editor stellt schlicht und einfach die Emotion der Figuren an erste Stelle. Echte Emotion lässt sich nur mit einer laufenden Kamera einfangen.

Tatsächlich gilt Walter Murchs Regelwerk des perfekten Schnitts nicht nur für Spielfilme, sondern für jedes Schnittprojekt.

Wir achten oft zu sehr auf „Technik“ und übersehen die ursprünglichste „Emotion“, die ein Bild dem Publikum vermittelt.

Nach streng akademischer Theorie ist die Auswahl der Takes das erste Ziel beim Schnitt. Dabei müsse man sich an allgemeine Prinzipien halten wie „Kamera stabil, kein Wackeln, Gesicht klar zu sehen, saubere Komposition …“. Aber wenn man wirklich möchte, dass die Emotion eines Films präzise beim Zuschauer ankommt, muss man diese Regeln oft aufbrechen.

In dieser Szene aus „Der Pate“ stößt der Protagonist beim Verlassen des Bildes versehentlich an die Kamera, das Bild wackelt – dennoch hat der Cutter den Take bewusst nicht entfernt.

Im Prolog von „12 Years a Slave“ verbleibt die Kamera mehrere Sekunden ohne Dialog, bevor gesprochen wird (nach gängigem Schnittverständnis wäre es sehr naheliegend gewesen, direkt mit dem Dialog zu beginnen).

Das sind Beispiele dafür, wie man durch den Schnitt Emotion bewahrt.

Das Ziel eines hervorragenden Editors scheint also zu sein, die Frage „Wo schneide ich?“ in „Was, wenn ich nicht schneide?“ zu verwandeln.

Man hört oft, guter Schnitt bedeute, eine Geschichte zu erzählen, mit Bildern zu erzählen. Wie erzählt man eine Geschichte gut? Wenn jemand einen Text einfach wie auswendig gelernt herunterleiert, nüchtern und ohne jede Welle, wirst du dir diese Geschichte kaum merken, vielleicht eher gähnen. Wenn aber jemand mit Mimik, übertriebener Gestik, mit Höhen und Tiefen in der Stimme und spuckend vor Leidenschaft erzählt, dann wird selbst eine mittelmäßige Geschichte fesselnd.

Deshalb kann ein guter Regisseur ein völlig mittelmäßiges Drehbuch trotzdem noch passabel verfilmen – weil er Rhythmus kontrollieren kann. Dieser Rhythmus wird von der Emotion gesteuert.

Wenn jemand einen Film gesehen hat und ihn gut findet, dann hat ihn zwangsläufig etwas auf emotionaler Ebene berührt. Das ist genau das, was oben mit „gute Cutter können Geschichten erzählen“ gemeint ist.

Zur Ausgangsthese: Für einen guten Editor bedeutet Schneiden immer, „Emotionen“ zu arrangieren und zu kombinieren.

Mit einer Reihe von Einstellungen eine Montage mit dem emotionalen Grundton „Wut“ zu bauen, ist vielleicht noch einfach.

Nehmen wir aber einen langen Film: Seine Emotionen sind nicht nur „Wut“, sondern enthalten vielleicht auch Abschnitte von „Freude“, „Trauer“, „Heiterkeit“ usw. Diese Emotionen wiederum zu einem Werk zu verschmelzen, ist extrem schwierig.

Bei einem 15- oder 20-sekündigen Kurzvideo ist das erste Ziel, eine einzige Emotion zu transportieren.

Darum bedeutet gutes Schneiden von Kurzvideos nicht automatisch, dass man lange Formate oder gar Spielfilme schneiden kann.

Umgekehrt gilt das aber durchaus.

Deshalb führt ein wirklich fundiertes Lernen von Schnitt fast immer über die Filmtheorie.

Lässt man technische Aspekte zur Seite, hat jeder gute Film eine emotionale Hauptlinie, die ihn trägt – oder mehrere emotionale Linien, die miteinander verflochten sind.

Stellen wir uns vor, wir schneiden einen Film mit dem Thema „Traurigkeit“. Im Materialpool gibt es zwei Einstellungen derselben Person, die laut schluchzt:

Einstellung ① Normal gedreht, technisch einwandfrei.

Einstellung ② Unscharf, wackelig, aber das Weinen ist deutlich intensiver.

Aus technischer Sicht wäre Take ② ein „Ausschuss“.

Aber um den Film wirklich gut zu machen, muss man Take ② wählen.

Alles, was die Kamera aufgenommen hat – egal ob „Cut“ gerufen wurde oder nicht – ist im Schnitt niemals „Ausschuss“. Keine einzige Sekunde.