El elemento clave para montar bien una pieza: «la emoción»

Frente al mismo material de cámara, para un buen montador el montaje nunca consiste solo en ordenar planos, sino en ordenar “emociones”.

En vídeos/artículos anteriores he mencionado más de una vez las «seis reglas del montaje perfecto». Hoy vamos a desarrollarlas en detalle:

Seis reglas del montaje perfecto:

1. Emoción (51%)

2. Historia (23%)

3. Ritmo (10%)

4. Línea de mirada (7%)

5. Características en 2D (5%)

6. Continuidad en 3D (4%)

Fueron propuestas por el célebre montador Walter Murch (El Padrino, Apocalypse Now) y se consideran una especie de “biblia” del montaje.

Veamos el peso relativo de estas seis reglas:

Las tres últimas (línea de mirada | características en 2D | continuidad en 3D) son precisamente lo que, en lenguaje llano, llamamos “técnica de montaje” o “teoría del montaje”: la relación entre dirección de mirada y dirección del plano, los cortes directos, la regla de no “saltar” de plano, el match cut, la continuidad de acción, etc., toda una serie de teorías académicas propias de los manuales.

En cambio, las tres primeras —las más importantes— no tienen realmente nada que ver con estos requisitos técnicos.

Entonces, ¿a qué se refiere exactamente la emoción, que ocupa el primer lugar y es lo más importante? Un ejemplo lo aclarará:

En una de las tomas de la película El talento de Mr. Ripley, después de una serie de vicisitudes en la vida del protagonista, lo vemos en un barco mirando al mar; este plano medio se mantiene durante mucho tiempo.

Murch explicó lo que pensó al montar ese plano:

«Mientras puedas imaginar que sus pensamientos siguen vagando con el mar, el plano puede seguir.»

Eso es la emoción, y es la función más importante del montaje: la narración.

Incluso en una película con un estilo de montaje “fragmentado y frenético” como Réquiem por un sueño (que tiene alrededor de 2000 planos; normalmente una película de 60-90 minutos tiene unos 600-700), también hay algunos “planos largos” que se mantienen mucho tiempo. Para mantener el estilo, el montador podría haber optado por un montaje rápido en todo momento; ¿no rompería el ritmo insertar planos de larga duración?

— El montador está priorizando totalmente la emoción del personaje. La emoción genuina solo puede ser registrada por una cámara que sigue rodando.

En realidad, estas reglas del montaje perfecto de Murch no se aplican solo al cine, sino a cualquier tipo de proyecto audiovisual.

Con frecuencia nos preocupamos demasiado por la “técnica” y descuidamos la “emoción” primaria que transmite el plano al espectador.

Según la teoría académica convencional, seleccionar material es el objetivo principal del montaje, y para hacerlo hay que seguir principios generalizados como: “el plano debe ser estable, no puede temblar, la cara debe verse claramente, la composición debe ser perfectamente correcta”… Pero a menudo, si queremos que la emoción de una pieza se exprese con precisión, tenemos que romper estas reglas.

En esta escena de El Padrino, el protagonista, al salir de cuadro, golpea sin querer la cámara, lo que produce una sacudida en la imagen, pero el montador decidió conscientemente no cortar el plano.

En el inicio de 12 años de esclavitud, el plano se mantiene varios segundos antes de entrar en el diálogo (según la práctica habitual, probablemente se habría empezado directamente con diálogo).

Estos son ejemplos de cómo el montaje puede preservar la emoción.

Por eso, la aspiración de un buen montador parece ser transformar la pregunta “¿dónde cortar?” en “¿y si no corto?”.

Se suele decir que un buen montaje cuenta una historia, que utiliza los planos para narrar. ¿Cómo se cuenta bien una historia? Si una persona recita un relato como si leyera, plano y monótono como agua, es probable que no te deje ninguna impresión e incluso te entren bostezos. Pero si otra persona lo cuenta con expresiones marcadas, gestos exagerados, cambios de tono y hasta salpicando saliva, aunque la historia no sea gran cosa, seguramente resultará mucho más atractiva.

Por eso un buen director puede rodar de forma aceptable incluso un guion extremadamente mediocre: porque sabe controlar el ritmo, y ese ritmo está gobernado por la emoción.

Si a alguien que ha visto una pieza le parece buena, es porque algo de su emoción le ha tocado; esto es lo que venimos repitiendo: “un buen montador sabe contar historias”.

Volviendo a lo que decíamos al principio: para un buen montador, el montaje consiste en ordenar y combinar “emociones”.

Crear, con una serie de planos, una secuencia de montaje que exprese “ira” tal vez sea relativamente fácil.

Pero imaginemos un largometraje cuyo espectro emocional no se limita a la ira, sino que también incluye momentos de alegría, tristeza, diversión, etc. Volver a amalgamar todas estas emociones en una sola obra es extremadamente difícil.

En un vídeo corto de 15/20 segundos, el objetivo principal es transmitir una emoción.

Por eso, saber montar bien vídeos cortos no significa necesariamente que se pueda montar un largometraje o incluso una película.

A la inversa, en cambio, sí es cierto.

Y esta es también la razón por la que, para aprender montaje en serio, hay que partir de la teoría cinematográfica.

Si dejamos al margen ciertos aspectos técnicos, toda buena pieza tiene necesariamente un hilo conductor emocional que la guía, o varias líneas emocionales que se entretejen.

Supongamos que estamos montando una pieza cuyo tema es la “tristeza”. En la caja de material tenemos dos tomas entre las que elegir de una persona llorando a gritos:

Plano ① Rodado correctamente, sin defectos técnicos.

Plano ② Fuera de foco, tembloroso, pero con un llanto mucho más sentido.

Desde un punto de vista técnico, el plano ② sería el llamado “descarte”.

Pero si queremos que la pieza sea buena, tenemos que elegir el ②.

Todo lo que registre la cámara, independientemente de que se haya dicho o no “corten”, en la sala de montaje, ni un solo segundo es “material desechable”.