El elemento clave para montar bien una pieza: la “emoción”

Frente al mismo material de cámara, para un buen montajista, el montaje nunca consiste solo en ordenar planos, sino en ordenar “emociones”.

En mis vídeos/artículos anteriores he mencionado más de una vez las “seis reglas del montaje perfecto”. Hoy vamos a desarrollarlas en detalle.

Seis reglas del montaje perfecto:

1. Emoción (51 %)

2. Historia (23 %)

3. Ritmo (10 %)

4. Línea de mirada (7 %)

5. Características bidimensionales (5 %)

6. Coherencia tridimensional (4 %)

Fueron propuestas por el famoso montajista Walter Murch (El Padrino, Apocalypse Now) y se consideran una auténtica “biblia” del montaje.

Veamos el peso de cada una de estas seis reglas.

Las tres últimas (línea de mirada, características bidimensionales, coherencia tridimensional), las que menos importan, son precisamente lo que en lenguaje coloquial llamamos “técnica de montaje”, “teoría del montaje”: la relación entre la dirección de la mirada y la dirección del plano, el corte directo, la prohibición de los “saltos de eje”, el match cut, la continuidad de la acción, etcétera; toda una serie de teorías académicas de manual.

Por el contrario, las tres más importantes no tienen prácticamente ninguna relación con estas exigencias técnicas.

Entonces, ¿a qué se refiere exactamente la emoción, que ocupa el primer lugar? Con un ejemplo se entiende mejor:

En una de las escenas de la película El talento de Mr. Ripley, después de una serie de reveses en la vida del protagonista, lo vemos en un barco mirando al mar. Este plano medio se mantiene durante mucho tiempo.

Murch explica lo que pensó al montar este plano:

“Mientras puedas imaginar que sus pensamientos siguen fluyendo con el mar, el plano puede durar.”

Eso es la emoción, y ese es el papel más importante del montaje: la narración.

Incluso en una película con un estilo de “montaje fragmentado y frenético” como Réquiem por un sueño (récord de unos 2.000 planos aproximadamente en todo el film, cuando un montaje normal de 60-90 minutos suele tener 600-700 planos), tampoco faltan “planos largos” que se mantienen mucho tiempo. Para mantener el estilo de principio a fin, el montajista podría haberse limitado a seguir con el montaje a alta velocidad sin concesiones: ¿no romperían el ritmo estos planos que se alargan?

La respuesta es que el montajista da prioridad absoluta a la emoción del personaje. La emoción auténtica solo puede ser capturada por una cámara que siga grabando.

En realidad, estas reglas del montaje perfecto de Walter Murch no solo se aplican al cine, sino a cualquier proyecto de montaje.

Con frecuencia prestamos demasiada atención a la “técnica” y descuidamos la “emoción” primaria que transmite el plano al espectador.

Según la teoría académica más ortodoxa, seleccionar material es el objetivo principal del montaje, y para seleccionar material hay que seguir una serie de principios “universales”: el plano debe estar estable, no debe temblar, el rostro debe verse claramente, la composición debe ser correcta… Sin embargo, si de verdad queremos que la emoción de una pieza se exprese con precisión, muchas veces es necesario romper estas reglas.

En esta escena de El Padrino, el protagonista, al salir de cuadro, golpea accidentalmente la cámara y la imagen se sacude, pero el montajista deliberadamente no cortó ese momento.

En el inicio de 12 años de esclavitud, el plano se mantiene unos segundos antes de entrar en diálogo (según el enfoque de montaje más común, lo más probable sería empezar directamente con el diálogo).

Son ejemplos de cómo el montaje preserva la emoción.

Así que, para un montajista excelente, el verdadero objetivo parece ser transformar la pregunta “¿dónde corto?” en “¿y si no corto?”.

Se dice mucho que un buen montaje cuenta una historia, que cuenta una historia con los planos. ¿Cómo se cuenta bien una historia? Si alguien recita un texto como si fuera una lección, plano, sin matices, como agua insípida, seguramente no te dejará ninguna impresión e incluso te dará sueño. En cambio, si alguien la cuenta con expresiones faciales marcadas, gestos, cambios de tono, incluso salivando al hablar, entonces, aunque la historia no sea gran cosa, probablemente te resultará lo bastante atractiva.

Por eso un buen director puede rodar de forma más que aceptable un guion extremadamente mediocre: porque sabe controlar el ritmo. Y ese ritmo lo controla la emoción.

Si tras ver una pieza alguien dice que le ha gustado, es seguro que hay algo en el plano emocional que le ha conmovido; eso es lo que antes llamábamos “un buen montajista sabe contar historias”.

Volvamos a lo dicho al principio: para un montajista excelente, el montaje siempre consiste en ordenar “emociones”.

Con un conjunto de planos, quizá sea sencillo crear, mediante su orden y combinación, una secuencia de montaje con un matiz emocional de “ira”.

Pero si pensamos en un largometraje, su tema emocional no será solo “ira”; es posible que incluya fragmentos de “alegría”, “tristeza”, “placer” y muchos otros. Volver a amalgamar todas esas emociones en una sola obra es extremadamente difícil.

En un vídeo corto de 15 o 20 segundos, el objetivo principal es transmitir una emoción.

Por eso, saber montar bien vídeos cortos no significa necesariamente que se pueda montar un largometraje, ni mucho menos una película.

En cambio, el camino inverso sí se sostiene.

Y también por eso, para aprender bien montaje, hay que partir de la teoría cinematográfica.

Si dejamos a un lado ciertos aspectos técnicos, toda buena obra tiene siempre un hilo conductor emocional que la guía, o varias líneas emocionales principales entrelazadas.

Supongamos que estamos montando una pieza cuyo tema es la “tristeza”. En la bandeja de material tenemos dos planos entre los que elegir, ambos de una persona llorando desconsoladamente:

Plano ① Rodado con normalidad, sin defectos técnicos.

Plano ② Fuera de foco y tembloroso, pero con un llanto mucho más emotivo.

Desde el punto de vista técnico, el plano ② sería el típico “plano desechado”.

Pero si queremos que la pieza funcione, deberíamos escoger el plano ②.

Mientras algo haya sido filmado por la cámara, independientemente de si se gritó “corten” o no, para el montaje ni un solo segundo es “material de desecho”.