De cruciale factor voor een goede montage: “emotie”

Met exact hetzelfde ruwe materiaal is montage voor een goede editor nooit zomaar het rangschikken van shots, maar het rangschikken van “emoties”.

In eerdere video’s/artikelen heb ik meer dan eens gesproken over de “zes regels van perfecte montage”. Vandaag gaan we die eens uitgebreid doornemen.

De zes regels van perfecte montage:

1. Emotie (51%)

2. Verhaal (23%)

3. Ritme (10%)

4. Kijkrichting (7%)

5. 2D‑eigenschappen (5%)

6. 3D‑continuïteit (4%)

Dit is de “bijbel” van de montage, opgesteld door de beroemde editor Walter Murch (The Godfather, Apocalypse Now).

Kijk naar het gewicht van deze zes regels:

De drie minst belangrijke (kijkrichting, 2D‑eigenschappen, 3D‑continuïteit) zijn precies wat wij in gewone taal “montagetechniek” of “montagetheorie” noemen. Bijvoorbeeld de relatie tussen kijkrichting en camerahoek, de jump cut, dat je geen “sprong” in kadrering mag maken, match cut, continue acties, enzovoort – een hele reeks academische theorieën uit de handboeken.

De drie belangrijkste daarentegen hebben juist niets te maken met deze technische eisen.

Wat betekent dan die belangrijkste factor, emotie, precies? Eén voorbeeld maakt het duidelijk:

In een shot in de film The Talented Mr. Ripley, nadat de hoofdpersoon allerlei tegenslagen heeft meegemaakt, zit hij op een boot naar de zee te kijken. Deze medium shot blijft heel lang staan.

Editor Murch beschreef zijn gedachte bij het knippen van deze scène:

“Zolang jij je kunt voorstellen dat zijn gedachten met de zee blijven meedeinen, zo lang mag het shot blijven staan.”

Dat is emotie. Dat is de belangrijkste functie van montage: vertellen.

Zelfs in een film met een “hondsdolle, gefragmenteerde” montagestijl als Requiem for a Dream (de film heeft zo’n 2000 shots, terwijl een normale film van 60–90 minuten er slechts 600–700 heeft), komen er toch een aantal lang aangehouden “long takes” in voor. Als hij de stijl strikt had willen vasthouden, had de editor probleemloos overal een hoog tempo kunnen aanhouden – het inlassen van lang aangehouden shots zou dan de vaart breken, toch?

— De editor geeft simpelweg prioriteit aan de emoties van de personages. Echte emotie kan alleen worden vastgelegd door een camera die blijft doorlopen.

In feite geldt de perfecte‑montage‑regel van Walter Murch niet alleen voor film, maar voor elk montageproject.

We zijn vaak veel te gefocust op “techniek” en vergeten de meest primaire “emotie” die een shot aan de kijker overbrengt.

Volgens de brave academische theorie is “materiaal selecteren” de eerste taak in montage, en moet je bij het selecteren van materiaal de algemene principes volgen als “shot moet stabiel zijn, mag niet trillen, gezicht moet duidelijk, compositie keurig recht…” enzovoort. Maar als je echt wilt dat de emoties van een film kloppend overkomen, moet je deze regels soms doorbreken.

In deze scène uit The Godfather stoot de acteur per ongeluk tegen de camera als hij uit beeld loopt, waardoor het beeld gaat trillen, maar de editor heeft dat bewust laten staan.

Aan het begin van 12 Years a Slave blijft het beeld enkele seconden staan voordat de dialoog inzet (volgens de gebruikelijke werkwijze zou men heel waarschijnlijk begonnen zijn met directe dialoog).

Dat zijn voorbeelden van hoe je door montage emotie bewaart.

Het lijkt er dus op dat een goede editor liever de vraag “waar snijd ik?” verandert in “wat gebeurt er als ik níet snij?”

Iedereen heeft weleens gehoord dat goede montage neerkomt op verhalen vertellen, verhalen vertellen met beelden. Hoe vertel je een verhaal goed? Als iemand een tekst opdreunt, saai en vlak als water, zul je er geen indruk aan overhouden, je gaat eerder gapen. Maar als iemand met expressief gezicht, uitbundige lichaamstaal, grote dynamiek in stem en tempo en spugend van enthousiasme een verhaal vertelt, dan is zelfs een middelmatig verhaal al snel boeiend.

Daarom kan een goede regisseur een extreem middelmatig script toch nog redelijk tot zijn recht laten komen: hij weet het ritme te beheersen, en dat ritme wordt aangestuurd door emotie.

Als iemand na het kijken van een film zegt dat hij goed is, dan is hij zeker op emotioneel vlak geraakt. Dat is precies die “goede editors kunnen verhalen vertellen” waar we het steeds over hebben.

Terug naar het begin: voor een goede editor is montage altijd het rangschikken van “emoties”.

Met een reeks shots een montagesequentie maken die een “boze” emotionele kleur heeft, is misschien nog gemakkelijk.

Maar stel je een lange film voor, waarvan de emotionele thema’s niet alleen “woede” zijn, maar ook “vreugde”, “verdriet”, “plezier” enzovoort. Al deze emoties weer tot één geheel samenkneden is extreem lastig.

Voor een korte video van 15/20 seconden is het primaire doel: één duidelijke emotie overbrengen.

Daarom betekent goed zijn in korte video’s monteren nog niet dat je ook lange films of zelfs speelfilms kunt monteren.

Andersom geldt dat wel.

Daarom moet je, als je montage goed wilt leren, beginnen bij de filmtheorie.

Als je de technische stappen wegdenkt, wordt een goede film altijd voortgedreven door één emotionele hoofdstructuur, of door meerdere emotionele lijnen die in elkaar grijpen.

Stel dat we een film monteren met “verdriet” als thema, en er liggen twee shots klaar in de bin, beide van iemand die hartverscheurend huilt:

Shot ① Normale opname, technisch perfect.

Shot ② Onscherp, schokkerig, maar het huilen is duidelijk emotioneler.

Vanuit technisch oogpunt is shot ② een “mislukt shot”.

Maar als je de film echt goed wilt maken, moet je toch shot ② kiezen.

Alles wat door de camera is opgenomen – of er nu “cut” is geroepen of niet – is in de montage geen enkele seconde een “weggooishot”.