Czym jest jump cut? 5 sposobów użycia jump cutu w filmie

Wyjaśnienie jump cutu w filmie

Podobnie jak cięcie na zgodność (match cut), jump cut jest skuteczną techniką montażu filmowego, która może ukazywać skok w czasie. Odpowiednio użyty, może wspierać narrację. Zaczniemy od definicji jump cutu, a następnie omówimy kilka kreatywnych sposobów, w jakie korzystali z niego tacy twórcy jak Spielberg czy Guy Ritchie.

Czym jest jump cut?

Jump cut polega na przerwaniu jednego ujęcia cięciem w taki sposób, by sprawiać wrażenie, że filmowany obiekt natychmiast przeskakuje w czasie do przodu. Podczas gdy większość technik montażowych jest zaprojektowana tak, aby „ukryć” cięcie, jump cut jest wyborem stylistycznym, który czyni cięcie w pełni widocznym.

Niektórzy filmowcy uważają jump cuty za coś z natury złego, ponieważ zwracają uwagę widza na konstrukcyjny i montażowy charakter filmu. Postrzega się je jako złamanie zasad typowego montażu ciągłościowego – montażu, którego celem jest stworzenie płynnego wrażenia czasu i przestrzeni na potrzeby opowieści.

Jump cut różni się od match cutu tym, że ten drugi ma za zadanie stworzyć płynne przejście między dwoma oddzielnymi scenami. Zwykłym celem match cutu jest metaforyczne porównanie dwóch różnych obiektów, tematów lub miejsc.

Jak używać jump cutu w filmie:

• w montażu (montage)

• do wzmacniania napięcia

• przy wprowadzaniu postaci

• do podkreślania stanu psychicznego

• w wywiadach dokumentalnych

Skąd wziął się jump cut?

Jump cuty istnieją od narodzin kina. Definicja jump cutu byłaby niepełna bez wspomnienia jednego filmowca. Georges Méliès wykorzystywał tę technikę, aby tworzyć na ekranie magiczne iluzje. Jako iluzjonista Méliès maksymalnie wykorzystywał tę możliwość, tworząc efektowne i niezapomniane „magiczne ujęcia”.

Zakres jego eksperymentów z montażem sprawił, że Méliès jest uznawany za ojca efektów specjalnych w filmie. Z perspektywy nowości jump cuty Mélièsa były perfekcyjne, ale jak filmowcy mogli naturalnie wpleść tę technikę w film narracyjny? W Rosji pojawiły się radykalne techniki montażowe określane zbiorczo jako montaż radziecki, natomiast Hollywood poszło w zupełnie innym kierunku.

W latach 20. aż do lat 50. XX w., wraz z rozwojem systemu studyjnego w Hollywood, dominujący sposób realizacji filmów stawiał na „niewidzialność”. Tzw. klasyczne kino hollywoodzkie dążyło do „ukrycia” struktury filmu. Teoretycznie miało to całkowicie zanurzyć widza w opowieści.

Przerywanie tej iluzji i przypominanie widzom, że oglądają film, było w zasadzie zakazane. Aż do momentu, gdy pojawiła się francuska Nowa Fala i wyrzuciła podręcznik zasad przez okno. Bez oddania zasług Francuzom definicja jump cutu również byłaby niepełna.

Jump cut i francuska Nowa Fala

Współczesne użycie jump cutu zaczęło się od Jeana-Luca Godarda i jego przełomowego filmu z 1960 roku Do utraty tchu (Breathless), bez wątpienia jednego z najlepszych filmów francuskiej Nowej Fali. Na pozór Do utraty tchu to kryminalna historia miłosna, ale wszystkie oczekiwania wobec takiej opowieści są kolejno podważane.

W pewnym momencie dwoje głównych bohaterów jedzie razem samochodem. Kamera nie odrywa się od Patricii (granej przez Jean Seberg), lecz wielokrotnie skaczemy jump cutami do pozornie przypadkowych, nieokreślonych momentów w przyszłości.

Godard celowo burzy „niewidzialność” tak wysoko cenioną w Hollywood i mainstreamowym kinie francuskim. Montaż tworzy tu dysonans, i jest to ewidentnie zamierzone. Z dzisiejszej perspektywy te przykłady jump cutów nie wydają się szczególnie radykalne, ale w 1960 roku wywołały ogromne wrażenie.

Jak dziś używamy jump cutu

Choć jump cuty nadal często pojawiają się w filmach, technika ta wyjątkowo szybko spopularyzowała się w internecie. W dużej mierze zawdzięcza to wideoblogerom. Wideo­blogowy jump cut stał się tak powszechny, że możesz już nawet nie zwracać na niego uwagi.

U wielu vlogerów znajdziesz długie ujęcie, w którym mówią prosto do kamery. Nagle pojawia się cięcie – oznaczające zmianę wątku myślowego lub skok w opowieści – ale pozycja vlogera w kadrze pozostaje praktycznie identyczna.

Przy montowaniu ujęć ostatecznym celem powinno być przekazanie tego, co najistotniejsze. Dlatego umiejętność stosowania jump cutu jest kluczowa i może pomóc ci stworzyć jak najlepszy film.

Jump cut w montażu

Lista Schindlera (1993) to jeden z najlepszych filmów Stevena Spielberga. Opowiada historię biznesmena Oskara Schindlera, który zatrudniając w swojej fabryce ponad tysiąc polskich Żydów, ratuje ich przed Holocaustem.

W filmie jest moment, w którym pojawia się jump cut, wykorzystany w sposób, jakiego raczej nie spodziewasz się w tego typu obrazie. Jest to zasadniczo lekko komediowy fragment montażowy w ponurym dramacie o Zagładzie.

Po jump cut sięgnięto w tym fragmencie z dwóch powodów. Po pierwsze, przekazują one upływ czasu. Schindler spotyka się w swoim biurze z wieloma kobietami. Jak w każdym montażu, możemy szybko i efektywnie pokazać cały proces – to praktyczny aspekt.

Po drugie, cięcia służą tu humorowi. Te kobiety wyraźnie nie potrafią pisać na maszynie, a przedstawienie ich w takiej sekwencji daje widzowi chwilę wytchnienia w mrocznym filmie – przerywnik, który jednocześnie popycha fabułę do przodu.

Wzmacnianie napięcia za pomocą jump cutu

W Biegnij, Lola, biegnij (Run Lola Run, 1998) widzimy zupełnie inne zastosowanie jump cutu. Chłopak Loli miał przekazać gangsterskiemu bossowi pieniądze, ale zgubił 100 tys. marek. Lola musi w ciągu zaledwie 20 minut zdobyć tę kwotę, aby ocalić mu życie.

W tej scenie Lola gorączkowo rozważa wszystkie możliwe sposoby zdobycia pieniędzy. Widzimy serię jump cutów ukazujących, jak intensywnie pracuje jej umysł.

Jak wynika już ze streszczenia fabuły, Biegnij, Lola, biegnij to film o bardzo szybkim tempie, w którym nie ma czasu do stracenia. Cięcia podkreślają ten fakt, pozwalając nam wejść bezpośrednio w sposób myślenia Loli. Właśnie otrzymała wstrząsającą wiadomość. Jest roztrzęsiona i zdezorientowana.

Ludzie nie przetwarzają informacji w taki sposób. Ludzkie oko oczekuje płynnego, ciągłego ruchu, więc jump cut sprzeciwia się temu estetycznemu nawykowi. Choć wiele filmów stara się uniknąć takiego efektu, tutaj działa on idealnie. Montaż buduje w widzu określony nastrój, dzięki czemu staje się techniką bardziej pożądaną niż standardowe ujęcia i cięcia.

Jump cut przy wprowadzaniu postaci

Przekręt (Snatch) to wyreżyserowany przez Guya Ritchiego thriller kryminalny z 2000 r. o grupie przestępców poszukujących skradzionego diamentu oraz o promotorze boksu pracującym dla sadystycznego bossa.

Film zawiera wiele technik, które Ritchie stosuje w całej swojej twórczości, w tym zamiłowanie do szybkiego montażu, najlepiej widoczne w sekwencji otwierającej.

Czołówka zawiera mnóstwo jump cutów oraz innych efektownych rozwiązań stylistycznych. Cały fragment trwa mniej niż 90 sekund, a w tym czasie Ritchie musi przekazać ogromną ilość informacji.

Wprowadzenie postaci w scenariuszu wymaga wysiłku, ale Ritchie znalazł skuteczny sposób, by zrobić to poprzez montaż. Jego zadaniem jest przedstawienie nam 12 postaci, z których każda ma wyrazistą osobowość i cel. Aby przyspieszyć tempo, wykorzystuje jump cuty do przewijania czasu i zbudowania realnego rozpędu narracji.

Najbardziej widocznym przykładem jump cutu w tej sekwencji jest wprowadzenie Mickeya (granego przez Brada Pitta). Dostaje plik banknotów, który jego towarzysz próbuje dotknąć. Mickey kilka razy odtrąca jego rękę, a między ujęciami pojawia się jump cut – w kilka sekund widz otrzymuje wszystkie najważniejsze informacje o tej postaci. Co istotne, jest to jedna z najlepszych ról Brada Pitta.

Scena z jump cutem pełni podwójną funkcję. Reszta filmu będzie szybka i pełna energii. Zastosowanie jump cutów już w otwarciu pozwala widzom dokładnie zrozumieć, jaki rodzaj filmu oglądają i że powinni przygotować się na ostrą jazdę.

Podkreślanie stanu psychicznego za pomocą jump cutu

Jednym z najbardziej zaskakujących i poruszających momentów w Rodzinie Addamsów – przepraszam, w Genialnym klanie (The Royal Tenenbaums, 2001) – jest próba samobójcza Richie’ego (Luke Wilson). Zanim do niej dojdzie, zaczyna ścinać włosy i golić brodę. W tej ponurej scenie widzimy liczne jump cuty.

Na pierwszy rzut oka może wydawać się to tylko praktycznym wyborem – skompresowaniem czasu i szybkim przejściem przez cały proces. Warto jednak zastanowić się nad emocjonalnym efektem tej sceny.

Jump cuty w filmach często mają wywoływać ekscytację lub energię, ale tutaj stają się poetyckim sposobem zobrazowania smutku. Wes Anderson nie musiał pokazywać, jak Richie ścina włosy. Decyzja, by podzielić się z widzem tak intymnym momentem życia bohatera na jego absolutnym dnie, jest świadomym wyborem reżysera. Jump cuty stają się wizualnym odzwierciedleniem rozchwianego, poszarpanego stanu emocjonalnego Richie’ego.

Jump cuty współosiowe

Istnieje podtyp jump cutu wywołujący podobny efekt, lecz realizowany w nieco inny sposób. Klasyczny jump cut przeskakuje do przodu w czasie w obrębie jednego ujęcia, natomiast jump cut współosiowy (coaxial jump cut) przeskakuje jedynie położenie kamery, nie zmieniając czasu.

Innymi słowy, z tego samego kąta kamery montaż natychmiast zmienia ogniskową – na dłuższą lub krótszą. W praktyce za każdym cięciem filmowany obiekt staje się w kadrze większy lub mniejszy. Funkcja jump cutu współosiowego jest bardzo podobna do zoomu, z tą różnicą, że nie zachodzi tu stopniowa zmiana – zmiana jest nagła i dysonansowa.

Przykładowo, gdy Elliot i jego przyjaciele ukrywają się przed władzami, ET wpada w panikę. W tym fragmencie pojawiają się właśnie jump cuty współosiowe.

Alfred Hitchcock również był miłośnikiem tej techniki i korzystał z gwałtownych, dezorientujących cięć w momentach czystej grozy. Jeśli widziałeś słynną scenę prysznica w Psychozie, to gdy Marion odwraca się, by stawić czoło mordercy, ujęcie z każdym cięciem coraz bardziej zbliża się do jej krzyczących ust.

Podobna scena jest w Ptaki: Lydia znajduje ciało swojego ojca po jednej z ostatnich śmiertelnych napaści ptaków.

Hitchcock nieustannie szukał nowych sposobów, by dać widzom doświadczenie jak najbliższe temu, co przeżywa bohater (patrz: wspomniana scena prysznica czy „zoom Hitchcocka” w Zawrót głowy). W tym momencie użycie jump cutu współosiowego sprawia, że coraz bardziej zbliżamy się do martwego ciała – odkrycie, które jest dla bohaterki tak samo wstrząsające, jak dla widza.