Wat is een jump cut? 5 manieren om jump cuts in films te gebruiken

Uitleg van jump cuts in films

Net als de match cut is de jump cut een krachtige montagetechniek om sprongen in de tijd te verbeelden. Goed toegepast kan hij de vertelling ondersteunen. We beginnen met de definitie van een jump cut en gaan daarna in op een aantal creatieve toepassingen door regisseurs als Spielberg en Guy Ritchie.

Wat is een jump cut?

Een jump cut is een knip waarmee één enkel shot wordt onderbroken, waardoor het onderwerp lijkt alsof het onmiddellijk vooruit in de tijd springt. Terwijl de meeste montagetechnieken bedoeld zijn om de knip te “verbergen”, is de jump cut juist een stijlelement dat de knip volledig zichtbaar maakt.

Sommige filmmakers vinden jump cuts in essentie slecht, omdat ze de aandacht vestigen op de geconstrueerde, gemonteerde aard van de film. Men ziet ze als een schending van de klassieke continuïteitsmontage, die een naadloze beleving van tijd en ruimte voor het verhaal nastreeft.

Jump cuts verschillen van match cuts doordat die laatste juist bedoeld zijn om een naadloze overgang tussen twee afzonderlijke scènes te creëren. Het doel van een match cut is meestal om een metaforische vergelijking te maken tussen twee verschillende objecten, thema’s of settings.

Hoe jump cuts in films te gebruiken:

• In een montage
• Om spanning te vergroten
• Bij de introductie van personages
• Om een mentale toestand te benadrukken
• In documentaire-interviews

Waar komen jump cuts vandaan?

Jump cuts bestaan al sinds het ontstaan van de cinema. Zonder het noemen van één specifieke filmmaker is een definitie van de jump cut niet compleet: Georges Méliès gebruikte deze techniek om magische illusies op het scherm te creëren. Als goochelaar benutte Méliès deze techniek ten volle en maakte hij opvallende en onvergetelijke “trucshots”.

Méliès’ experimenteerdrift met montage maakt hem in wezen de vader van special effects in de film. Vanuit een vernieuwend perspectief waren zijn jump cuts perfect, maar hoe konden filmmakers deze techniek op een natuurlijke manier in narratieve films integreren? In Rusland ontstonden radicale montagetechnieken, samen bekend als de Sovjetmontage, maar in Hollywood ging het heel anders.

Van de jaren 1920 tot de jaren 1950, met de opkomst van het Hollywood-studiosysteem, draaide de dominante filmstijl om “onzichtbaarheid”. De klassieke Hollywoodfilm had als doel de constructie van de film te “verbergen”. In theorie zou dit het publiek dieper in de film onderdompelen.

Die illusie doorbreken en het publiek eraan herinneren dat ze naar een film kijken, was zo goed als taboe. Totdat de Franse Nouvelle Vague verscheen en het regelboek uit het raam gooide. Ook zonder de Fransen te noemen zou een definitie van de jump cut onvolledig zijn.

Jump cuts en de Franse Nouvelle Vague

Het moderne gebruik van jump cuts begint bij Jean-Luc Godard en zijn baanbrekende film À bout de souffle (Breathless, 1960), ongetwijfeld een van de beste films van de Nouvelle Vague. Op het eerste gezicht is Breathless een crimineel liefdesverhaal, maar alle gebruikelijke verwachtingen bij zo’n verhaal worden één voor één ondergraven.

In een bekende scène rijden de twee hoofdpersonages samen in een auto. De camera blijft steeds op Patricia (Jean Seberg) gericht, maar we springen via meerdere jump cuts vooruit naar schijnbaar willekeurige, onbepaalde momenten.

Godard saboteert bewust de “onzichtbaarheid” die in Hollywood en in de mainstream Franse cinema hoog in het vaandel stond. De montage creëert hier een gevoel van disharmonie, en dat is duidelijk de bedoeling. Naar huidige maatstaven lijken deze jump cuts niet zo radicaal meer, maar in 1960 hadden ze een enorme impact.

Hoe we jump cuts vandaag gebruiken

Jump cuts komen nog steeds regelmatig in speelfilms voor, maar de techniek is op internet razendsnel populair geworden. Vooral vloggers maken er veel gebruik van. Jump cuts in video­blogs zijn zo gewoon geworden dat je ze misschien nauwelijks nog opmerkt.

In veel vlogs zie je iemand in één doorlopend shot in de camera praten. Dan volgt een knip, wat een nieuwe gedachtegang markeert of een sprong vooruit in het verhaal, terwijl de positie van de vlogger vrijwel gelijk blijft.

Bij het monteren van beelden is het uiteindelijke doel om de belangrijkste informatie over te brengen. Daarom is begrijpen hoe je jump cuts inzet een essentiële vaardigheid om de beste versie van je film te kunnen maken.

Jump cuts in een montage

Schindler’s List (1993) is een van Steven Spielbergs beste films. De film vertelt het verhaal van zakenman Oskar Schindler, die ruim duizend Poolse Joodse vluchtelingen redt van de Holocaust door ze in zijn fabriek in dienst te nemen.

Op een bepaald moment wordt een jump cut gebruikt op een manier die je in zo’n film misschien niet zou verwachten. Het is in wezen een speelse, komische montagesequentie in een verder somber drama over de Holocaust.

Er zijn twee redenen om voor jump cuts te kiezen in deze scène. Ten eerste tonen ze het verstrijken van de tijd. Schindler ontvangt tijdens zijn kantooruren vele vrouwen. Zoals bij elke montage kunnen we het hele proces snel en effectief doorlopen, maar dat is vooral een praktische overweging.

Ten tweede worden de knips hier gebruikt voor humor. De vrouwen blijken duidelijk niet te kunnen typen, en door ze op deze opeenvolgende manier te tonen, ontstaat er een luchtig moment in een verder duistere film – een intermezzo dat de plot toch vooruit helpt.

Jump cuts om spanning te vergroten

In Lola rennt (Run Lola Run, 1998) zien we een heel andere toepassing van de jump cut. Lola’s vriend is 100.000 mark kwijtgeraakt die hij aan een misdaadbaas moest overhandigen; Lola moet binnen twintig minuten een manier vinden om het geld bij elkaar te krijgen om zijn leven te redden.

In een scène raakt Lola in paniek terwijl ze alle denkbare mogelijkheden overweegt om aan het geld te komen. We zien jump cuts waarin Lola koortsachtig nadenkt.

Zoals de synopsis al aangeeft, is Run Lola Run een razendsnelle film zonder tijd te verspillen. De cuts onderstrepen dat en brengen ons rechtstreeks in Lola’s gedachtenwereld. Ze heeft net verpletterend nieuws gekregen. Ze is angstig en gedesoriënteerd.

Mensen verwerken informatie eigenlijk niet op deze manier. Het menselijk oog wil vloeiende, continue beweging zien, dus jump cuts gaan in tegen deze esthetische verwachting. Veel films proberen dat effect te vermijden, maar hier werkt het perfect. De montage creëert een gemoedstoestand bij de kijker, waardoor dit een betere keuze is dan standaardshots en conventionele knips.

Jump cuts bij de introductie van personages

Snatch is een misdaadthriller uit 2000 van Guy Ritchie over een groep criminelen die op zoek zijn naar een gestolen diamant, en over een bokspromotor die voor een sadistische baas werkt.

De film bevat veel van de technieken die Ritchie in zijn hele oeuvre gebruikt, waaronder een voorkeur voor snelle montage, die in de openingstitel het best tot uiting komt.

De titelreeks bevat tal van jump cuts en andere flamboyante stijlelementen. De hele sequentie duurt nog geen 90 seconden, en in die tijd moet Ritchie een grote hoeveelheid informatie overbrengen.

Personages in het script introduceren kost moeite, maar Ritchie vindt een effectieve manier om dit via montage te doen. Zijn taak is om ons 12 personages voor te stellen, elk met een eigen persoonlijkheid en doelen. Om het tempo hoog te houden, gebruikt hij jump cuts om de tijd vooruit te spoelen en een echte narratieve vaart op te bouwen.

Het duidelijkste voorbeeld van jump cuts in deze sequentie is de introductie van Mickey (Brad Pitt). Hij krijgt een stapel geld, en zijn maat probeert het aan te raken. Mickey slaat een paar keer op zijn hand; ertussen zitten jump cuts, waardoor het publiek in enkele seconden alles leert wat het over deze man moet weten. Toevallig is dit ook een van Brad Pitts beste acteerprestaties.

Deze jump cut-scène heeft een dubbele functie. De rest van de film zal snel en energiek zijn. Door in de opening jump cuts te gebruiken, laat Ritchie het publiek precies weten welk soort film ze gaan zien en dat ze zich moeten voorbereiden op een wilde rit.

Jump cuts om een mentale toestand te benadrukken

Een van de meest verrassende en aangrijpende momenten in The Royal Tenenbaums (2001) is wanneer Richie (Luke Wilson) een zelfmoordpoging doet. Vlak daarvoor begint hij zijn haar te knippen en zich te scheren. In deze sombere scène zien we meerdere jump cuts.

Op het eerste gezicht lijkt dat een praktische keuze – tijd comprimeren en het proces snel doorlopen. Maar let op de emotionele impact van de scène.

Jump cuts worden in films vaak gebruikt om opwinding of energie te creëren, maar hier worden ze een poëtisch middel om verdriet te verbeelden. Wes Anderson hoeft Richie niet per se te tonen terwijl hij zijn haar knipt. Het is Andersons bewuste keuze om zulke extreem intieme momenten te delen met een personage dat op zijn dieptepunt zit. De jump cuts zijn een visuele representatie van Richie’s instabiele, gefragmenteerde gemoedstoestand.

Axiale jump cuts

Een subtype van de jump cut heeft een vergelijkbaar effect, maar wordt net iets anders uitgevoerd. Bij een jump cut springt de tijd binnen hetzelfde shot vooruit, terwijl een axiale jump cut alleen het camerastandpunt verandert, niet de tijd.

Met andere woorden: vanuit dezelfde camerahoek wordt in de montage de brandpuntsafstand onmiddellijk aangepast, langer of korter. Simpel gezegd: bij elke knip wordt het onderwerp in het beeld groter of kleiner. Axiale jump cuts functioneren vergelijkbaar met zoomshots, maar dan zonder de geleidelijke verandering – de verandering is plotseling en schokkend.

Een voorbeeld: wanneer E.T. in paniek raakt terwijl Elliott en zijn vrienden zich verbergen voor de autoriteiten, wordt een axiale jump cut gebruikt.

Alfred Hitchcock was eveneens fan van deze techniek en gebruikte scherpe, ontwrichtende jump cuts in momenten van pure horror. In de beroemde douchescène van Psycho, bijvoorbeeld, komt de camera steeds dichter bij Marion wanneer ze zich omdraait naar de moordenaar en schreeuwt.

Ook in The Birds is er een scène waarin Lydia het lijk van haar vader aantreft na een dodelijke aanval:

Hitchcock zocht voortdurend naar nieuwe manieren om het publiek een ervaring te geven die overeenkomt met die van de personages (zie ook: de douchescène hierboven en de “Hitchcock-zoom” in Vertigo). Door op dit moment axiale jump cuts te gebruiken die ons steeds dichter bij de dode brengen, wordt de schokkende ontdekking voor ons net zo huiveringwekkend als voor haar.