Czym jest kontrast światła i cienia w filmie? Definicja, techniki i przykłady

Przez dziesięciolecia filmowcy nieustannie eksplorowali kreatywne oświetlenie i techniki filmowe. Jednak część najlepszych metod oświetleniowych, takich jak chiaroscuro, do dziś wywiera głęboki wpływ na kino. Mimo że technika chiaroscuro jest popularna w filmie od niemal wieku, współczesne produkcje nadal wysoko cenią jej wartość. Czym więc właściwie jest chiaroscuro w filmie? I jak jest dziś stosowane? Przyjrzyjmy się kilku przykładom wykorzystania chiaroscuro w kinie – od przeszłości po współczesność.

Skąd wywodzi się chiaroscuro?

Chiaroscuro to brzmiący bardzo profesjonalnie termin filmowy, ale jego istota jest dość prosta. W skrócie, chiaroscuro to kontrast między światłem a ciemnością. Skąd jednak pochodzi chiaroscuro? I jak rozwinęło się w tak ważny nurt artystyczny?

W swojej istocie chiaroscuro obejmuje dwa aspekty: technikę oświetleniową i ruch artystyczny, ale najpierw zdefiniujmy formalnie samo pojęcie.

Czym jest chiaroscuro?

Chiaroscuro to włoski termin używany do opisu sposobu wykorzystania światła i cienia w dziełach sztuki (zwłaszcza w malarstwie). Wywodzi się z renesansowego ruchu artystycznego, a tworzą go włoskie słowa „chiaro” („jasny”, „czysty”) i „oscuro” („ciemny”, „mroczny”). Odnosi się do dramatycznego efektu uzyskiwanego poprzez zestawienie jasnych i ciemnych partii w dziele wizualnym.

W zdjęciach filmowych termin ten odnosi się do oświetlenia o dużym kontraście, które buduje w filmie silną grę światła i cienia. Szczególnie dobrze sprawdza się to w filmach czarno-białych, zwłaszcza w kinie ekspresjonizmu niemieckiego. Później hollywoodzkie kino noir uczyniło z oświetlenia chiaroscuro standardowy styl.

Przykłady chiaroscuro w filmie

• Gabinet doktora Caligari (1920)

• Nosferatu – symfonia grozy (1922)

• Sokół maltański (1941)

• Trzeci człowiek (1949)

• Czas apokalipsy (1979)

Renesansowa sztuka światła i mroku

Zanim przeanalizujemy oświetlenie chiaroscuro w filmie, musimy najpierw zrozumieć renesansowy (ok. 1400–1600) ruch artystyczny oparty na tej technice. Jeśli znasz okres renesansu, wiesz, że był to czas ogromnego rozkwitu twórczości. Jednym z najważniejszych osiągnięć był rozwój technik światłocienia w malarstwie.

Caravaggio, Leonardo da Vinci i Rembrandt to najsłynniejsi malarze włoskiego renesansu, wszyscy znani z wykorzystania chiaroscuro w swoich dziełach; być może jednak nikt nie opanował tej techniki lepiej niż Caravaggio.

Nerdwriter1 w swoim filmie o Caravaggiu zwraca uwagę na ważny aspekt: oglądając mistrzowsko wykonane chiaroscuro, widz musiał odczuwać niespotykane dotąd wrażenie. Na tle malarstwa średniowiecznego i starożytnego klarowność, bogactwo detali i nasycenie barw u Caravaggia były po prostu bezkonkurencyjne.

W epoce renesansu artyści w całej Europie zaczęli stosować chiaroscuro. Z tego powodu uważa się je za jeden z nurtów artystycznych renesansu.

Powrót chiaroscuro w filmie

Czym jest niemiecki ekspresjonizm filmowy? Jak zdefiniować ten styl?

Po okresie renesansowego ruchu artystycznego chiaroscuro wciąż pozostawało ważną częścią sztuk wizualnych, ale dopiero we wczesnych latach kina wróciło do szerokiego użycia. Gabinet doktora Caligari jest powszechnie uznawany za dzieło inaugurujące kino ekspresjonizmu niemieckiego i w ogromnym stopniu przyczynił się do odrodzenia chiaroscuro. Na poniższym kadrze widać, jak zestawienie światła i cienia służy do tworzenia efektu surrealizmu.

Chiaroscuro w filmie • Gabinet doktora Caligari

W późniejszym okresie ekspresjonizmu niemieckiego reżyserzy zaczęli stosować mocne chiaroscuro w filmach noir. M Fritza Langa to być może najbardziej reprezentatywny przykład wykorzystania chiaroscuro w niemieckim kinie. Spójrz na głębię wizualną tego kadru:

Chiaroscuro w filmie • Gabinet doktora Caligari

Ten kadr z M może być nieco prześwietlony, ale wyraźnie widać, że światło i cień zaplanowano bardzo starannie. Kiedy twórcy tacy jak Fritz Lang i operator Karl Freund przenieśli się do Stanów Zjednoczonych, zabrali ze sobą także swój styl oświetlenia.

W złotej erze Hollywood chiaroscuro było nieprzerwanie ważnym elementem sztuki filmowej. Spójrzmy na przykład jednego z najwybitniejszych filmów w historii Hollywood:

Chiaroscuro w filmie • Gabinet doktora Caligari

Obywatel Kane Orsona Wellesa przecierał szlaki dla hollywoodzkich technik filmowych. Za to należy podziękować Wellesowi i wybitnemu operatorowi Greggowi Tolandowi. Jednym z powodów ogromnego i trwającego do dziś sukcesu Obywatela Kane’a jest śmiałe, eksperymentalne podejście do zdjęć.

Wcześniej widzieliśmy już grę światła i cienia, ale nigdy w takim wydaniu. Wcześniej widzieliśmy też głęboką ostrość, ale nigdy w takim wydaniu.

Styl wizualny Obywatela Kane’a jest wyjątkowy i widowiskowy, lecz w tym samym czasie inny gatunek filmowy również wykorzystywał podobne efekty światła. Twarde kino detektywistyczne, takie jak Sokół maltański Johna Hustona, przeniosło ten mroczny, dramatyczny światłocień do przedstawienia świata zbrodni.

Choć to oczywiście nie są filmy grozy, sposób oświetlenia sugeruje mrok, który czasem odkrywamy w głębi własnego wnętrza.

Chiaroscuro w filmie • Sokół maltański

Oświetlenie chiaroscuro stało się znakiem rozpoznawczym kina noir lat 50. i 60., a później także jednym z głównych wyróżników Nowego Hollywood.

Ojciec chrzestny Francisa Forda Coppoli słynie z ciemnego oświetlenia – twarze postaci są często oświetlone tylko częściowo, co jest kluczowym elementem chiaroscuro.

Ponieważ technika ta zaciemnia część obiektu, często służy budowaniu napięcia i bywa powszechna w thrillerach czy horrorach. Oczywiście Ojciec chrzestny nie jest klasycznym thrillerem ani horrorem, ale mimo to wykorzystuje chiaroscuro do tworzenia suspensu. Co więcej, znacząco wzmacnia moralną dwuznaczność, która przenika sagę o rodzie Corleone – to wyraźne dziedzictwo kina noir.

Jeszcze raz: ten sposób oświetlenia jest wyraźnym ukłonem wobec epoki filmów noir. To zarówno hołd dla poprzedników, jak i próba kontynuacji tej tradycji.

Czym jest „kino noir”?