Die Schlüsselfaktor für einen gelungenen Schnitt: „Emotion“

Wenn ein guter Cutter mit demselben Bildmaterial arbeitet, geht es beim Schnitt nicht einfach um die bloße Anordnung von Einstellungen, sondern um die Anordnung von „Emotionen“.

In früheren Videos/Artikeln habe ich mehr als einmal die „sechs Regeln des perfekten Schnitts“ erwähnt, heute wollen wir sie ausführlicher betrachten.

Die sechs Regeln des perfekten Schnitts:

1. Emotion (51 %)

2. Geschichte (23 %)

3. Rhythmus (10 %)

4. Blickführung (7 %)

5. Zweidimensionalität (5 %)

6. Dreidimensionale Kontinuität (4 %)

Sie stammen von dem berühmten Cutter Walter Murch („Der Pate“, „Apocalypse Now“) und gelten als eine Art „Bibel“ des Filmschnitts.

Schauen wir uns die Gewichtung dieser sechs Regeln an:

Die drei am wenigsten wichtigen Punkte (Blickführung | Zweidimensionalität | Dreidimensionale Kontinuität) sind genau das, was wir im Alltag als „Schnitttechnik“ oder „Schnitt-Theorie“ bezeichnen: die Beziehung zwischen Blickrichtung und Kamerarichtung, der Achsensprung, das Verbot des „Sprungschnitts“, Matching Cuts, Action-Match-Schnitte und all diese akademischen Theorien aus den Lehrbüchern.

Im Gegensatz dazu haben die drei wichtigsten Punkte mit diesen technischen Anforderungen überhaupt nichts zu tun.

Was aber genau meint die an erster Stelle stehende, wichtigste „Emotion“? Ein Beispiel macht das klar:

In einem der Shots des Films „Der talentierte Mr. Ripley“ steht der Protagonist nach einer Reihe von Rückschlägen auf einem Schiff und blickt aufs Meer; diese Halbtotalen dauern sehr lange an.

Cutter Walter Murch erklärte seinen Gedanken beim Schnitt dieser Einstellung:

„So lange, wie du dir vorstellen kannst, dass seine Gedanken mit dem Meer weiterfließen, so lange darf dieser Shot stehen bleiben.“

Das ist Emotion, und das ist die wichtigste Funktion des Schnitts – das Erzählen.

Selbst im „fragmentierten, rasenden“ Schnittstil von „Requiem for a Dream“ (der Film bricht Rekorde mit rund 2000 Einstellungen; normalerweise hat ein 60–90-minütiger Film nur 600–700 Einstellungen) gibt es immer wieder sehr lange „Plansequenzen“. Um den Stil konsequent durchzuhalten, hätte der Cutter problemlos pausenlos hochtourig schneiden können – ein eingefügter, lange stehen gelassener Shot scheint doch den Rhythmus zu zerstören?

— Der Cutter stellt ganz klar die Emotion der Figur an erste Stelle. Echte Emotionen lassen sich nur mit einer laufenden Kamera einfangen.

Tatsächlich gilt Murchs Gesetz vom perfekten Schnitt nicht nur für Spielfilme, sondern für jede Art von Projekt.

Wir legen oft zu viel Wert auf „Technik“ und übersehen dabei die ursprünglichste „Emotion“, die ein Shot dem Publikum vermittelt.

Nach akademischer Lehrmeinung ist die Auswahl des Materials die erste Aufgabe im Schnitt. Material soll danach ausgewählt werden, ob „das Bild ruhig ist, nicht wackelt, das Gesicht klar zu sehen ist, die Bildkomposition sauber ist …“ und so weiter. Will man aber wirklich, dass die Emotion eines Films präzise beim Zuschauer ankommt, muss man diese Regeln oft brechen.

In dieser Szene aus „Der Pate“ stößt der Protagonist beim Aus-dem-Bild-Gehen unabsichtlich gegen die Kamera, das Bild wackelt – der Cutter hat den Shot trotzdem bewusst nicht herausgenommen.

In „12 Years a Slave“ bleibt die Kamera im Prolog einige Sekunden stehen, bevor der erste Dialog einsetzt (nach gängiger Schnittpraxis wäre man vermutlich direkt mit Dialog eingestiegen).

Das sind Beispiele dafür, wie der Schnitt Emotionen erhält.

Das Ziel eines guten Cutters scheint also zu sein, die Frage „Wo schneiden?“ in „Was, wenn wir nicht schneiden?“ zu verwandeln.

Man hört oft, dass guter Schnitt eine Geschichte erzählt, mit Bildern erzählt. Wie erzählt man eine Geschichte gut? Wenn jemand einen Text leiert wie ein Schulbuch, wie Wasser ohne Geschmack, völlig ohne Höhepunkte, wird dir diese Geschichte kaum im Gedächtnis bleiben – du wirst eher gähnen. Erzählt hingegen jemand mit Mimik, gestenreich, mit Betonungen, laut und leidenschaftlich eine Geschichte, wird selbst eine mittelmäßige Story anziehend.

Das erklärt, warum ein guter Regisseur ein extrem mittelmäßiges Drehbuch immer noch zu einem ansehnlichen Film machen kann: weil er den Rhythmus beherrscht – und dieser Rhythmus wird von Emotion gesteuert.

Wenn jemand einen Film gesehen hat und sagt, er sei gut, dann hat ihn garantiert etwas auf emotionaler Ebene berührt. Das ist das, was ich oben immer wieder als „ein guter Cutter erzählt Geschichten“ bezeichnet habe.

Zurück zum Anfang: „Für einen guten Cutter besteht der Schnitt immer in der Anordnung von Emotionen.“

Mit einer Gruppe von Einstellungen ein montiertes Segment zu bauen, das die Emotion „Wut“ transportiert, ist vielleicht relativ einfach.

Angenommen, ein Langfilm enthält nicht nur „Wut“, sondern auch Abschnitte von „Freude“, „Trauer“, „Heiterkeit“ usw.; all diese emotionalen Themen zu einem Werk zu verschmelzen, ist extrem anspruchsvoll.

Bei einem 15- oder 20-sekündigen Kurzvideo ist das vorrangige Ziel, eine einzige Emotion zu transportieren.

Darum bedeutet ein gut geschnittenes Kurzvideo nicht automatisch, dass man auch einen Langfilm, geschweige denn einen Spielfilm schneiden kann.

Umgekehrt allerdings schon.

Deshalb muss man, um den Schnitt wirklich zu beherrschen, bei der Filmtheorie anfangen.

Lässt man einige technische Aspekte beiseite, so hat ein guter Film immer eine emotionale Hauptlinie, die ihn trägt – oder mehrere, die ineinander verwoben sind.

Nehmen wir an, wir schneiden einen Film mit dem Thema „Traurigkeit“. Im Materialordner liegen zwei Einstellungen, aus denen wir wählen müssen – beide zeigen eine Person, die laut weint:

Einstellung ① Normal gedreht, technisch einwandfrei.

Einstellung ② Unscharf, wackelig, aber das Weinen ist viel intensiver.

Aus technischer Sicht ist die zweite Einstellung sogenanntes „Ausschussmaterial“.

Will man den Film aber gut machen, sollte man die zweite nehmen.

Alles, was die Kamera aufgenommen hat – egal ob „Cut“ gerufen wurde oder nicht –, ist im Schnitt keine einzige Sekunde „Ausschuss“.