Die Schlüsselfaktor für einen gelungenen Schnitt: „Emotion“

Angesichts desselben Rohmaterials besteht der Schnitt für einen wirklich guten Cutter keineswegs nur darin, Einstellungen aneinanderzureihen, sondern darin, „Emotionen“ anzuordnen und zu kombinieren.

In früheren Videos/Artikeln habe ich mehr als einmal die „sechs Regeln des perfekten Schnitts“ erwähnt. Heute wollen wir sie im Detail aufschlüsseln.

Die sechs Regeln des perfekten Schnitts:

1. Emotion (51 %)

2. Geschichte (23 %)

3. Rhythmus (10 %)

4. Blickführung (7 %)

5. Zweidimensionalität (5 %)

6. Dreidimensionale Kontinuität (4 %)

Formuliert wurden sie vom berühmten Cutter Walter Murch („Der Pate“, „Apocalypse Now“); für Cutter ist das so etwas wie eine „Bibel“.

Schauen wir uns die Gewichtung dieser sechs Regeln an:

Die drei am wenigsten wichtigen (Blickführung | Zweidimensionalität | Dreidimensionale Kontinuität) sind genau das, was wir im Alltag „Schnitttechnik“ oder „Schnitt-Theorie“ nennen – also etwa das Verhältnis von Blickrichtung zu Kamerarichtung, Hard Cuts, Sprungverbote, Match Cuts, anschlusslogische Actionschnitte usw., all die akademischen Lehrbuchtheorien.

Im Gegensatz dazu haben die drei wichtigsten Punkte mit diesen technischen Anforderungen überhaupt nichts zu tun.

Was genau meint also die an erster Stelle stehende, wichtigste „Emotion“? Ein Beispiel macht es klar:

In einem der Shots des Films „Der talentierte Mr. Ripley“ sitzt die Hauptfigur, nachdem sie eine Reihe von Schicksalsschlägen erlebt hat, auf einem Schiff und blickt aufs Meer hinaus, eine Mitteldistanz-Einstellung, die sehr lange stehen bleibt.

Cutter Murch erläuterte seinen Gedanken beim Schneiden dieser Einstellung:

„Solange du dir vorstellen kannst, dass seine Gedanken mit dem Meer treiben, so lange darf der Shot stehen bleiben.“

Das ist Emotion, und das ist die wichtigste Funktion des Schnitts – das Erzählen.

Selbst in einem „Amok-Splitter-Schnitt“-Stil wie in „Requiem for a Dream“ (der Film hat rekordverdächtige rund 2000 Shots, während ein normaler 60–90-Minuten-Film meist nur 600–700 Shots hat), gibt es einige lange, stehen gelassene Einstellungen. Um den Stil durchgängig zu halten, hätten die Cutter problemlos durchgehend im hohen Tempo schneiden können – wäre das Einfügen langer Einstellungen nicht eine „Störung“ des Rhythmus?

– Die Cutter haben ganz bewusst die Emotion der Figur priorisiert. Wahre Emotion lässt sich nur mit einer laufenden Kamera einfangen.

Tatsächlich gilt Murchs Regelwerk des perfekten Schnitts nicht nur für Kinofilme, sondern für jedes Schnittprojekt.

Wir konzentrieren uns oft zu sehr auf „Technik“ und übersehen die ursprünglichste „Emotion“, die das Bild an den Zuschauer überträgt.

Nach akademischen Lehrbuchregeln ist das Sichten von Material das erste Ziel des Schnitts: Materialauswahl muss „ruhige Kamera, keine Wackler, Gesicht klar erkennbar, saubere Bildkomposition …“ usw. folgen. Aber wenn ein Film emotional wirklich präzise sein soll, müssen wir diese Regeln oft durchbrechen.

In dieser Szene aus „Der Pate“ stößt der Schauspieler beim Verlassen des Bildes aus Versehen an die Kamera, das Bild wackelt – aber der Cutter hat diesen Teil bewusst nicht herausgeschnitten.

Im Vorspann von „12 Years a Slave“ bleibt das Bild mehrere Sekunden stehen, bevor der erste Dialog einsetzt (nach gängiger Schnittpraxis wäre man sehr wahrscheinlich direkt mit dem Dialog eingestiegen).

Das sind Beispiele dafür, wie Schnitt Emotionen bewahrt.

Das Ziel eines guten Cutters scheint daher zu sein, die Frage „wo schneide ich?“ zu ersetzen durch „was, wenn ich hier nicht schneide?“.

Man hört oft: Ein guter Schnitt erzählt eine Geschichte, erzählt mit Bildern. Wie erzählt man eine Geschichte gut? Wenn jemand wie ein Schüler auswendig herunterleiert, völlig monoton, „wie Leitungswasser“, wirst du dir diese Geschichte kaum merken, du wirst eher gähnen. Wenn aber jemand stark mit Mimik und Gestik arbeitet, die Stimme moduliert, fast schon spuckend erzählt, dann wird selbst eine mittelmäßige Geschichte faszinierend.

Darum können gute Regisseure selbst aus einem extrem mittelmäßigen Drehbuch einen brauchbaren Film machen, weil sie Rhythmus kontrollieren – und dieser Rhythmus wird von Emotion gesteuert.

Wenn jemand nach dem Sehen eines Films sagt, er sei gut, dann hat ihn sicher etwas Emotionales im Film berührt. Das ist es, was oben mit „gute Cutter sind gute Erzähler“ gemeint war.

Zurück zum Anfang: Für einen guten Cutter besteht Schnitt darin, „Emotionen“ anzuordnen und zu kombinieren.

Mit einer Reihe von Einstellungen eine Montage zu bauen, die die Emotion „Wut“ transportiert, ist vielleicht nicht so schwer.

Aber bei einem Langfilm gibt es nicht nur Wut als emotionale Hauptfarbe, sondern vielleicht auch Abschnitte mit „Freude“, „Trauer“, „Heiterkeit“ usw. Diese Emotionen zu einem Gesamtwerk zu verschmelzen, ist außerordentlich schwierig.

Bei einem 15- oder 20-Sekunden-Kurzvideo ist das erste Ziel: eine einzige Emotion zu vermitteln.

Deshalb bedeutet „kurze Videos gut schneiden“ nicht automatisch, dass man auch Langfilme oder sogar Spielfilme gut schneiden kann.

Umgekehrt gilt es allerdings schon.

Darum führt beim Lernen des Schnitts kein Weg an der Filmtheorie vorbei.

Lässt man technische Aspekte einmal beiseite, so hat ein guter Film immer eine emotionale Hauptlinie, die alles zusammenhält – oder mehrere emotionale Hauptlinien, die ineinandergreifen.

Nehmen wir an, wir schneiden einen Film mit dem Thema „Traurigkeit“. Im Materialpool gibt es zwei Takes von jemandem, der laut weint:

Einstellung ①: Sauber gedreht, technisch einwandfrei.

Einstellung ②: Unscharf, wackelig, aber emotional viel intensiver.

Technisch gesehen wäre Take ② ein „Ausschuss“.

Will man aber, dass der Film gut wird, nimmt man trotzdem Take ②.

Alles, was die Kamera aufgezeichnet hat – ob „Cut“ gerufen wurde oder nicht –, ist im Schnitt: Es gibt keine einzige Sekunde, die „Ausschuss“ wäre.