De sleutel tot een goed gemonteerde film: “emotie”

Bij exact hetzelfde ruwe beeldmateriaal gaat het voor een goede editor bij montage nooit alleen om het rangschikken van shots, maar om het rangschikken van “emoties”.

In eerdere video’s/artikelen heb ik het meer dan eens gehad over de “zes regels voor de perfecte montage”. Vandaag werken we die eens uitgebreid uit.

Zes regels voor perfecte montage:

1. Emotie (51%)

2. Verhaal (23%)

3. Ritme (10%)

4. Kijkrichting (7%)

5. Tweedimensionale eigenschappen (5%)

6. Driedimensionale continuïteit (4%)

Dit is de montage-”bijbel” die is opgesteld door de beroemde editor Walter Murch (The Godfather, Apocalypse Now).

Kijk eens naar het gewicht van deze zes regels:

De drie minst belangrijke (kijkrichting | tweedimensionale eigenschappen | driedimensionale continuïteit) zijn precies wat wij in gewone taal “montagetechniek” of “montagetheorie” noemen. Denk aan de relatie tussen kijkrichting en camerastandpunt, aan jump cuts, aan het vermijden van sprongen in beeld, aan match cuts, actiecontinuïteit… al die academische theorie uit de lesboeken.

De drie belangrijkste daarentegen hebben juist niets met deze technische eisen te maken.

Wat betekent dan die belangrijkste, hoogst geplaatste factor “emotie” precies? Eén voorbeeld maakt het duidelijk:

In de film The Talented Mr. Ripley is er een shot waarin de hoofdpersoon, nadat zijn leven een reeks turbulente wendingen heeft genomen, op een boot naar de zee staat te kijken. Deze medium shot blijft heel lang staan.

Editor Murch beschreef zijn gedachte bij het monteren van dit shot:

“Je kunt het shot net zo lang laten staan als je je voorstelt dat zijn gedachten met de zee mee kunnen blijven drijven.”

Dát is emotie, en dát is de belangrijkste functie van montage: vertellen.

Zelfs in een film met een “hondsdolle, gefragmenteerde” montagestijl als Requiem for a Dream (met een recordaantal van ongeveer 2000 shots in de hele film; een doorsneefilm van 60–90 minuten heeft meestal maar 600–700 shots) komen lange, stilstaande “long takes” voor. Om de stijl consistent te houden, had de editor in theorie overal voor razendsnelle montage kunnen kiezen. Zo’n lang stilstaand shot invoegen lijkt de vaart er toch juist uit te halen?

— De editor geeft volledig prioriteit aan de emotie van het personage. Echte emotie kan alleen worden vastgelegd door een camera die gewoon blijft doorlopen.

In feite zijn de perfecte-montage-regels van Walter Murch niet alleen van toepassing op speelfilms, maar op alle montageprojecten.

We leggen vaak te veel nadruk op “techniek” en vergeten de meest primaire “emotie” die het shot aan het publiek moet overbrengen.

Volgens de brave academische regels is het kiezen van materiaal de eerste taak van de editor, en moet dat altijd volgens algemene principes: “shot stabiel, geen geschud, gezicht duidelijk zichtbaar, compositie keurig netjes”… Maar als je echt wilt dat een film emotioneel raak is, moeten we die regels soms doorbreken.

In deze scène uit The Godfather stoot de acteur bij het uit beeld lopen per ongeluk tegen de camera, waardoor het beeld trilt, maar de editor heeft er bewust voor gekozen dat niet weg te snijden.

In de opening van 12 Years a Slave begint de dialoog pas na een paar seconden stilstaand beeld (volgens de gangbare montagelogica zou je zeer waarschijnlijk meteen met dialoog openen).

Dit zijn allemaal voorbeelden van het behouden van emotie via montage.

De ambitie van een goede editor lijkt dan ook te zijn om de vraag “waar snijden we?” te vervangen door “en als we níet snijden?”

Je hebt vast weleens gehoord dat goede montage neerkomt op verhalen vertellen, verhalen vertellen met beelden. Hoe vertel je een verhaal goed? Als iemand een verhaal opdreunt als een uit het hoofd geleerde tekst, vlak en zonder enige golfslag, zul je er niets van onthouden en ga je waarschijnlijk zelfs gapen. Maar als iemand met mimiek, uitbundig lijfelijk spel, veel dynamiek in zijn stem en spugend van enthousiasme een verhaal vertelt, dan zal zelfs een matig verhaal toch behoorlijk boeiend zijn.

Daarom kan een goede regisseur zelfs van een extreem middelmatig script nog altijd een redelijk goede film maken: omdat hij het ritme weet te sturen. En dat ritme wordt gestuurd door emotie.

Als mensen een film goed noemen, is er altijd iets dat hen emotioneel raakt. Dat is precies die voortdurende opmerking hierboven: “goede editors kunnen verhalen vertellen”.

Terug naar het begin: “Voor een goede editor gaat montage altijd over het rangschikken van ‘emoties’.”

Een reeks shots monteren tot een montagefragment dat de emotionele kleur “woede” heeft, is misschien nog niet zo moeilijk.

Maar bij een lange film is de emotionele thematiek niet alleen “woede”. Er zitten misschien ook fragmenten met “vreugde”, “verdriet”, “plezier” enzovoort in. Al die emoties weer samenkneden tot één werk is buitengewoon lastig.

Voor een korte video van 15 of 20 seconden is de eerste doelstelling het overbrengen van één emotie.

Daarom geldt: goed zijn in korte video’s monteren betekent niet automatisch dat je een lange film of zelfs een speelfilm goed kunt monteren.

Omgekeerd geldt dat wel.

Dit is ook waarom je, als je montage echt goed wilt leren, bij de filmtheorie moet beginnen.

Als je wat technische aspecten wegdenkt, heeft elke goede film één emotionele rode draad die alles voorttrekt, of meerdere emotionele lijnen die elkaar kruisen en samen het geheel vormen.

Stel dat we een film monteren waarvan het hoofdthema “verdriet” is. In de bin zitten twee shots die we kunnen kiezen: beide zijn van iemand die hartstochtelijk huilt.

Shot ① Normale opname, technisch perfect.

Shot ② Iets onscherp en schokkerig, maar de persoon huilt veel emotioneler.

Vanuit technisch oogpunt is shot ② een “mislukt shot”.

Maar als je wilt dat de film goed wordt, moet je shot ② kiezen.

Alles wat door de camera is opgenomen — of er nu “cut” is geroepen of niet — is in de montage geen enkele seconde een “mislukt shot”.