Die Schlüsselkategorie für einen guten Schnitt: „Emotion“

Wenn ein guter Editor mit demselben Rohmaterial arbeitet, besteht Schnitt nicht einfach daraus, Einstellungen aneinanderzureihen, sondern „Emotionen“ zu kombinieren.

In früheren Videos/Artikeln habe ich mehrfach die „sechs Regeln des perfekten Schnitts“ erwähnt, heute gehen wir im Detail darauf ein.

Die sechs Regeln des perfekten Schnitts:

1. Emotion (51 %)

2. Geschichte (23 %)

3. Rhythmus (10 %)

4. Blickrichtung (7 %)

5. Zweidimensionalität (5 %)

6. Dreidimensionale Kontinuität (4 %)

Sie stammen vom berühmten Cutter Walter Murch („Der Pate“, „Apocalypse Now“) und gelten als eine Art „Bibel“ des Filmschnitts.

Sehen wir uns die Gewichtung dieser sechs Regeln an:

Die letzten drei, die am wenigsten ins Gewicht fallen (Blickrichtung | Zweidimensionalität | Dreidimensionale Kontinuität), sind genau das, was wir umgangssprachlich „Schnitttechnik“ oder „Schnitt-Theorie“ nennen – etwa die Beziehung zwischen Blickrichtung und Kamerarichtung, Hard Cuts, das Vermeiden von Jump Cuts, Match Cuts, Anschluss der Bewegungen usw. – all die akademischen Theorien aus den Lehrbüchern.

Im Gegensatz dazu haben die drei wichtigsten Punkte mit diesen technischen Anforderungen kaum etwas zu tun.

Was bedeutet also die an erster Stelle stehende, wichtigste „Emotion“? Ein Beispiel macht es deutlich:

In „Der talentierte Mr. Ripley“ gibt es eine Einstellung, in der der Protagonist nach einer Reihe von Schicksalsschlägen auf dem Schiff steht und aufs Meer schaut; diese Halbtotal bleibt sehr lange stehen.

Cutter Murch erklärte seinen Gedanken bei diesem Schnitt:

„Stell dir vor, wie lange seine Gedanken mit den Wellen mitgehen können – so lange darf die Einstellung stehen.“

Das ist Emotion. Und das ist die wichtigste Funktion des Schnitts: das Erzählen.

Selbst in einem Film wie „Requiem for a Dream“ mit seinem „wie eine tollwütige Hundemeute zersplitterten“ Schnittstil (der Film hat rekordverdächtige rund 2000 Einstellungen; ein 60–90-minütiger Film hat normalerweise 600–700 Einstellungen) gibt es Einstellungen, die sehr lange stehen gelassen werden. Um den Stil durchgehend zu halten, hätte der Cutter problemlos weiter auf Hochgeschwindigkeit schneiden können – ein lang stehender Shot würde doch den Rhythmus zerstören, oder?

– Der Cutter setzt ganz klar zuerst auf die Emotion der Figur. Echte Emotion lässt sich nur von einer Kamera einfangen, die einfach weiterläuft.

Tatsächlich gelten Murchs Regeln für den perfekten Schnitt nicht nur für Spielfilme, sondern für jedes Schnittprojekt.

Wir legen oft zu viel Gewicht auf „Technik“ und übersehen die ursprüngliche „Emotion“, die eine Einstellung dem Publikum vermittelt.

Nach streng akademischer Theorie ist Materialauswahl das erste Ziel des Schnitts. Man wählt Material nach allgemeinen Grundsätzen wie „Kamera stabil, kein Wackeln, Gesicht klar erkennbar, saubere Bildkomposition…“. Aber wenn man die Emotion eines Films wirklich präzise treffen möchte, muss man diese Regeln oft durchbrechen.

In einer Szene aus „Der Pate“ stößt der Protagonist beim Verlassen des Bildes versehentlich an die Kamera, das Bild wackelt – doch der Cutter hat die Einstellung bewusst nicht entfernt.

Im Prolog von „12 Years a Slave“ bleibt die Kamera einige Sekunden lang stumm, bevor der Dialog einsetzt (nach gängiger Schnittpraxis würde man sehr wahrscheinlich direkt mit Dialog beginnen).

Das sind typische Entscheidungen, bei denen der Schnitt Emotion bewahrt.

Das Ziel hervorragender Cutter scheint also zu sein, die Frage „Wo schneiden?“ in „Was, wenn ich hier gar nicht schneide?“ zu verwandeln.

Man hört oft: Guter Schnitt erzählt eine Geschichte, erzählt mit Bildern. Wie erzählt man eine gute Geschichte? Wenn jemand einen Text einfach herunterleiert, ohne jede emotionale Welle, wird dir nichts im Gedächtnis bleiben, du gähnst vielleicht sogar. Wenn aber jemand mit Mimik, übertriebenen Gesten, variierender Betonung und spuckefliegend eine Geschichte erzählt, wird selbst eine eher mittelmäßige Story fesselnd.

Deshalb können gute Regisseure selbst ein extrem mittelmäßiges Drehbuch noch zu einem einigermaßen guten Film machen – weil sie Rhythmus steuern können. Und dieser Rhythmus wird von Emotion bestimmt.

Wenn jemand einen Film gesehen hat und sagt, er sei gut, dann hat ihn mit Sicherheit etwas auf emotionaler Ebene berührt. Das ist genau das, worauf ich oben immer wieder hinauswollte: „Gute Cutter sind Erzähler.“

Zurück zum Anfang: „Für einen guten Cutter besteht Schnitt darin, Emotionen zu kombinieren.“

Mit einer Reihe von Einstellungen eine Montage zu bauen, die eine eindeutig „wütende“ emotionale Färbung hat, ist vielleicht noch einfach.

Aber stell dir einen langen Film vor, dessen emotionale Themen nicht nur „Wut“ sind, sondern auch „Freude“, „Trauer“, „Heiterkeit“ usw. – all diese emotionalen Passagen wieder zu einem Ganzen zu verschmelzen, ist äußerst schwierig.

Bei einem 15- oder 20-sekündigen Kurzvideo ist das vorrangige Ziel, eine einzige Emotion zu vermitteln.

Darum heißt ein gut geschnittener Short noch lange nicht, dass man auch Langfilme, geschweige denn Kinofilme, schneiden kann.

Umgekehrt gilt das aber durchaus.

Auch deshalb beginnt man, wenn man Schnitt wirklich lernen will, am besten mit der Filmtheorie.

Abgesehen von technischen Aspekten hat ein guter Film immer eine emotionale Hauptlinie, der man folgen kann – oder mehrere emotionale Hauptlinien, die miteinander verwoben sind.

Angenommen, wir schneiden einen Film mit dem Thema „Traurigkeit“, und in der Bin liegen zwei Einstellungen derselben Person beim Schluchzen:

Einstellung ① Normal gedreht, technisch einwandfrei.

Einstellung ② Unscharf, wacklig, aber das Weinen ist deutlich intensiver.

Aus technischer Sicht wäre Einstellung ② ein „Ausschuss“.

Soll der Film aber gut werden, wählt man dennoch Einstellung ②.

Alles, was von der Kamera aufgenommen wurde – ganz gleich, ob „Cut“ gerufen wurde oder nicht – ist im Schnitt keine einzige Sekunde „Ausschuss“.