¿Qué es un corte de salto (Jump Cut)? 5 maneras de usar el jump cut en el cine

Explicación del jump cut en el cine

Al igual que el corte de coincidencia, el jump cut es una técnica de montaje cinematográfico eficaz que puede representar saltos en el tiempo. Si se usa correctamente, puede contribuir a la narración. Empezaremos con la definición de jump cut y luego veremos algunas formas creativas en que cineastas como Spielberg y Guy Ritchie lo han utilizado.

¿Qué es un jump cut?

Un jump cut consiste en interrumpir una única toma mediante cortes, de modo que el sujeto parezca saltar hacia adelante en el tiempo de forma inmediata. Mientras que la mayoría de técnicas de montaje están diseñadas para “ocultar” el corte, el jump cut es una elección estilística que hace el corte completamente visible.

Algunos cineastas consideran que los jump cuts son intrínsecamente malos porque llaman la atención sobre la naturaleza construida y montada de la película. Se piensa que violan el montaje de continuidad típico, cuyo objetivo es ofrecer una apariencia fluida del tiempo y el espacio al servicio de la historia.

El jump cut se diferencia del corte de coincidencia en que este último busca crear una transición fluida entre dos escenas separadas. El objetivo habitual del corte de coincidencia es establecer una comparación metafórica entre dos objetos, temas o escenarios diferentes.

Cómo usar un jump cut en el cine:

• En un montaje

• Para amplificar la tensión

• Al presentar personajes

• Para enfatizar un estado mental

• En entrevistas documentales

¿De dónde viene el jump cut?

El jump cut existe desde los orígenes del cine. Cualquier definición de jump cut estaría incompleta sin mencionar a un cineasta en particular: Georges Méliès, que utilizó esta técnica para crear ilusiones mágicas en pantalla. Como mago, Méliès explotó al máximo el recurso, creando algunos “trucos de cámara” llamativos e inolvidables.

El grado de experimentación de Méliès con la técnica de montaje prácticamente lo convirtió en el padre de los efectos especiales en el cine. Desde una perspectiva novedosa, los jump cuts de Méliès eran perfectos, pero ¿cómo podían los cineastas integrar esta técnica de forma natural en el cine narrativo? En Rusia surgieron técnicas de edición radicales, agrupadas bajo el término montaje soviético, pero Hollywood era otra cosa.

Entre la década de 1920 y los años 50, con el auge del sistema de estudios de Hollywood, el modo dominante de hacer cine valoraba la “invisibilidad”. También llamada película clásica de Hollywood, su meta era “ocultar” la estructura del filme. En teoría, esto permitiría sumergir al público en la película.

Romper esa ilusión y recordar al espectador que está viendo una película estaba prácticamente prohibido. Al menos, hasta que llegó la Nouvelle Vague francesa y tiró el libro de reglas por la ventana. Sin reconocer el aporte de los franceses, cualquier definición de jump cut quedaría incompleta.

Jump cut y la Nouvelle Vague francesa

El uso moderno del jump cut comenzó con Jean‑Luc Godard y su película pionera de 1960, Al final de la escapada (Breathless), sin duda una de las mejores películas de la Nouvelle Vague. En apariencia, Al final de la escapada es una historia criminal romántica, pero todas las expectativas asociadas a ese tipo de relato se van desmantelando una a una.

En cierto momento, los dos protagonistas viajan juntos en coche. La cámara permanece fija sobre Patricia (interpretada por Jean Seberg), pero saltamos repetidamente hacia adelante a puntos que parecen aleatorios e inciertos.

Godard sabotea deliberadamente la “invisibilidad” tan apreciada por Hollywood y el cine mainstream francés. El montaje crea aquí un efecto disonante, evidentemente intencional. A ojos de hoy, estos ejemplos de jump cut quizás ya no parezcan tan radicales, pero en 1960 tuvieron un impacto enorme.

Cómo usamos hoy el jump cut

Aunque todavía se ven jump cuts con frecuencia en el cine, la técnica parece haberse popularizado con rapidez en internet. Es particularmente apreciada por los vloggers. Los jump cuts en videoblogs se han vuelto tan habituales que quizá ya ni los notes.

Verás a muchos creadores con un plano continuo de sí mismos hablando a cámara. El plano corta, indicando un cambio de idea o un salto hacia adelante en la historia, pero la posición del vlogger es la misma que antes.

Al montar planos, el objetivo final debería ser comunicar lo más importante. Por eso, saber cómo hacer jump cuts es una habilidad esencial que puede ayudarte a producir tu mejor película.

Usar jump cuts en un montaje

La lista de Schindler (1993) es una de las mejores películas de Steven Spielberg. Cuenta la historia del empresario Oskar Schindler, que salvó del Holocausto a más de mil refugiados judíos polacos contratándolos en su fábrica.

Hay un momento en la película en el que se utilizan jump cuts, y su uso quizá no sea el que esperarías en un filme de este tipo. Es, esencialmente, un segmento de montaje cómico y juguetón dentro de un drama sombrío sobre el Holocausto.

La elección de usar jump cuts en esta escena responde a dos motivos. En primer lugar, transmiten el paso del tiempo. Schindler recibe a muchas mujeres en su oficina. Como en cualquier montaje, podemos recorrer todo el proceso de forma rápida y eficaz, pero eso es solo una consideración práctica.

En segundo lugar, estos cortes se usan aquí con fines humorísticos. Las mujeres evidentemente no saben escribir a máquina y, al mostrarlas de este modo continuo, se introduce un momento ligero en una película por lo demás oscura: una especie de interludio que a la vez hace avanzar la trama.

Deja que el jump cut amplifique la tensión

En Corre, Lola, corre (Run Lola Run, 1998) vemos una aplicación muy distinta del jump cut. El novio, que debía entregar dinero a un jefe criminal, ha perdido 100.000 marcos, y Lola tiene que encontrar la manera de conseguir esa suma en solo 20 minutos para salvarle la vida.

En esta escena, Lola entra en pánico y baraja todas las posibilidades de conseguir el dinero. Vemos ejemplos de jump cuts mientras Lola exprime su cerebro.

Como indica la sinopsis, Corre, Lola, corre es una película de ritmo frenético que no puede perder tiempo. Estos cortes enfatizan ese hecho y nos introducen directamente en el estado mental de Lola. Acaba de recibir una noticia devastadora. Está ansiosa, desorientada.

Los humanos no están hechos para procesar la información de esta manera. El ojo quiere ver movimiento fluido y continuo, de modo que el jump cut va en contra de ese ideal estético. Aunque muchas películas tratan de evitar este efecto, aquí funciona a la perfección. El montaje crea un clima emocional para el espectador, lo que lo convierte en una técnica preferible a los encuadres y cortes estándar.

Aplicar jump cuts para presentar personajes

Snatch: Cerdos y diamantes es un thriller criminal de 2000 dirigido por Guy Ritchie sobre un grupo de delincuentes que intenta recuperar un diamante robado y un promotor de boxeo que trabaja para un jefe sádico.

La película incluye muchas de las técnicas que Ritchie ha usado a lo largo de su filmografía, entre ellas su predilección por los cortes rápidos, ejemplificada de la mejor manera en la secuencia de apertura.

Los créditos iniciales contienen una gran cantidad de jump cuts, junto con otras florituras estilísticas. Toda la secuencia dura menos de 90 segundos, y en ese tiempo Ritchie necesita transmitir una enorme cantidad de información.

Presentar personajes en un guion requiere esfuerzo, pero Ritchie encuentra una forma eficaz de hacerlo mediante el montaje. Su tarea es presentarnos 12 personajes, cada uno con personalidad y objetivos definidos. Para acelerar, se vale de estos cortes para adelantar el tiempo y construir un impulso narrativo real.

El ejemplo más evidente de jump cut en la secuencia es la presentación de Mickey (interpretado por Brad Pitt). Recibe un fajo de billetes, y su compañero intenta tocarlo. Mickey da varias palmadas, con un jump cut intermedio, y en cuestión de segundos el público obtiene toda la información necesaria sobre ese hombre. Casualidad o no, también es una de las mejores interpretaciones de Brad Pitt.

Esta escena con jump cut cumple una doble función. El resto de la película será rápida y energética. Usar jump cuts desde el inicio permite que el espectador sepa exactamente qué tipo de filme está viendo y que debe prepararse para abrocharse el cinturón.

Usar jump cuts para enfatizar un estado mental

Uno de los momentos más sorprendentes y conmovedores de Los Tenenbaums: Una familia de genios (2001) es el intento de suicidio de Richie (Luke Wilson). Justo antes de ese momento, empieza a cortarse el pelo y afeitarse la barba. En esta escena sombría, vemos varios jump cuts.

En la superficie, esto parece solo una decisión práctica: comprimir el tiempo y recorrer el proceso con rapidez. Pero piensa en el impacto emocional al ver la escena.

En el cine, los jump cuts suelen emplearse para crear excitación o energía, pero en este caso se convierten en un modo poético de visualizar la tristeza. Wes Anderson no necesita mostrarnos a Richie cortándose el pelo. Compartir un momento tan íntimo con un personaje en su punto más bajo es claramente una elección del director. El jump cut funciona como una representación visual del estado emocional inestable y fragmentado de Richie.

Jump cuts co‑axiales

Existe un subtipo de jump cut que logra un efecto similar, pero se ejecuta de manera ligeramente distinta. Mientras el jump cut salta hacia adelante en el tiempo dentro de una toma, el jump cut co‑axial solo altera la perspectiva de la cámara sin saltar en el tiempo.

Dicho de otro modo, desde el mismo ángulo de cámara, el corte ajusta de inmediato la distancia focal, haciéndola más larga o más corta. En términos sencillos, con cada corte el sujeto de la imagen se ve más grande o más pequeño en el encuadre. La función del jump cut co‑axial se parece mucho a la de un zoom, pero sin el cambio gradual: aquí la variación es súbita y disonante.

Por ejemplo, cuando Elliott y sus amigos se esconden de las autoridades, E.T. entra en pánico. En ese fragmento se producen jump cuts co‑axiales.

Alfred Hitchcock también era un fan de esta técnica y la utilizaba en momentos de terror puro mediante jump cuts estridentes y disruptivos. Si has visto la famosa escena de la ducha en Psicosis, cuando Marion se gira hacia el asesino, la cámara se acerca cada vez más a su boca gritando.

En Los pájaros hay otra escena así: Lydia descubre el cadáver de su padre tras el ataque mortal más reciente.

Hitchcock buscaba constantemente nuevas formas de hacer que el público viviera una experiencia paralela a la de los personajes (véanse también: la escena de la ducha mencionada y el “zoom Hitchcock” en Vértigo). En este momento, el uso de jump cuts co‑axiales nos acerca progresivamente a la muerte, de modo que ese hallazgo aterrador resulta igual de impactante para nosotros.