Wat is een jump cut? 5 manieren om jump cuts in films te gebruiken

Uitleg van jump cuts in films

Net als de match cut is de jump cut een effectieve montagetechniek waarmee een sprong in de tijd kan worden weergegeven. Goed gebruikt kan hij het verhaal ondersteunen. We beginnen met de definitie van een jump cut en bespreken daarna enkele creatieve toepassingen door filmmakers als Spielberg en Guy Ritchie.

Wat is een jump cut?

Een jump cut onderbreekt één enkele opname door middel van een knip, waardoor het onderwerp lijkt alsof het abrupt vooruit springt in de tijd. Terwijl de meeste montagetechnieken juist zijn ontworpen om de knip te “verbergen”, is de jump cut een stilistische keuze die de knip volledig zichtbaar maakt.

Sommige filmmakers vinden jump cuts in wezen slecht, omdat ze de aandacht vestigen op de geconstrueerde en gemonteerde aard van de film. Men ziet ze als een schending van de typische continuïteitsmontage, die juist bedoeld is om een naadlijke indruk van tijd en ruimte te geven.

Jump cuts verschillen van match cuts doordat die laatste juist bedoeld zijn om een naadloze overgang tussen twee afzonderlijke scènes te creëren. Het doel van een match cut is meestal om een metaforische vergelijking te maken tussen twee verschillende objecten, onderwerpen of settings.

Hoe je jump cuts in film kunt gebruiken:

• In een montage

• Om spanning te vergroten

• Bij de introductie van personages

• Om een gemoedstoestand te benadrukken

• In documentaire-interviews

Waar komen jump cuts vandaan?

Jump cuts bestaan al sinds het ontstaan van de film. Zonder één specifieke filmmaker te noemen, is een definitie van de jump cut niet volledig: Georges Méliès gebruikte deze techniek om magische illusies op het scherm te creëren. Als goochelaar maakte Méliès optimaal gebruik van deze techniek en creëerde hij opvallende en onvergetelijke “trucshots”.

Door de mate waarin hij experimenteerde met montage geldt Méliès eigenlijk als de vader van de special effects in de film. Vanuit een vernieuwend perspectief waren de jump cuts van Méliès perfect, maar hoe konden filmmakers deze techniek op natuurlijke wijze integreren in verhalende cinema? In Rusland ontstonden radicale montagetechnieken die samen onder de naam Sovjetmontage bekendstaan, maar Hollywood volgde een heel andere weg.

Van de jaren 1920 tot de jaren 1950, met de opkomst van het Hollywood-studiosysteem, werd de dominante manier van filmen gekenmerkt door “onzichtbaarheid”. Ook wel de klassieke Hollywoodcinema genoemd, met als doel de structuur van de film te “verbergen”. Theoretisch zou dit het publiek volledig in de film onderdompelen.

Het doorbreken van deze illusie en de toeschouwer eraan herinneren dat hij naar een film kijkt, was zo goed als taboe. Totdat de Franse Nouvelle Vague opkwam en het regelboek het raam uit gooide. Zonder eer te bewijzen aan de Fransen zou de definitie van een jump cut onvolledig zijn.

Jump cuts en de Franse Nouvelle Vague

Het moderne gebruik van jump cuts begon bij Jean-Luc Godard en zijn baanbrekende film À bout de souffle (Breathless, 1960), ongetwijfeld een van de beste films van de Nouvelle Vague. Op het eerste gezicht is Breathless een misdaad-liefdesverhaal, maar alle verwachtingen die men bij zo’n verhaal heeft, worden één voor één doorbroken.

Er is een scène waarin de twee hoofdpersonages samen in een auto zitten. De camera blijft de hele tijd op Patricia (gespeeld door Jean Seberg) gericht, maar we springen meerdere keren met jump cuts naar ogenschijnlijk willekeurige en onzekere momenten in de toekomst.

Godard saboteert bewust de “onzichtbaarheid” die in Hollywood en de Franse mainstreamfilm zo hoog in het vaandel stond. De montage creëert hier een gevoel van disharmonie, duidelijk opzettelijk. Naar huidige maatstaven lijken deze voorbeelden van jump cuts misschien niet zo radicaal, maar in 1960 hadden ze een enorme impact.

Hoe we vandaag jump cuts gebruiken

Hoewel je jump cuts nog vaak in films ziet, lijkt de techniek zich razendsnel over internet te hebben verspreid. Ze zijn bijzonder populair geworden bij videobloggers. Jump cuts in vlogs zijn zo gewoon geworden dat je ze misschien niet eens meer bewust opmerkt.

Je ziet veel vloggers in een doorlopende opname tegen de camera praten. Dan een knip: de gedachte is veranderd, of het verhaal springt vooruit, maar de positie van de vlogger blijft exact hetzelfde.

Bij het monteren van shots is het uiteindelijke doel het belangrijkste zo helder mogelijk over te brengen. Daarom is begrijpen hoe je jump cuts inzet een essentiële vaardigheid om de best mogelijke film te maken.

Jump cuts in een montage

Schindler’s List (1993) is een van Steven Spielbergs beste films. De film vertelt het verhaal van zakenman Oskar Schindler, die meer dan duizend Poolse Joodse vluchtelingen van de Holocaust redde door hen in zijn fabriek in dienst te nemen.

Er is een moment in de film waarin jump cuts worden gebruikt op een manier die je in dit soort film misschien niet zou verwachten. Het is in wezen een speelse, komische montagescène in een verder somber Holocaustdrama.

Er zijn twee redenen om in deze scène voor jump cuts te kiezen. Ten eerste tonen ze het verstrijken van de tijd. Schindler ontvangt tijdens zijn kantooruren vele vrouwen. Zoals bij elke montage kunnen we het hele proces snel en efficiënt doorlopen, maar dat is slechts de praktische kant.

Ten tweede worden deze knippen hier gebruikt voor humor. De vrouwen weten duidelijk niet hoe ze moeten typen, en door hen op deze opeenvolgende manier te tonen, ontstaat in een verder duistere film een luchtig moment – een intermezzo dat tegelijk het verhaal vooruithelpt.

Jump cuts om spanning te vergroten

In Lola rennt (Run Lola Run, 1998) zien we een totaal andere toepassing van jump cuts. De vriend van Lola had 100.000 mark aan een misdaadbaas moeten overhandigen, maar hij is het geld kwijtgeraakt. Lola moet binnen slechts 20 minuten een manier vinden om het geld te bemachtigen en zo zijn leven te redden.

In de betreffende scène raakt Lola in paniek terwijl ze alle mogelijke manieren overweegt waarop ze aan het geld kan komen. We zien jump cuts die Lola tonen terwijl ze koortsachtig nadenkt.

Zoals de synopsis al duidelijk maakt, is Run Lola Run een razendsnelle film waarin geen tijd te verliezen is. De knippen benadrukken dit: ze brengen ons direct in Lola’s gedachtenwereld. Ze heeft net verpletterend nieuws ontvangen. Ze is angstig en gedesoriënteerd.

Mensen zijn niet gemaakt om informatie op deze manier te verwerken. Het menselijk oog wil vloeiende, continue beweging zien, dus jump cuts gaan in tegen deze esthetiek. Veel films willen dat effect juist vermijden, maar hier werkt het perfect. De montage roept een stemming op bij de toeschouwer en wordt daardoor een te prefereren techniek boven standaardshots en -knippen.

Jump cuts om personages te introduceren

Snatch is een misdaadthriller uit 2000 van Guy Ritchie, over een groep criminelen die op zoek zijn naar een gestolen diamant, en over een bokspromotor die werkt voor een sadistische baas.

De film bevat veel van de technieken die Ritchie in al zijn werk gebruikt, waaronder zijn voorkeur voor snelle montage, die het best zichtbaar is in de openingstitels.

De opening bevat tal van jump cuts en allerlei andere flamboyante stijlelementen. De hele sequentie duurt nog geen 90 seconden en in die tijd moet Ritchie een grote hoeveelheid informatie overbrengen.

Het kost moeite om personages in een scenario in te voeren, maar Ritchie vindt een effectieve manier om dat via de montage te doen. Zijn taak is om ons kennis te laten maken met 12 personages, elk met een eigen persoonlijkheid en eigen doelen. Om het tempo hoog te houden, gebruikt Ritchie jump cuts om de tijd vooruit te spoelen en echte narratieve vaart te creëren.

Het duidelijkste voorbeeld van jump cuts in deze sequentie is de introductie van Mickey (gespeeld door Brad Pitt). Hij krijgt een stapel geld, waar zijn metgezel naar probeert te graaien. Mickey mept meerdere keren zijn hand weg; tussen deze momenten zitten jump cuts, en in een paar seconden krijgt het publiek alle informatie die het nodig heeft over dit personage. Toevallig is dit ook een van Brad Pitts beste acteerprestaties.

Deze scène met jump cuts heeft een dubbel doel. De rest van de film zal snel en energiek zijn. Door in de opening jump cuts te gebruiken, weten de kijkers direct wat voor soort film ze te zien krijgen en dat ze zich moeten schrap zetten.

Jump cuts om een gemoedstoestand te benadrukken

Een van de meest verrassende en ontroerende momenten in The Royal Tenenbaums (2001) is wanneer Richie (Luke Wilson) een zelfmoordpoging doet. Vlak daarvoor begint hij zijn haar te knippen en zich te scheren. In deze sombere scène zien we meerdere jump cuts.

Op het eerste gezicht lijkt dat slechts een praktische keuze: tijd comprimeren en het proces snel afhandelen. Maar let eens op de emotionele impact tijdens het kijken.

Jump cuts worden in films meestal gebruikt om opwinding of energie op te roepen, maar hier worden ze een poëtische manier om verdriet te verbeelden. Wes Anderson hoeft Richie niet per se te tonen terwijl hij zijn haar knipt. Dat hij ervoor kiest dit extreem intieme moment te delen met een personage op zijn dieptepunt, is duidelijk een bewuste keuze. De jump cuts fungeren als visuele representatie van Richies onstabiele, gefragmenteerde emotionele toestand.

Conaxiale jump cuts

Er bestaat een subtype van de jump cut met een vergelijkbaar effect, maar net iets anders uitgevoerd. Waar een jump cut vooruit springt in de tijd binnen één shot, verplaatst een conaxiale jump cut alleen het camerastandpunt, zonder dat de tijd verspringt.

Met andere woorden: vanuit dezelfde camerahoek wordt de brandpuntsafstand bij de knip direct aangepast, langer of korter. Simpel gezegd: bij iedere knip wordt het onderwerp in beeld groter of kleiner in het frame. Conaxiale jump cuts functioneren vergelijkbaar met een zoom, maar zonder de geleidelijke verandering – de overgang is plots en schokkend.

Een voorbeeld: wanneer E.T. in paniek raakt terwijl Elliott en zijn vrienden zich voor de autoriteiten verbergen, zien we in deze sequentie conaxiale jump cuts.

Alfred Hitchcock was ook een fan van deze techniek en gebruikte harde, ontwrichtende jump cuts tijdens momenten van pure horror. In de beroemde douchescène in Psycho bijvoorbeeld, wanneer Marion zich omdraait en de moordenaar aankijkt, komt de camera in opeenvolgende shots steeds dichter bij haar schreeuwende mond.

Een ander voorbeeld staat in The Birds: Lydia ontdekt het lijk van haar vader na een recente dodelijke aanval:

Hitchcock zocht voortdurend naar nieuwe manieren om het publiek dezelfde ervaring te geven als zijn personages (zie ook: de genoemde douchescène en de “Hitchcock-zoom” in Vertigo). Door op dit moment conaxiale jump cuts te gebruiken, komen we steeds dichter bij de dood, en wordt deze schokkende ontdekking voor ons net zo ontstellend.