Wat is een jump cut? 5 manieren om jump cuts in films te gebruiken

Uitleg van de jump cut in film

Net als de match cut is de jump cut een effectieve montagetechniek om sprongen in de tijd weer te geven. Goed gebruikt kan hij het vertellen van het verhaal ondersteunen. We beginnen met de definitie van de jump cut en bekijken vervolgens enkele creatieve toepassingen door regisseurs als Spielberg en Guy Ritchie.

Wat is een jump cut?

Een jump cut is een knip binnen één enkele opname, waardoor het onderwerp lijkt alsof het plotseling vooruit springt in de tijd. Terwijl de meeste montagetechnieken zijn ontworpen om de knip te “verbergen”, is de jump cut juist een stilistische keuze die de knip volledig zichtbaar maakt.

Sommige filmmakers vinden jump cuts in wezen slecht, omdat ze de aandacht vestigen op de geconstrueerde en gemonteerde aard van de film. Men vindt dat ze de conventies van de klassieke continuïteitsmontage schenden – montage die juist bedoeld is om de tijd en ruimte in een verhaal naadloos te laten lijken.

Jump cuts verschillen van match cuts doordat die laatste juist bedoeld zijn om een vloeiende overgang tussen twee afzonderlijke scènes te creëren. Het doel van een match cut is meestal een metaforische vergelijking te maken tussen twee verschillende objecten, onderwerpen of settings.

Hoe je jump cuts in film kunt gebruiken:

• In een montage
• Om spanning te vergroten
• Bij het introduceren van personages
• Om de mentale toestand te benadrukken
• In documentaire-interviews

Waar komen jump cuts vandaan?

Jump cuts bestaan al sinds het ontstaan van de film. Zonder het noemen van één specifieke filmmaker is elke definitie van de jump cut onvolledig. Georges Méliès gebruikte deze techniek om magische illusies op het scherm te creëren. Als goochelaar haalde Méliès alles uit deze techniek en maakte hij een aantal opvallende en onvergetelijke “truc-opnames”.

Méliès’ experimenteerdrift met montage maakt hem in feite de vader van de special effects in de film. Vanuit een nieuw perspectief waren zijn jump cuts perfect, maar hoe konden filmmakers deze techniek op een natuurlijke manier integreren in verhalende speelfilms? In Rusland ontstonden radicale montagetechnieken die we nu kennen als de Sovjetmontage, maar in Hollywood ging het er heel anders aan toe.

Van de jaren 20 tot de jaren 50, met de opkomst van het Hollywoodstudiosysteem, werd de dominante manier van filmmaken gekenmerkt door “onzichtbaarheid”. Deze stijl, ook wel de klassieke Hollywoodcinema genoemd, had als doel de constructie van de film te “verbergen”. Theoretisch zou dit het publiek volledig onderdompelen in de film.

Die illusie doorbreken en het publiek eraan herinneren dat het naar een film kijkt, was zo goed als taboe. Althans, tot de opkomst van de Franse Nouvelle Vague, die het regelboek het raam uitgooide. Zonder de Fransen eer te bewijzen zou een definitie van de jump cut onvolledig zijn.

Jump cuts en de Franse Nouvelle Vague

Het moderne gebruik van de jump cut begint bij Jean-Luc Godard en zijn baanbrekende film À bout de souffle (1960), ongetwijfeld een van de beste films van de Franse Nouvelle Vague. Op het eerste gezicht is À bout de souffle een misdaadliefdesverhaal, maar alle verwachtingen rond zo’n verhaal worden één voor één ondermijnd.

In één scène zitten de twee hoofdpersonen samen in een auto. De camera blijft de hele tijd op Patricia (gespeeld door Jean Seberg) gericht, maar we springen herhaaldelijk met jump cuts naar ogenschijnlijk willekeurige, onzekere momenten in de toekomst.

Godard saboteert bewust de “onzichtbaarheid” die in Hollywood en de Franse mainstreamcinema hoog in het vaandel stond. De montage creëert hier een gevoel van dissonantie – duidelijk een bewuste keuze. Naar hedendaagse maatstaven lijken deze voorbeelden van jump cuts misschien niet zo radicaal, maar in 1960 hadden ze een enorme impact.

Hoe we vandaag jump cuts gebruiken

Je ziet nog steeds regelmatig jump cuts in films, maar de techniek is vooral op internet razend populair geworden. Video­bloggers hebben hem massaal omarmd. Jump cuts zijn in vlogs zó gebruikelijk geworden dat je ze misschien niet eens meer bewust opmerkt.

Veel vloggers nemen een lange opname op waarin ze direct tegen de camera praten. Dan volgt een knip die een nieuwe gedachtegang aangeeft of een sprong vooruit in het verhaal, terwijl de positie van de vlogger in beeld grotendeels hetzelfde blijft.

Bij het monteren van shots is het uiteindelijke doel om het belangrijkste zo helder mogelijk over te brengen. Begrijpen hoe je jump cuts inzet is daarom een essentiële vaardigheid om de best mogelijke film te maken.

Jump cuts gebruiken in een montage

Schindler’s List (1993) is een van Steven Spielbergs beste films. De film vertelt het verhaal van zakenman Oskar Schindler, die door meer dan duizend Poolse Joodse vluchtelingen in zijn fabriek in dienst te nemen, hun leven redde tijdens de Holocaust.

Op een bepaald moment wordt een jump cut gebruikt op een manier die je in zo’n film misschien niet zou verwachten. Het is in wezen een speelse, komische montagesequentie in een verder somber Holocaustdrama.

Er zijn twee redenen om voor jump cuts te kiezen in deze scène. Ten eerste laten ze het verstrijken van de tijd zien. Schindler ontmoet tijdens zijn kantooruren een lange reeks vrouwen. Net als bij elke montage kunnen we zo het hele proces snel en efficiënt doorlopen, maar dat is slechts de praktische kant.

Ten tweede worden de cuts hier gebruikt voor humor. De vrouwen blijken duidelijk niet te kunnen typen, en door hen op deze opeenvolgende manier te tonen, ontstaat een luchtig moment in een verder duistere film – een intermezzo dat tegelijkertijd de plot vooruit helpt.

Jump cuts inzetten om spanning te vergroten

In Lola rennt (Run Lola Run, 1998) zien we een totaal andere toepassing van de jump cut. Lola’s vriend is 100.000 mark kwijtgeraakt die hij eigenlijk aan een misdaadbaas had moeten overhandigen, en Lola moet binnen 20 minuten een manier vinden om het geld te bemachtigen om zijn leven te redden.

In deze scène raakt Lola in paniek en denkt ze koortsachtig na over alle mogelijke manieren om aan het geld te komen. We zien een reeks jump cuts terwijl Lola zich het hoofd breekt.

Zoals de synopsis al aangeeft, is Lola rennt een razendsnelle film waarin geen tijd te verliezen is. De cuts benadrukken dat, en ze plaatsen ons direct in Lola’s denkwereld. Ze heeft zojuist hartverscheurend nieuws gekregen. Ze is gespannen en gedesoriënteerd.

Het menselijk brein verwerkt informatie idealiter niet op deze manier. Het oog wil vloeiende, continue beweging zien, en jump cuts gaan in tegen deze esthetiek. Veel films proberen zo’n effect te vermijden, maar hier werkt het perfect. De montage creëert een gemoedstoestand bij het publiek en wordt zo een betere keuze dan standaardshots en -cuts.

Jump cuts gebruiken bij de introductie van personages

Snatch is de misdaadthriller uit 2000 van Guy Ritchie over een groep criminelen die op zoek is naar een gestolen diamant, en over een bokspromotor die werkt voor een sadistische baas.

De film bevat veel van Ritchies kenmerkende trucs, inclusief zijn voorkeur voor snelle montage, het duidelijkst te zien in de introductiesequentie.

Die opening zit vol jump cuts en andere stilistische flair. De hele sequentie duurt nog geen 90 seconden, en in die tijd moet Ritchie een enorme hoeveelheid informatie overbrengen.

Personages introduceren in een script kost moeite, maar Ritchie vindt een effectieve manier om dit via montage te doen. Hij moet ons kennis laten maken met 12 personages, elk met een eigen persoonlijkheid en doel. Om het tempo hoog te houden, gebruikt hij de cuts om de tijd vooruit te spoelen en echte narratieve vaart op te bouwen.

Het duidelijkste voorbeeld van jump cuts in de sequentie is de introductie van Mickey (gespeeld door Brad Pitt). Hij krijgt een stapel geld, en zijn maat probeert het aan te raken. Mickey slaat zijn hand een aantal keer weg, met daartussen een jump cut, en in een paar seconden weet het publiek alles wat nodig is om deze man te begrijpen. Toevallig is dit ook een van Brad Pitts beste vertolkingen.

Deze jump cut-scène vervult een dubbele functie. De rest van de film zal snel en energiek zijn. Door al in de opening jump cuts te gebruiken, maakt Ritchie het publiek meteen duidelijk in wat voor soort film ze zijn beland en dat ze zich moeten schrap zetten.

Jump cuts gebruiken om een mentale toestand te benadrukken

Een van de meest verrassende en aangrijpende momenten in The Royal Tenenbaums (2001) is de zelfmoordpoging van Richie (Luke Wilson). Vlak daarvoor begint hij zijn haar te knippen en zijn baard te scheren. In deze sombere scène zien we meerdere jump cuts.

Op het eerste gezicht lijkt dat een praktische keuze – tijd comprimeren en het proces snel afronden. Maar denk ook aan de emotionele impact van de scène tijdens het kijken.

Jump cuts worden in films vaak gebruikt om opwinding of energie op te wekken, maar hier worden ze een poëtische manier om verdriet te visualiseren. Wes Anderson hoeft ons niet per se te laten zien hoe Richie zijn haar knipt. Dat hij ervoor kiest ons deze extreem intieme momenten te tonen terwijl het personage op zijn dieptepunt zit, is veelzeggend. De jump cuts vormen een visuele representatie van Richies wankele en gefragmenteerde emotionele toestand.

Coaxiale jump cuts

Er is een subtype van de jump cut met een vergelijkbaar effect, maar een iets andere uitvoering. Waar een jump cut de tijd vooruit laat springen binnen een opname, laat een coaxiale jump cut alleen het camerastandpunt verschuiven, zonder tijdsprong.

Met andere woorden: vanuit dezelfde camerahoek wordt de brandpuntsafstand in de knip direct aangepast – langer of korter. Simpel gezegd: bij elke knip wordt het onderwerp in beeld ineens groter of kleiner. Het effect lijkt op dat van een zoomlens, maar dan zonder de geleidelijke verandering – de verschuiving is abrupt en dissonant.

Bijvoorbeeld: wanneer Elliott en zijn vrienden zich verbergen voor de autoriteiten, raakt E.T. in paniek. In die sequentie zien we coaxiale jump cuts.

Alfred Hitchcock was ook fan van deze techniek en gebruikte scherpe, ontwrichtende jump cuts in pure horrormomenten. In de beroemde douchescène in Psycho zoomt de camera bijvoorbeeld in opeenvolgende stappen dichter naar Marion toe, tot aan haar schreeuwende mond.

In The Birds is er een scène waarin Lydia na een recente dodelijke aanval het lichaam van haar vader ontdekt:

Hitchcock zocht voortdurend naar nieuwe manieren om het publiek een ervaring te geven die overeenkomt met die van de personages (zie ook: de douchescène hierboven en de “Hitchcock-zoom” in Vertigo). Door in dit moment coaxiale jump cuts te gebruiken die ons steeds dichter bij de dood brengen, wordt deze schokkende ontdekking voor ons net zo overweldigend.