Wat is een jump cut? 5 manieren om jump cuts in film te gebruiken

Uitleg van de jump cut in films

Net als de match cut is de jump cut een effectieve montagetechniek om een sprong in de tijd te tonen. Wanneer hij goed wordt gebruikt, kan hij het verhaal versterken. We beginnen met de definitie van een jump cut en bekijken daarna een aantal creatieve toepassingen door filmmakers als Spielberg en Guy Ritchie.

Wat is een jump cut?

Een jump cut is een knip die een enkel shot onderbreekt, waardoor het lijkt alsof het onderwerp plotseling vooruit springt in de tijd. Terwijl de meeste montagetechnieken zijn ontworpen om de knip te “verbergen”, is de jump cut een stilistische keuze die de knip juist volledig zichtbaar maakt.

Sommige filmmakers vinden jump cuts in essentie slecht, omdat ze de aandacht vestigen op het geconstrueerde, gemonteerde karakter van een film. Ze worden gezien als een schending van de klassieke continuïteitsmontage – montage die juist bedoeld is om een naadloos gevoel van tijd en ruimte in het verhaal te geven.

Jump cuts verschillen van match cuts doordat die laatsten juist zijn bedoeld om een soepele overgang tussen twee aparte scènes te creëren. Het gebruikelijke doel van een match cut is om een metaforische vergelijking te maken tussen twee verschillende objecten, thema’s of settings.

Hoe je jump cuts in film kunt gebruiken:

• In een montage

• Om spanning te vergroten

• Bij de introductie van personages

• Om een mentale toestand te benadrukken

• In documentaire-interviews

Waar komen jump cuts vandaan?

Jump cuts bestaan al sinds het ontstaan van de film. Zonder één specifieke filmmaker te noemen is de definitie van een jump cut niet compleet. Georges Méliès gebruikte de techniek om magische illusies op het scherm te creëren. Als goochelaar haalde Méliès alles uit deze techniek en maakte hij enkele opvallende en onvergetelijke “trucshots”.

De mate waarin Méliès experimenteerde met montage maakt hem in feite tot de vader van special effects in de film. Vanuit een vernieuwend perspectief waren Méliès’ jump cuts perfect, maar hoe konden filmmakers deze techniek op een natuurlijke manier in narratieve cinema integreren? In Rusland ontstonden radicale montagetechnieken die we samen Sovjetmontage noemen, maar in Hollywood liep het heel anders.

Van de jaren 20 tot de jaren 50, met de opkomst van het Hollywood-studiosysteem, was de dominante filmstijl gericht op “onzichtbaarheid”. Dit heet ook wel de klassieke Hollywoodcinema, waarvan het doel is om de structuur van de film te “verbergen”. In theorie zou dit het publiek volledig in de film onderdompelen.

Die illusie doorbreken en het publiek eraan herinneren dat het naar een film kijkt, was in feite taboe – tot de Nouvelle Vague verscheen en het regelboek het raam uit gooide. Zonder de Fransen te noemen zou de definitie van de jump cut incompleet zijn.

Jump cuts en de Franse Nouvelle Vague

Het moderne gebruik van jump cuts begint bij Jean-Luc Godard en zijn baanbrekende film À bout de souffle (Breathless, 1960), ongetwijfeld een van de beste films van de Nouvelle Vague. Op het eerste gezicht is Breathless een misdaad-liefdesverhaal, maar alle verwachtingen die men bij zo’n verhaal heeft, worden één voor één doorbroken.

Op een bepaald moment zitten de twee hoofdpersonen samen in een auto. De camera blijft steeds op Patricia (Jean Seberg) gericht, maar we maken herhaaldelijk jump cuts naar ogenschijnlijk willekeurige en onduidelijke momenten in de toekomst.

Godard saboteert bewust de “onzichtbaarheid” die in Hollywood en de mainstream Franse cinema zo hoog werd gewaardeerd. De montage creëert hier een gevoel van dissonantie, duidelijk met opzet. Naar huidige maatstaven lijken deze voorbeelden van jump cuts misschien niet zo radicaal, maar in 1960 hadden ze een enorme impact.

Hoe we jump cuts vandaag gebruiken

Je ziet nog steeds vaak jump cuts in films, maar de techniek is vooral razendsnel populair geworden op internet. Ze worden in grote mate omarmd door videobloggers. Jump cuts in vlogs zijn zo gebruikelijk geworden dat je ze misschien nauwelijks nog opmerkt.

Je ziet vaak dat vloggers een doorlopend shot van zichzelf hebben terwijl ze in de camera praten. Dan volgt een knip die een gedachtewisseling of een sprong in het verhaal aangeeft, maar de positie van de vlogger is nog steeds hetzelfde.

Bij het monteren van shots is het uiteindelijke doel om het belangrijkste zo helder mogelijk over te brengen. Daarom is weten hoe je jump cuts gebruikt een cruciale vaardigheid om je te helpen de best mogelijke film te maken.

Jump cuts in een montage gebruiken

Schindler’s List (1993) is een van Steven Spielbergs beste films. De film vertelt het verhaal van zakenman Oskar Schindler, die meer dan duizend Poolse Joodse vluchtelingen redt van de Holocaust door ze in zijn fabriek in dienst te nemen.

Er is een moment in de film waarin jump cuts worden gebruikt op een manier die je in een film als deze misschien niet zou verwachten. Het is in wezen een speelse, komische montagesequentie in een verder somber Holocaustdrama.

Er zijn twee redenen om in deze scène voor jump cuts te kiezen. Ten eerste tonen ze het verstrijken van de tijd. Schindler ontvangt in zijn kantoor vele vrouwen. Zoals bij elke montage kunnen we het hele proces snel en efficiënt doorlopen, maar dat is slechts een praktische overweging.

Ten tweede worden de knips hier gebruikt voor humor. De vrouwen blijken duidelijk niet te kunnen typen, en door ze op deze opeenvolgende manier te tonen, ontstaat er een luchtige onderbreking in een verder donkere film – een intermezzo dat tegelijkertijd het verhaal vooruit helpt.

Jump cuts om spanning te vergroten

In Run Lola Run (1998) zien we een heel andere toepassing van jump cuts. Lola’s vriend is 100.000 mark kwijtgeraakt die hij eigenlijk aan een misdaadbaas moest overhandigen, en Lola moet binnen 20 minuten een manier vinden om dat geld te regelen om zijn leven te redden.

In deze scène raakt Lola in paniek terwijl ze alle mogelijke manieren overweegt om aan het geld te komen. We zien jump cuts terwijl Lola zich het hoofd breekt.

Zoals de synopsis al aangeeft, is Run Lola Run een snelle film waarin geen tijd te verliezen is. De montage onderstreept dat: ze plaatst ons direct in Lola’s gedachtegang. Ze heeft net verpletterend nieuws gekregen. Ze is angstig en gedesoriënteerd.

Mensen zijn niet “gemaakt” om informatie op deze manier te verwerken. Het menselijk oog wil vloeiende, continue beweging zien, en jump cuts gaan in tegen dat esthetische verlangen. Terwijl veel films dit effect willen vermijden, werkt het hier perfect. De montage roept een stemming op bij het publiek, waardoor de techniek te verkiezen is boven standaard shots en knips.

Jump cuts gebruiken om personages te introduceren

Snatch is een misdaadthriller uit 2000 van Guy Ritchie, over een groep criminelen die op zoek zijn naar een gestolen diamant, en een bokspromotor die werkt voor een sadistische baas.

De film bevat veel van de technieken die Ritchie in zijn werk gebruikt, waaronder zijn voorliefde voor snelle montage, het beste te zien in de openingstitels.

Die opening bevat talloze jump cuts en andere stilistische uitspattingen. De hele sequentie duurt nog geen 90 seconden, en in die tijd moet Ritchie een grote hoeveelheid informatie overbrengen.

Personages in een scenario introduceren kost doorgaans veel moeite, maar Ritchie vindt een effectieve manier om dat via de montage te doen. Zijn taak is om ons kennis te laten maken met twaalf personages, elk met een eigen persoonlijkheid en doel. Om het tempo hoog te houden gebruikt Ritchie jump cuts om de tijd vooruit te laten springen en echte narratieve vaart op te bouwen.

Het duidelijkste voorbeeld van jump cuts in deze sequentie is de introductie van Mickey (Brad Pitt). Hij krijgt een stapel geld en zijn maat probeert het aan te raken. Mickey slaat meerdere keren zijn hand weg; tussen die momenten zitten jump cuts, en in een paar seconden krijgt het publiek alle informatie die het over hem nodig heeft. Toevallig is dit ook een van Brad Pitts beste rollen.

Deze jump-cut-scène heeft een dubbel doel. De rest van de film zal snel en energiek zijn. Door in de opening jump cuts te gebruiken, maakt Ritchie meteen duidelijk wat voor soort film het publiek te zien krijgt en dat het zich moet voorbereiden op een wilde rit.

Jump cuts gebruiken om een mentale toestand te benadrukken

Een van de verrassendste en meest ontroerende momenten in The Royal Tenenbaums (2001) is de zelfmoordpoging van Richie (Luke Wilson). Net daarvoor begint hij zijn haar te knippen en zich te scheren. In deze sombere scène zien we meerdere jump cuts.

Op het eerste gezicht lijkt dat een praktische keuze – om de tijd in te korten en het proces snel af te handelen. Maar let eens op de emotionele impact als je de scène bekijkt.

Jump cuts worden in films vaak gebruikt om opwinding of energie te creëren, maar hier worden ze een poëtische manier om verdriet te visualiseren. Wes Anderson hóeft ons niet te laten zien hoe Richie zijn haar knipt. Het is duidelijk Andersons keuze om zo’n extreem intiem moment te delen met een personage op zijn dieptepunt. De jump cuts zijn een visuele weergave van Richie’s instabiele, gefragmenteerde emotionele toestand.

Axiale jump cuts

Een subtype van de jump cut heeft een vergelijkbaar effect, maar wordt net iets anders uitgevoerd. Jump cuts springen vooruit in de tijd binnen hetzelfde shot, terwijl axiale jump cuts alleen de camerapositiesprong maken, zonder een sprong in de tijd.

Met andere woorden: vanuit dezelfde camerahoek wordt in de montage meteen de brandpuntsafstand aangepast, langer of korter. Simpel gezegd: bij elke knip wordt het onderwerp in het beeld groter of kleiner. Axiale jump cuts werken vergelijkbaar met een zoom, maar zonder de geleidelijke overgang – de verandering is plots en dissonant.

Een voorbeeld: wanneer Elliott en zijn vrienden op de vlucht zijn voor de autoriteiten, raakt E.T. in paniek. In dat fragment zien we axiale jump cuts.

Alfred Hitchcock was ook fan van deze techniek; hij gebruikte harde, ontregelende jump cuts in pure horror-momenten. Als je de beroemde douchescène in Psycho hebt gezien: wanneer Marion zich omdraait naar de moordenaar, komt de camera in sprongen steeds dichter bij haar schreeuwende mond.

In The Birds is er een soortgelijke scène waarin Lydia het lijk van haar vader ontdekt na een recente dodelijke aanval:

Hitchcock was altijd op zoek naar nieuwe manieren om het publiek een ervaring te geven die overeenkomt met die van de personages (zie ook: de hierboven genoemde douchescène en de “Hitchcock-zoom” in Vertigo). Door axiale jump cuts te gebruiken terwijl we stap voor stap dichter bij de dood komen, wordt deze schokkende ontdekking voor ons net zo schokkend als voor haar.