Czym jest niemiecki ekspresjonizm filmowy? Jak zdefiniować ten styl?

Kiedy kraj pogrąża się w wojnie, wszystkie jego gałęzie przemysłu zostają dotknięte kryzysem lub przynajmniej stają w obliczu ryzyka przemian. Po I wojnie światowej styl kina niemieckiego stał się bardziej osobliwy i mroczniejszy. Rządowy zakaz wyświetlania filmów zagranicznych dodatkowo spotęgował izolację kina niemieckiego. Właśnie w tym kontekście narodził się niemiecki ekspresjonizm. Czym zatem właściwie jest niemiecki ekspresjonizm w filmie? Przyjrzyjmy się temu bliżej.

Historia niemieckiego ekspresjonizmu

Aby zdefiniować ten styl, musimy poznać jego genezę oraz zrozumieć, dlaczego tak wyraźnie różni się od innych współczesnych mu nurtów. Po wyjaśnieniu definicji i krótkim rysie historycznym przytoczymy kilka przykładów.

Czym jest niemiecki ekspresjonizm filmowy?

Niemiecki ekspresjonizm to charakterystyczny styl artystyczny, który pojawił się najpierw około 1910 roku w poezji i teatrze. W ciągu dekady po zakończeniu I wojny światowej zaczął zyskiwać popularność w kinie. Częściowo wyrastał z niemieckiego romantyzmu i wyrażał subiektywną wizję świata. Poprzez zdeformowane, sennie koszmarne obrazy nadawał kształt zbiorowym lękom społeczeństwa niemieckiego. Ekspresjoniści nie przywiązywali wagi do czysto estetycznej przyjemności z odbioru dzieła. Styl ten rozkwitł po grozie I wojny światowej i następującym po niej załamaniu gospodarczym. Do pierwszych filmów, które można uznać za czysty niemiecki ekspresjonizm, należą „Gabinet doktora Caligari” i „Metropolis”.

Cechy niemieckiego ekspresjonizmu

• wysokie kąty ustawienia kamery

• głębokie cienie / oświetlenie o silnym kontraście światła i mroku

• skrajnie nachylone kadry

• niemożliwe, nielogiczne dekoracje

Biorąc pod uwagę realia powojennej Niemiec, nie dziwi, że sztuka i kino stały się tak mroczne.

Niemiecka krytyczka filmowa Lotte Eisner nazwała to „helldunkel” i określiła jako „rodzaj zmierzchu niemieckiej duszy, wyrażający się w ciemnych, tajemniczych wnętrzach lub zamglonych, ulotnych pejzażach”.

Filmy niemieckiego ekspresjonizmu wykorzystują silny kontrast światła i cienia, by tworzyć koszmarne sceny, często sięgając po technikę światłocienia (chiaroscuro). Zobaczmy kilka klasycznych dzieł, które ugruntowały tę zdominowaną przez cienie estetykę.

Reprezentatywne dzieła niemieckiego ekspresjonizmu

Gabinet doktora Caligari (1920)

„Gabinet doktora Caligari” został napisany przez Hansa Janowitza i Carla Mayera, inspirowany ich osobistymi doświadczeniami z I wojny światowej oraz nieufnością wobec rządów autorytarnych. Twórcy świadomie zniekształcili rzeczywistość, chcąc oddać klimat epoki, a nie tworzyć wierny, realistyczny obraz, i w ten sposób wprowadzić widza w stan dezorientacji.

Nosferatu (1922)

Metropolis (1927)

Niemiecki film niemy Fritza Langa posługuje się ekspresjonistycznym obrazowaniem, by ukazać pochłaniający wpływ technologii na społeczeństwo. Film obficie korzysta z przerysowanych ujęć, które wzmacniają emocje napędzające rozwój fabuły.

Niemiecki ekspresjonizm całkowicie odmienił historię kina. Szczególnie istotne jest to, że jego sposób operowania kontrastowym światłem został przejęty i rozwinięty jako esencja filmów noir i horroru. Niewątpliwie stworzył wizualne fundamenty dla całego szeregu gatunków filmowych.

Czym jest światłocień w filmie? Definicja, techniki i przykłady

Jeśli szukasz idealnego przykładu dziedzictwa niemieckiego ekspresjonizmu, przyjrzyj się twórczości Tima Burtona.

„Edward Nożycoręki” jest bezpośrednim spadkobiercą „Gabinetu doktora Caligari”. Widać to w pochyleniu i poszarpanej strukturze scenografii, skrajnym wykorzystaniu światła i cienia, a także w samej postaci Edwarda. Spójrz na inne filmy Tima Burtona, a dostrzeżesz, że niepokojący duch niemieckiego ekspresjonizmu wciąż w nich żyje.